·†· LA MARCHA FÚNEBRE ·†·

TENNESSEE WILLIAMS / EL MEJOR DRAMATURGO DEL SIGLO XX

2010-12-14T13:48:00.019+01:00

TENNESSEE WILLIAMS
Thomas Lanier Williams III era el nombre que sus compañeros de Universidad cambiaron por el de ‘Tennessee’, debido al acusado acento sureño que tenía de joven, y que el propio escritor asumió como pseudónimo. Había nacido en Columbus (Misisipi) el 26 de marzo de 1911, en la casa de una familia conflictiva que inspirará muchas de las situaciones y personajes de sus dramas. A la edad de 3 años, Williams se traslada a la vecina Clarksdale y cuatro años después, tras ser diagnosticado de difteria, emigra a St. Louis (Missouri). Es entonces cuando su madre le regala una vieja máquina de escribir, que será la mecha que alimente su pasión por las letras y dé rienda suelta a su actividad como escritor.

Primeros éxitos
Aunque a los 18 años ya había publicado algunos artículos y obras noveles, no fue hasta los 24 cuando llegó a ver interpretada su ‘Cairo, Shangay, Bombay’ . En 1939 se traslada a Nueva Orleans para dedicarse a escribir sus primeros éxitos y poco después marcha a Nueva York, donde se instala. En 1943 la Metro Goldwin Mayer le contrata para hacer una adaptación al cine de una novela suya, ‘El zoo de cristal’, que recibe en 1945 el premio de la Crítica Teatral de Nueva York.

Corre el año 1947 cuando Tennessee escribe el que probablemente sea su drama más popular, ‘Un tranvía llamado deseo’, con el que obtuvo el prestigioso premio Pulitzer un año después y que en 1952 fue llevado a la pantalla por Elia Kazan con el debut de un joven Marlon Brando. Cinco años después, en 1952, escribe ‘La rosa tatuada’, que dedica a su compañero Frank Merlo.

Carne sobre la escena
Los cincuenta son la década dorada para nuestro dramaturgo, fruto de las adaptaciones cinematográficas de sus obras, que le catapultan a nivel internacional. ‘La gata sobre el tejado de zinc caliente’ será otro de sus dramas más conocidos y valorados por el público y también por la crítica, que llegó a concederle un nuevo Pulitzer en 1955. En esta, como en otras obras suyas, Tennessee habla de unos personajes atormentados, como el de la heroína loca, reflejo de su hermana Rose, de quien se sentía muy próximo, y que padecía una grave esquizofrenia paranoica que la recluyó gran parte de su vida en hospitales mentales. Tennessee siempre reprochó a sus padres que consintieran someterla a una operación de lobotomía, quedando profundamente afectado por ello, hasta el punto de conducirle al alcoholismo.
Estas circunstancias familiares también quedaron reflejadas en otros de sus dramas, como ‘De repende el último verano’ (1958) donde reproduce el intento de una tia por lobotomizar a su sobrina para que no descubra los secretos inconfesables de su hijo. Igualmente, se cree que la Blanche Dubois de ‘Un tranvía llamado deseo’ y la Laura Wingfield de ‘El zoo de cristal’ son el vivo reflejo de la personalidad de su desquiciada hermana, por la que sentía verdadera adoración.

Su sexualidad
La homosexualidad fue una de las constantes presentes en su obra. No podía ser de otra manera, teniendo en cuenta los sentimientos y la trayectoria vital de Tennessee Williams. Una parte nada desdeñable de su obra es autobiográfica y en ella refleja sus gozos y zozobras –más de éstas últimas que de los primeros– sobre su pasión por los hombres. Incluso muchos de sus personajes son en gran medida versiones sobre la realidad vivida por el autor, como ocurre con el Tom Wingfield de ‘El zoo de cristal’ o el Sebastian de ‘De repente el último verano’.

En sus ‘Memorias’ (1975) Williams narra sus relaciones homosexuales en la madurez de la vida y en ‘The Parade of Approaching the End of Summer’, escrita a los 29 años y poco conocida en nuestro país, retrata una relación amorosa personal mantenida de joven con un hombre en Provincetown (Massachusetts). El largo romance que mantuvo con su secretario, Frank Merlo, duró hasta que este murió víctima de un cáncer de pulmón en 1947. A partir de entonces, Tennessee cayó en una enorme depresión de diez años y en el alcoholismo, que le acompañaría el resto de su vida.

No se trata de los ruiseñores
‘No se trata de los ruiseñores’ es otra obra suya menos conocida que toca en todo su dramatismo el tema de la homosexualidad masculina carcelaria. Aunque fue escrita en el año 1938, nunca llegó a representarse, tal vez porque su argumento era demasiado fuerte para el público de aquellos días y de las décadas sucesivas. Su estreno en Londres, en el año 1998, fue fruto del interés de la actriz Vanessa Redgrave por darlo a conocer al gran público. Su director escénico, Trevor Nunn, llegó a calificar el drama de angustioso y redondo.
En la novela ‘Moise o el mundo de la razón’ (1975) Tennessee también da rienda suelta a su universo personal como autor y como hombre. Un escritor mediocre nos habla en primera persona, ofreciéndonos no pocos guiños autobiográficos: una madre posesiva, el amor homosexual, la aventura en busca de la fama y el miedo a la soledad y la vejez. Por último, en otra faceta suya menos conocida, Williams también quiso dejarnos su poesía preñada de intimismo y crudeza. Así, las vivencias homoeróticas de nuestro autor salpican toda la colección de poemas a la que denominó ‘Androgyne, moun amour’ (1977).

Entre bambalinas y celuloide

La íntima relación existente entre la obra de Tennessee Williams y el cine es bien conocida por todos, a pesar de que durante más de dos décadas en Broadway llegó a estrenarse casi una obra de teatro suya por año, un récord no superado hasta hoy. Las adaptaciones y revisiones cinematográficas de sus dramas captaron la atención de directores de la talla de John Huston, Elia Kazan, Daniel Mann o Joseph L. Mankiewicz, y reflejaron un mundo sórdido plagado de personajes que identificamos con monstruos del celuloide como Anna Magnani, Vivian Leigh, Liz Taylor, Katherine Hepburn, Ava Gardner, Deborah Kerr, Marlon Brando, Paul Newman, Montgomery Cliff, Richard Burton, Warren Beatty o Burt Lancaster.

Tennessee fue en realidad un poeta de las pasiones humanas. Sus obras reivindican toda una fauna de inadaptados sociales y transgresores, los desamparados del mundo, en definitiva, estableciendo un diálogo asfixiante aunque revelador entre el individuo marginado, en permanente rebeldía, y la sociedad que lo aplasta y envilece. Arquetipos tales como la heroína atormentada, el macho dominante, el artista sensible, el hombre que quiere comerse el mundo, la madre protectora, el perdedor nato o el aristócrata consumido en su propia decadencia, componen un universo personal y reivindicativo de su enorme talla como autor dramático.

Poeta de la decadencia
La etapa dorada de los años 50 dio paso a un periodo de menor actividad literaria para Tennessee Williams, quien, no obstante, aún dio algunos frutos que hoy podemos reconocer y degustar. Tras la muerte de su querido Jack Merlo, la inspiración del escritor conoce un lento declinar que se caracteriza por su constante afán revisionista que persigue recuperar el pulso de anteriores éxitos, sin conseguirlo plenamente. Este hecho va sumiéndole en un estado de declive personal irrecuperable, rodeado de drogas y de alcohol.

La muerte le llegó a los 71 años y poco tuvo que ver con los fatales desenlaces de sus obras, aunque no por ello dejó de estar exenta de ciertos resabios entre lo absurdo y lo dramático. Al parecer, Tennessee Williams se atragantó con la tapa de un bote de pastillas, que le produjo la asfixia, mientras se encontraba solo en la habitación de un hotel. Triste final para aquel que ha sido, es y probablemente seguirá siendo, con mucho, el autor de dramas más universal de todo el siglo XX.

Jóvenes noctámbulos
lucen tejanos pegados a las ingles y los muslos,
gozando en Union Square,
allí donde los yonquis esparcen flores,
perdidos en sus sueños, el torso descubierto,
jóvenes como tú, viejos como yo…
lanzan un grito… silenciosamente.
(Del poema ‘Cruissing’, en Androgyne, mon amour)
Fuente

Robert Mapplethorpe / El fotografo del escándalo Corcoran

2010-11-18T19:51:00.019+01:00

Robert Mapplethorpe (Nueva York, 4 de noviembre de 1946 – Boston, 9 de marzo de 1989) fue un fotógrafo norteamericano, célebre por sus fotografías blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera.

Biografía
Mapplethorpe nació en 1946, el tercero de seis hijos, y creció en un entorno católico romano de herencia inglesa e irlandesa en la Parroquia Nuestra Señora de las Nieves, en Floral Park, Nueva York, un vecindario de Long Island, que él mismo recordaba diciendo: «Yo vengo de la América suburbana. Se trata de un entorno muy seguro, y es un buen lugar para haber venido de él, en el sentido de que era un buen lugar para salir de casa», desarrollando desde su adolescencia un interés hacia el homoerotismo. Cursó estudios superiores en el Pratt Institute de Brooklyn desde 1963 a 1970, donde produjo obras de arte en una variedad de medios de comunicación. No utilizaba aún sus propias fotografías, pero en sus obras incorporaba muchas imágenes fotográficas que conseguía de varias fuentes, incluyendo páginas arrancadas de libros y revistas. Este temprano interés reflejaba la importancia de la imagen fotográfica en la cultura y el arte de su tiempo, incluyendo el trabajo de artistas tan notables como Andy Warhol, a quien Mapplethorpe admiraba enormemente.
(Andy Warhol)

Empezó su carrera como cineasta independiente y artista, usando fotografías en collages. Realizó sus primeras fotografías poco después utilizando una cámara Polaroid que le regaló un amigo.

Todavía no se consideraba a sí mismo un fotógrafo, pero deseaba utilizar sus propias fotografías en sus pinturas, en lugar de imágenes sacadas de revistas. "Nunca me gustó la fotografía", fue citado diciendo, "No la fotografía en sí. Me gusta el objeto. Me gustan las fotos cuando las tienes en la mano". Sus primeras polaroids consisten en autorretratos y la primera de una serie de retratos de su intima amiga,
(Robert&Patti )

(Patti-Robert)

la cantante-artista-poeta Patti Smith fueron amigos hasta la muerte de Robert, se conocian desde muy jovenes...la cantante estadounidense también conocida como la reina del punk ganó en el día de hoy (18-11-2010)el premio nacional de Literatura de EEUU.

(Patti Smith)

Estas primeras obras fotográficas se presentaban generalmente en grupos o elaboradamente presentadas en marcos cuyas formas y pinturas eran tan importantes para el acabado de la pieza como la propia fotografía. El paso de Mapplethorpe a la fotografía como único medio de expresión ocurrió gradualmente durante mediados de los años setenta.
A mediados de la década de 1970, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos y miembros de la comunidad sadomasoquista underground. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico. Mapplethorpe declaraba a ARTnews a finales de 1988, "no me gusta esa palabra, "chocante". Yo busco lo inesperado. Busco cosas que nunca he visto antes ... Estaba en una posición en que podía tomar las fotos. Me sentí en la obligación de hacerlo".
Incluso después de que se diera a conocer como fotógrafo, Mapplethorpe se mantuvo interesado en el arte y en 1988 realizó un espectáculo con imágenes fotográficas impresas sobre tela. También fue coleccionista de fotografías, así como de mobiliario, telas y otros objetos de arte. Solicitado como fotógrafo editorial, realizó retratos de famosos para revistas como Vogue y Vanity Fair.
En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica.
El primer estudio de Mapplethorpe estaba en el 24 de Bond Street, en Manhattan. Para la década de 1980, Sam Wagstaff le dio 500.000 dólares para comprar un loft en el último piso del 35 West 23rd Street, donde vivía y tenía su estudio de trabajo. Mientras, mantuvo el loft de Bond Street como su cuarto oscuro. Mapplethorpe continuó desafiando la definición de fotografía mediante la introducción de nuevas técnicas y formatos para su obra: polaroids en color, fotograbado, platino impreso en papel y lino, Cibachomes e impresiones de tinta de color transferida, así como sus anteriores impresiones de gelatina de plata en blanco y negro.
Mapplethorpe produjo una obra consistente que se esforzaba por el equilibrio y la perfección, lo que le colocó entre los principales artistas del siglo XX. Aproximadamente un año antes de su muerte, ya enfermo, Mapplethorpe ayudó a fundar la Robert Mapplethorpe Foundation, Inc. Su visión de la Fundación era que sería "el vehículo apropiado para proteger su trabajo, para avanzar en su visión creativa, y para promover las causas que le importaban". Desde su muerte, la Fundación no sólo ha funcionado como su Patrimonio oficial y ayudado a promover su trabajo en todo el mundo, también ha recaudado y donado millones de dólares para financiar la investigación médica en la lucha contra el sida y la infección por el VIH.
Robert Mapplethorpe falleció en la mañana del 9 de marzo de 1989, en un hospital de Boston, Massachusetts, por complicaciones derivadas del sida, a los 42 años de edad. Sus cenizas fueron enterradas en la tumba de su madre, en Queens, Nueva York. Su nombre no aparece en la lápida, marcada con la palabra Maxey.

Obra
Mapplethorpe trabajaba principalmente en el estudio, especialmente hacia el final de su carrera. Sus temas habituales incluían las flores, especialmente orquídeas y lirios de agua; retratos de celebridades, entre los cuales se cuentan el artista Andy Warhol, la cantante y actriz Deborah Harry, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones y Patti Smith (un retrato de Patti Smith de 1986 recuerda el autorretrato de Albrecht Dürer de 1500; el homoerotismo y los actos de BDSM (bondage y sadomasoquismo), incluida la coprofagia), y desnudos de reminiscencias clásicas.

La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sado-masoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento. En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.

El X Portfolio de Mapplethorpe provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment (Robert Mapplethorpe: el momento perfecto), una exposición itinerante financiada por National Endowment for the Arts. El X Portfolio incluye algunas de las más explícitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en su ano. Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la American Family Association aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno para lo que llamaban "nada más que la sensacional presentación de material posiblemente obsceno". Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la "Guerra Cultural Americana". La exhibición de El momento perfecto en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de "obscenidad y pornografía infantil". Aunque tanto Barrie como el Centro de Arte Contemporáneo fueron absueltos, una de las consecuencias fue la demostración de lo amenazadoras que las imágenes de homosexualidad masculina podían resultar para el público norteamericano.
Sus fotografías sexualmente cargadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación.Esta crítica fue el tema de una obra del artista conceptual norteamericano Glenn Ligon, Notas al margen del Libro Negro (1991-1993). Ligon yuxtapone varias de la más icónicas imágenes de hombres afroamericanos de Mapplethorpe, extraídas de su Libro Negro, de 1988, con diversos textos críticos para complicar el trasfondo racial de las imágenes.

El escándalo Corcoran

Fachada de mármol de la Galería Corcoran.En junio de 1989 el artista Pop Lowell Nesbitt Blair se involucró en el escándalo que afectaba a su amigo Robert Mapplethorpe. La Corcoran Gallery of Art, el museo de arte más antiguo de Washington DC, había accedido a acoger una exposición individual de las obras de Robert Mapplethorpe, sin hacer una estipulación en cuanto a qué tipo de temática se utilizaría. Mapplethorpe decidió hacer su famoso debut de fotografías "sexually suggestive" (sexualmente sugestivas), que era una nueva serie que estaba explorando poco antes de su muerte. La jerarquía de la Corcoran, e incluso algunos miembros del Congreso se horrorizaron cuando les fueron mostradas las obras, por lo que el museo se negó continuar con la exposición. Fue en este momento en que Lowell Nesbitt Blair dio un paso adelante; fue durante largo tiempo amigo de Mapplethorpe y reveló que había dispuesto un legado en obras por un valor estimable en 1.500.000 dólares para el museo en su testamento, aunque, en declaraciones públicas que causaron un gran interés en la prensa al respecto de la cuestión, Nesbitt prometió que si el museo se negaba a acoger la exposición de las polémicas imágenes creadas por Mapplethorpe podría revocar su legado. El Corcoran se negó y Lowell Nesbitt Blair cambió el destino de su legado a la Colección Phillips, que citó como una fuente de inspiración en los comienzos de su carrera, cuando había trabajado allí en su juventud como vigilante nocturno.
Después de que la Corcoran Gallery of Art rechazara la exposición de Mapplethorpe, la comunidad de artistas de Washington, en represalia, ofrecieron una presentación nocturna de diapositivas de las fotos más explícitas sobre la fachada de mármol de la Corcoran. Una pequeña organización artística sin ánimo de lucro, el Proyecto de Washington para las Artes recogió y mostró las imágenes de la polémica en su propio espacio, desde el 21 de julio al 13 de agosto de 1989. La WPA no tenía un gran edificio, y estaban acostumbrados a recibir unos 40 visitantes cada fin de semana. Durante el primer fin de semana de la exposición de Mapplethorpe, 4000 personas se hacinaron en la galería.

Fuente:Wikipedia

Carlos Gardel / El Morocho del Abasto

2010-10-13T16:54:00.024+02:00

El Zorzal Criollo
El Morocho del Abasto
El Jilguero de Balvanera

El cantante Charles Romuald Gardès, más conocido como Carlos Gardel, nació en el año 1890, en Toulouse, Francia, aunque existe una hipótesis de que podría haber nacido en Tacuarembó, Uruguay...hecho que quedó refutado cuando Francia hizo pública su partida de nacimiento...que me disculpen los Uruguayos que creen que Gardel nació en Tacuarembó.

Testamento Ológrafo

De lo que si no se tiene duda alguna, es de que creció y se nacionalizó en Argentina en el año 1923.
Gardel se crió en el Abasto, un barrio de Buenos Aires, en el que funcionaba el mercado central de frutas y verduras, y allí, a muy temprana edad, comenzó a ser reconocido por su canto, y a partir de entonces, empezó a trascender su fama.
Carlos estudió en el Colegio Salesiano de Buenos Aires, donde conoció como compañero de curso a Ceferino Namuncurá, futuro santo argentino.
Es en el año 1902, cuando, ya convertido en un tramoyista del teatro La Victoria, comenzó a escuchar a distintos cantantes de zarzuela y ópera; y en el año 1911 formó un dúo con “El Oriental” José Razzano, el cual surgió de un supuesto duelo musical entre ambos.

(Gardel-Razzano)
A este binomio se lo ha conocido como “El Morocho y el Oriental”, y aquí Carlos Gardès cambia su apellido por el que lo haría famoso “Gardel”.
Su próximo se dio en el año 1912, cuando grabó 15 canciones para el sello Columbia Records, acompañándose él mismo con su guitarra. Entre los éxitos de su compilación, se desprende el tema “Sos mi tirador plateao”, el cual obtuvo mucha popularidad.

En 1917 se convirtió en el primer cantor oficial de tangos, en el momento en que estrenó el tango-canción llamado “Mi noche triste”, colaborando con ese tango que era sólo música sin letra. Ese mismo año filma y estrena su primera película, “Flor de durazno”, e inicia su etapa discográfica junto a José Razzano, con el sello Disco Nacional y el tema “Cantar eterno”.
En la década del ’20, llevó el tango hacia Europa, haciéndolo conocer en España y Francia; y es en 1925 que se separa de El Oriental.
Al año siguiente el morocho regresa a Argentina y comienza a dedicarse a la fonografía, convirtiéndose en los años '30 en una figura célebre en Argentina, Uruguay y en varios países europeos.
Por toda su trayectoria hasta el momento, la empresa cinematográfica Paramount Pictures Corporation convoca a Carlos para protagonizar cuatro películas, rodadas en Joinville, Francia, conquistando así el mercado de Estados Unidos, donde grabó discos, cantó en radio y filmó películas muy exitosas que extendieron su fama a toda América.
Al poco tiempo Carlos conoció al colaborador, poeta y periodista Alfredo Le Pera, con quien escribió muchos tangos, entre ellos los afamados “Mi Buenos Aires Querido”, “Volver” y “El Día Que Me Quieras”, entre otros.
Si bien es reconocido por sus tangos, Gardel se destacó en más de setecientas grabaciones, no sólo de tangos; sino también de música folclórica como milongas, zambas, rancheras, tonadas, estilos, etc.
Fue en el año 1935 que, Carlos Gardel, junto a Alfredo Le Pera y otros de sus músicos, fallecen en el choque de dos aeroplanos a punto de despegar sobre la pista del aeropuerto Enrique Olaya Herrera de la ciudad de Medellín, Colombia.

El distinguido y tan apreciado Gardel estaba entonces en lo mejor de su carrera, realizando una gran gira por toda Latinoamérica, y fueron millones de sus admiradores los que lo lloraron.

De esta manera fue como “El Zorzal criollo” se ganó la gloria.

La Cronologia de Carlos Gardel
1890-1935
1890

Nace en Toulouse, Francia, el 11 de diciembre. Inscripto con el nombre de Charles Romuald Gardes. Hijo de Berthe Gardes y su padre, que no lo reconoció, Paul Lasserre. El 11 de Marzo de 1893 llegan a Buenos Aires con su madre.
1893
Llega a Buenos Aires con su madre el 11 de marzo, procedente de Burdeos en el barco San Pedro.
1902
Estudia en el colegio San Carlos (Pío IX) el oficio de artesano apren-diz. Es compañero de Ceferino Namuncurá.
1904
Termina la escuela primaria en el colegio San Estaníslao, en el barrio del Abasto.
1905
Se va con un amigo de su misma edad hacia Montevideo. Tiene quince años y comienza a cantar a su regreso por boliches del Abasto y algunos comités radicales.
1910

Vive junto a su madre en la calle Corrientes 1714. Asiste con frecuencia al café "O'Rodemman", donde se lo conoce como "El morocho del Abasto". Durante este período cambia definitivamente su apellido por Gardel.
1911
Conoce a José Razzano y mantienen un encuentro en el café "El Pelado". A partir de aquí comienza la amistad y nace la idea de formar un dúo que más tarde se concretará.
1912
Realiza sus primeras 15 grabaciones con el sello "Columbia Records" en sistema acústico. Las primeras dos son: Sos mi tirador plateado (estilo) y Yo se hacer (cifra).Este mismo año realiza una gira, junto a Francisco Martino, por el interior del país. Más tarde se une Jose Razzano y actúan en la Casa Suiza de Rodríguez Peña al 200.
1913
Este año se une al trío Salinas, realizan algunas actuaciones pero luego Salinas decide desvincularse. Continúan con la gira, entonces Martino debe volver a Buenos Aires. De esta manera queda formado el dúo Gardel-Razzano que en diciembre debutan en el "Armenorville" junto con Roberto Firpo, Eduardo Arolas y David Roccatagliata.
1914
El dúo Gardel-Razzano debuta junto con la compañía Ducasse-Alippi en el teatro El Nacional el 8 de enero. A partir de aquí realizan una serie de actuaciones en distintos teatros y comienzan a vincularse con personalidades como Lola Membrives, Angelina Papano y Orfilia Rico.
1915
Se une al grupo José Ricardo como guitarra concertista que secunda a Gardel. Realizan giras por el interior del país. Hace una gira a Brasil. En el buque conoce a Enrico Caruso quien le aconseja sobre su canto. Durante este año hacen su debut en la ciudad de Montevideo, Uruguay, en el Teatro Royal el 18 de junio. Debutan en Brasil en el Teatro Municipal de San Pedro. El 11 de diciembre debido a un altercado, luego de una actuación en el teatro San Martín, Gardel recibe una herida de bala a quemarropa, la bala le quedó alojada en el pulmón izquierdo para toda su vida y debido a esto hay una interrupción de las actuaciones.
1916
Después de un necesario descanso Gardel, ya repuesto, reinicia su actividad. Realizan una serie de actuaciones en distintos teatros nacionales y en Montevideo.
1917
El dúo Gardel-Razzano graba su primer disco el 9 de abril para el sello Odeón. Los temas: Cantar eterno y Entre colores. Actúan en el teatro Empire donde Gardel estrena Mi noche triste. Durante los meses de junio y julio su primera película "Flor De Durazno".
1918
El dio Gardel-Razzano realiza una serie de actuaciones en el país y en el Uruguay. Junto a su guitarrista Ricardo y el maestro R.Firpo y su orquesta emprenden una gira por el interior para fomentar la venta de los discos "Nacional". Este año Gardel recibe el carnet de socio fundador, Nº 8 de la Sociedad De Artistas De Variedades.
1919
Giras por todo el país junto a Razzano y su guitarrista Ricardo, Realiza grabaciones en sistema acústico con el sello Odeón, entre ellas Flor De Fango y De Vuelta Al Bulín.
1920
Gardel vive con su madre en la calle Rodriguez Peña 451. Continúan con las audiciónes, pero después de una actuación en el Teatro Empire, debido a una operación de garganta a la que debe someterse Razzano, suspenden temporariamente sus actuaciones. Gardel conoce a Isabel Del Valle, con la que se dice ha de mantener por varios años un íntimo vínculo sentimental.
1921
Gardel y Razzano componen un tango, el primero que firman juntos "Mon Bijoi", luego Gardel le cambió el nombre por "Medallita de la suerte". Gardel comienza a preocuparse por su físico y toma clases de gimnasia. Se suma al dúo un nuevo integrante, Guillermo Barbieri como segundo guitarrista, ahora el cuarteto queda formado por Gardel-Razzano-Ricardo-Barbieri. Conocen a Irineo Leguisamo, Legui, en el hipódromo de Maroñas.
1922
Giras por todo el país. Actúan en el Teatro Maipo, nueva denominación del Teatro Esmeralda.
1923
Primer viaje a España para actúar en Madrid junto a la compañía Rivera-De Rosas. Gardel visita en Francia a sus parientes de Toulouse.
1924
Terminan sus actuaciones en Madrid y deciden viajar a Francia, en Toulouse visitan a los parientes de Gardel. Vuelven a Buenos Aires el 13 de Febrero. Continúan con las grabaciones discográficas para el sello "Nacional". Actúan en una fiesta privada en homenaje al Príncipe de Piamonte, Humberto de Saboya. Realizan sus primeras actuaciones radiales por Low Radio Grand Splendid.
1925
Continúan con sus giras y con sus actuaciones en Low Radio Grand Splendid. Canta para el Príncipe de Gales, Eduardo de Windsor. Razzano por problemas de salud decide desvincularse del dúo y Gardel le firma un poder general para que éste administre todos sus bienes y tenga amplia intervención en los asuntos que corresponden a su condición artística. Gardel viaja nuevamente a Barcelona junto a la compañía Rivera-De Rosas. En diciembre produce sus primeras grabaciones de discos en el Sello Odeón de España.
1926
Continúa grabando en Barcelona. Vuelve a Buenos Aires el 23 de Marzo. Reanuda sus grabaciones, primera vez eléctricas, con el sello Odeón de Buenos Aires. Gana por primera vez una carrera su caballo Lunático. El 8 de noviembre comienzan sus grabaciones en el sello "Nacional-Odeón" en sistema eléctrico y hace animaciones en los intervalos cinematográficos.
1927
Gardel y su madre están viviendo en un departamento en la calle Rincon 137. Actúa a menudo en el "Café De Los Angelitos" que queda a una cuadra de su domicilio. Viaja nuevamente a Barcelona y se presenta en varios teatros de Barcelona y de Madrid. Este ha sido un año muy fructífero en lo que respecta a sus grabaciones de discos.
1928
Vuelve a grabar discos en Barcelona acompañado por sus guitarristas Ricardo y Barbieri. Visita París y firma un contrato para actúar en dicha ciudad. El 14 de junio regresa a Buenos Aires. Continúa grabando para el sello Odeón en Buenos Aires. Viaja a París acompañado de sus guitarristas Ricardo-Barbieri Aguilar. Debuta en París con gran éxito y el 11 de octubre efectúa sus primeras grabaciones de discos en París para el sello Odeón.
1929
Continúan sus actuaciones en París y sus grabaciones para el sello Odeón en París. Luego de una serie de actuaciones en España el guitarrista Ricardo decide desvincularse del grupo luego de haber acompañado a Gardel durante poco más de 13 años. El 17 de junio regresa a Buenos Aires. A su regreso va a vivir a su casa, que había adquirido hacía apróximadamente dos años, en la calle Jean Jaures 735 y comienza a grabar nuevamente para el sello "Nacional-Odeón" y efectúa junto a Razzano las dos únicas grabaciones eléctricas que hacen aunando sus voces. Actúa por la Radio LR5 Radio Excelsior y LR7 Radio La Razon y en Montevideo, Uruguay.
1930
Giras por el interior. Se une al grupo el guitarrista Angel Domingo Riverol. Actúan en Radio Nacional. Graba junto a sus guitarristas y con la orquesta de F.Canaro y el dúo Biaggi-Rodio en piano y violín. Debuta en radio LR Radio Splendid y LS Radio Rivadavia. Durante los meses de octubre y noviembre se realizan las filmaciones de los encuadres de canciones. Viaja nuevamente a Europa.
1931
Terminan sus actuaciones en París. Actúa en Niza, donde conoce a Charles Chaplin (mayo 1931). Aguilar abandona la gira y regresa a Buenos Aires ya que se había enemistado con Gardel. Durante el mes de Mayo se filma la película "Luces de Buenos Aires" en Joinville, París, para la empresa Paramount. Continúa Grabando discos en París acompañado en guitarras por Barbieri y Riverol. El 20 de agosto regresa a Buenos Aires. Actúa en el teatro Broadway de Buenos Aires y es el artista mejor pagado (gana el doble que Parravicini). Actúa por LP6 Radio Casa America y con un nuevo acompañante Domingo Jose Vivas, que a partir de aquí se une al grupo. Graba canciones en francés.
1932
Realiza grabaciones en discos en Barcelona. Se relaciona con Alfredo Le Pera, quien trabaja para la "Paramount" y debe preparar los argumentos para las próximas películas que el cantor realizara en París. Durante setiembre y noviembre se filma en los estudios de la "Paramount" una serie de tres películas: "Espérame", "La Casa Es Seria" y "Melodía De Arrabal".
El 30 de diciembre vuelve a Buenos Aires.

1933
Este es el último año que paso Gardel en Argentina con una gran labor actúando en cines, teatros, programas de radio, grabaciones discográficas y giras por el interior del país y del Uruguay. Se incorpora al grupo Horacio Pettorossi.
El 16 de enero luego de haber roto definitivamente con Razzano rompe aquel contrato en el que le cedía la administración de todos sus bienes. En el mes de Noviembre firma su testamento. Viaja a Barcelona.
El 22 de diciembre viaja a los Estados Unidos. El 31 de diciembre Gardel debuta en New York en los programas de la N.B.C.
1934
Continúan sus actuaciones para la N.B.C.
El 5 de marzo por LR4 Radio Splendid se emite una extraordinaria transmisión de New York en Buenos Aires, lo más impactante es que sus guitarristas Barbieri, Riverol y Vivas lo secundan desde Buenos Aires. Durante el mes de Mayo se filma "Cuesta Abajo".
El 28 de junio comienzan a filman "El Tango En Broadway". Grabaciones de discos en New York para el sello RCA Víctor. El 25 de agosto vuelve a Europa y regresa a New York el 15 de octubre.
El 15 de diciembre comienza a filmar las escenas de la película "Cazadores De Estrellas", el resto de esta película se filma en Hollywood.
1935
En Enero de este año se filma "El Día Que Me Quieras" en New York. En febrero se filma "Tango Bar". Transmite a través de LR3 Radio Belgrano en Buenos Aires. Graba discos en New York.
El 20 de marzo de 1935, Gardel hace su última grabacion: Guitarra Mía, con las guitarras de Aguilar, Barbieri and Riverol, martiz BS 89235-2.
El 28 de marzo comienza la gira por Latinoamerica. El 23 de Junio la emisora "La Voz De La Víctor" ofrece una audición especial donde Gardel se despide de los ciudadanos de Bogotá, cierra su actuación interpretando "Tomo y Obligo", su última interpretación.
El 24 de Junio a las 12.30 horas luego de una cordíal despedida parte el trimotor Ford "F 31" de la compañía SACO. A las 14.26 horas hacen escala en el campo de aterrizaje de Olaya Herrera-Medellín. Cuando el avión intenta volver a despegar se desvía de su trayectoria y colisiona contra otro avión que en ese momento estaba preparado para despegar. En el incidente los dos aviones se ven envueltos en las llamas que no permiten llegar a nadie para poder socorrer a los pasajeros. Carlos Gardel perdió la vida en este terrible accidente aéreo.

Fuentes: Wikipedia

Todo Tango

John Cassavetes / El gran director

2010-09-15T09:35:00.014+02:00

John Nicholas Cassavetes (Nueva York, Nueva York, Estados Unidos, 9 de diciembre de 1929 – Los Ángeles, California, Estados Unidos, 3 de febrero de 1989) fue un actor, guionista y director norteamericano. Se le considera un pionero del cine independiente de su país.

Biografía
John Cassavetes nació en Nueva York de padres inmigrantes griegos; su padre, Nicholas, llegó en 1908 y se casó en 1926, con una griega quince años más joven. Eran muy humildes, pero el padre se dedicó a ayudar a los inmigrantes de su país. John creció en Long Island, y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de ingresar a la Academia de Artes Dramáticas (American Academy of Dramatic Arts), que eligió antes de hacer cualquier otro trabajo. Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en varias series de televisión.
Primeras películas
En 1954, Cassavetes se casó con la actriz Gena Rowlands, nacida en 1930, con la que trabajaría toda su vida, a poco de conocerla. Como señala su gran biógrafo, R. Carney, eran dos personas de carácter y de orígenes sociales muy diferentes (ella procedía de familia adinerada); ambos eran conflictivos y de valía; parte de sus vidas se reflejará en los filmes de John. Hacia 1956, comenzó a enseñar el "método" en talleres en Nueva York. Un ejercicio de improvisación le dio la idea para lanzarse a su primer largometraje, Shadows (1959). Cassavetes obtuvo los fondos de su familia y de sus amigos, así como del programa de radio Night People.
Cassavetes fue incapaz de conseguir que ninguna distribuidora norteamericana lanzase "Shadows", así que probó fortuna en Europa, donde consiguió el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Los distribuidores europeos llevaron posteriormente la película a los Estados Unidos como si se tratara de una importación.
A pesar de que su distribución en los Estados Unidos no fue muy amplia, consiguió llamar la atención de los estudios de Hollywood. Cassavettes dirigió dos largometrajes en Hollywood a comienzos de los años 60: Too Late Blues y A Child is Waiting.

Su siguiente película como director (la segunda de forma independiente a los estudios) fue Faces (1968), protagonizada por su mujer y por John Marley, Seymour Cassel y Val Avery. La película muestra la desintegración de un matrimonio moderno, y fue candidata a tres Premios Oscar en las categorías de mejor guión original, mejor actor de reparto y mejor actriz de reparto.

Maridos (1970) está protagonizada por el propio Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara. Interpretan a un trio de hombres casados viajando por Nueva York y Londres tras el funeral de uno de sus mejores amigos.
Minnie and Moskowitz, película que trata de una pareja formada por dos amantes muy diferentes, es interpretada por Rowlands y Seymour Cassel.

La etapa dorada

En los años 70, realiza las que serían consideradas sus tres mejores películas: Una mujer bajo la influencia (1974), por la que Cassavetes fue candidato al Oscar a la mejor dirección y su mujer fue candidata al Oscar a la mejor actriz; The Killing of a Chinese Bookie (1976) y Noche de estreno (1977). Todas ellas fueron producidas independientemente.
En The Killing of a Chinese Bookie Ben Gazzara interpreta a Cosmo Vitelli, un propietario de un pequeño club de strip-tease que es presionado por unos gangsters a cometer un asesinato para poder pagar sus deudas.
( Genna Rowlands)
En Noche de estreno, Rowlands interpreta a una estrella cinematográfica, venida a menos con los años, que trabaja en el teatro y sufre una crisis personal. Según Laurence Gavron, Cassavettes trabajó en el guión durante años, refinándolo y alterándolo. La producción costó más de 1,5 millones de dólares, y se necesitó más de un año para terminarla. La primera versión duraba 5 horas, y finalmente tan sólo una copia de la versión final fue distribuida en los Estados Unidos.

Carrera como actor
Cassavetes también desarrolló su carrera como actor, participando en películas como Doce del patíbulo (1967), por la que fue candidato al Premio de la Academia al mejor actor de reparto,

La semilla del diablo (también intitulada, en otros países hispanohablantes, como El bebé de Rosemary) (1968), de Roman Polanski. Otras películas destacadas en su carrera interpretativa fueron The Killers (1964), de Don Siegel, y The Fury (1978). En la siguiente década hizo tres películas destacadas: Gloria (1980), Love Streams (1984) y, la que sería su última película, Big Trouble (1986).
Cassavetes murió de cirrosis hepática en 1989, a los 59 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.
Su hijo Nick Cassavetes continuó sus pasos como actor (Face/Off) y como director (John Q) y la famosisima The Notebook,(El diario de Noah)

Improvisación
Suele malinterpretarse el papel de la improvisación en las películas de Cassavetes. Sus filmes –con excepción de la primera versión de Shadows –tenían un sólido guión. Cassavetes permitía, sin embargo, llevar sus propias interpretaciones de los personajes a la escena. La escena en general estaba escrita, pero la actuación no. Cassavetes también era receptivo a la hora de tomar una nueva dirección, si el actor así se lo sugería.

Fuentes: Wikipedia

Elvis Presley / 33 años de su desaparición

2010-08-16T00:02:00.005+02:00

Nombre real Elvis Aaron Presley
Nacimiento Tupelo, Misisipi, Estados Unidos de América - 8 de enero de 1935
Muerte Memphis, Tennessee, Estados Unidos de América - 16 de agosto de 1977 (42 años)
Ocupación(es) Músico, compositor, cantautor, actor
Información artística
Alias El Rey del Rock
Género(s) Rock & Roll, pop, blues, gospel, country, rockabilly.
Instrumento(s) Voz, guitarra, piano
Período de actividad 1954 - 1977

Conocido también por el sobrenombre de Rey del Rock, fue un artista que se convirtió en el icono de la música popular del siglo XX. La singularidad de su nombre, permite que usualmente se le llame Elvis, aunque sus simpatizantes lo denominan simplemente como El Rey.
Durante su carrera, protagonizó 31 películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. Grabó un total de 150 álbumes y obtuvo 14 nombramientos a los Grammy de la academia nacional de las artes y de las ciencias.
A pesar de su muerte, su legado continúa produciendo beneficios, vendiendo discos y todo tipo de artículos ornamentales. Debido a su estatus, sirve de inspiración de muchos otros músicos y cantantes, tanto dentro como fuera del género Rock. John Lennon, de The Beatles, fue en sus comienzos uno de sus principales devotos.
Discográficas como RCA y BMG, comentan que ha superado la cifra de los 1.000 millones de discos vendidos desde 1980. Asimismo, cuenta también con detractores que cuestionan dicho nombramiento acreditando el mérito a otros rockers de la época.
El Rock and Roll Hall of Fame and Museum cita lo siguiente:
Por haber surgido de circunstancias humildes y haber lanzado con su imponente voz y con su carismática presencia en los escenarios lo que fue la revolución rockabilly, Elvis, es indiscutiblemente el «Rey del Rock and Roll»
La revista Rolling Stone lo presenta como el tercer intérprete de toda la historia en su lista "The Immortals" (superado solo por The Beatles y Bob Dylan).

Infancia

Hijo de Vernon Elvis Presley y Gladys Presley, fue fruto de un embarazo de mellizos, aunque su hermano, Jesse Aaron Presley, murió al nacer. Como hijo único, Presley creció muy cercano a sus padres, formando un gran vínculo con su madre. La familia asistía a la iglesia Assembly of God, donde encontró su inspiración musical inicial.
Monolito erigido en su memoria en Bad Nauheim, Alemania, donde pasó gran parte de su servicio militar.
Servicio militar
Entre 1958 y 1960 se ausentó de los escenarios por tener que realizar el servicio militar. Fue destinado a Bad Nauheim, una base militar que Estados Unidos poseía en Alemania, en calidad de conductor de tanques. Allí conoció a la que después sería su mujer, Priscilla Ann-Beaulieu (Priscila Presley).

Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra, con quien interpretó a dúo los temas Love me Tender / Witchcraft.
Como la cadena televisiva ABC consideró el precio demandado por Parker (manager de Elvis) demasiado elevado, fue el propio Frank Sinatra quien la financió. Para éste último y a pesar del elevado monto, la inversión dio resultado, especialmente al final de la semana cuando se anunció que los ratings televisivos del show de Sinatra en que había aparecido Presley, habían roto todos los récords de audiencia televisiva del referido show, que fue visto por 40 millones de personas. Presley recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.
Los años de Hollywood
En los años 1960, se dedicó a actuar en películas de mediana a baja calidad, rodando un promedio de tres por año, hasta un total de 31. Sus actores favoritos, a los que admiraba e imitaba, fueron James Dean y Marlon Brando.

El 27 de agosto de 1965, los Beatles lo visitaron en su casa de Bel-Air, en (California), durante la cual le comentó a John Lennon respecto a su próxima película:
Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero.
Presley sentía admiración por los Beatles, pero cuando éstos cambiaron su imagen a finales de los años sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas.
En 1964 comenzó el descenso en la hegemonía que ostentaba en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.
Vuelta a los escenarios

El 1 de mayo de 1967 Presley se casó con Priscilla Ann-Beaulieau (conocida como Priscila Presley),

Con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie Presley.

En 1968, volvió al top de los hits parades estadounidenses después de su exitoso 1968 Comeback Special para la televisión. Al año siguiente reafirmó su vuelta a los conciertos en directo en el Hotel Internacional de Las Vegas, Nevada.

En ese mismo año, nace su única hija, Lisa Marie Presley.

El 21 de diciembre de 1970, Elvis visitó al Presidente Richard Nixon en la Casa Blanca donde -después de un intercambio de regalos- charlaron sobre la influencia de las drogas en la juventud.

De este encuentro surge posteriormente la teoria de la conspiración, se dice que quiso ser agente federal y que estaba dispuesto a delatar a compañeros músicos que incitaban a los jovenes al consumo de drogas, años posteriores a traves de la Agencia de Inteligencia salió a la luz una carta que supuestamente Elvis le envió al presidente Nixón, ofreciendoles sus servicios.

Elvis Aaron Presley es considerado el Rey del Rock'n Roll. Su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su carisma, y demás cualidades es lo que actualmente le permite ser una de las mayores figuras musicales de la historia. Además de sus innumerables récords, la calidad en las canciones que interpretó es lo que sigue generando que nuevas generaciones engrosen las filas de sus fervorosos seguidores.
Ha encabezado por muchos años, la lista de de los artistas fallecidos con mayor recaudación por sus productos, solamente desbancado en el 2006 por Kurt Cobain. Anualmente su casa-mansión Graceland es visitada por miles de personas de todo el mundo. Es la segunda casa más visitada de los Estados Unidos, detrás de la Casa Blanca.
Muchas personas reconocen que Elvis fue la chispa que cambio la música popular y a toda una generación, y que gracias a él, ellos tomaron el mismo camino.
En resumidas cuentas, Elvis Presley ha dejado de ser un icono estadounidense, para convertirse en uno de los iconos mundiales de la música.
Rodó más de una treintena de películas incluyendo varios documentales de sus giras y/o conciertos.

También es en esta década en donde los excesos en sus hábitos alimenticios y su dependencia a las drogas, deterioran drásticamente su salud, tanto física como mental. En repetidas ocasiones es ingresado en el hospital. En 1973, Priscila Presley presenta la demanda de divorcio y consigue la tutela de su hija. Su ex mujer declaró que no podía seguir en el ambiente de soledad, insatisfacción, infidelidades que dejaba la estela de fama que rodeaba a su marido y culpó directamente al "coronel" Tom Parker por sus ansias de dinero y de llevar a Elvis por rumbos de decadencia.

Para 1976-1977 Elvis dista mucho del muchacho vigoroso y lleno de energía que conquistó al mundo, convirtiéndose en una imagen burda, sobrepasado en peso y con dificultades para cantar y memorizar la letra de las canciones. Su último concierto lo daría el 26 de junio de 1977 en Indianápolis, en el Idiana’s Market Square Arena.

En la madrugada del 16 de agosto, Elvis regresa a su mansión de Graceland después de una consulta dental, durante la mañana se encarga de revisar detalles de su próxima gira y descansa con su familia y amigos. Debe tomar un vuelo para Portland esa misma noche para seguir con la gira, y alrededor de las 7 am, se retira a su habitación para dormir. Alrededor del medio día, Elvis es encontrado inconsciente en el baño de su habitación, es trasladado urgentemente al hospital Baptist Memorial en Memphis, y poco tiempo después es declarado muerto.

El legado

Fuente: Wikipedia

Tumba de Elvis en Graceland Memphis(Tennessee)Sus últimos años
Los años 70 serían los años en los que Elvis se convertiría de gran ídolo a leyenda musical. En julio de 1972 se separa de Priscilla, para llevar a cabo el divorcio definitivo en octubre de 1973, dejándolo en un profundo estado de depresión del que nunca se recobraría.
En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia, desde el paradisíaco Hawái conocido como Aloha From Hawaii, y visto por un número estimado de 1.500 millones de personas.
Con su primer tema para la RCA, Heartbreak Hotel, consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como en su tercera aparición en el Show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los récords de venta, alcanzando once números uno seguidos, en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.

Muchos consideran que Presley fue el creador del estilo musical rockabilly, una fusión del country y del blues, aunque a la hora de encontrar a la persona responsable por su mayor auge y desarrollo, la mayoría se inclina por Carl Perkins, autor del hit Blue Suede Shoes. Con la edición de su primer tema de este género, That's All Right, de Arthur Crudup, (género que por cierto dejaría en menos de 17 meses para lanzarse sobre otros ritmos cada vez más sofisticados) creó una de las imágenes más clásicas del rock and roll. En 1955 teniendo conquistada a Memphis y a algunos mercados regionales del sur de los Estados Unidos, el Coronel Tom Parker, el cual a finales de ese año, gestionó su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares y un Cadillac, lo apadrinó.

Tuvo una infancia dura y difícil en su pueblo natal, Tupelo, ya que su padre cambiaba continuamente de trabajo, a menudo, la familia dependía de la ayuda de los vecinos y la asistencia alimentaria del gobierno. En 1938, perdieron su casa después de ser Vernon declarado culpable de alterar un cheque. Fue encarcelado durante ocho meses, y Gladys y Elvis fueron a vivir con parientes cercanos.
En septiembre de 1941, Presley entró en el primer grado en East Tupelo, donde sus profesores lo consideraban como "promedio". Se le alentó a entrar en un concurso de canto después de impresionar a su maestra con una interpretación de la canción country "Old Shep" (de Red Foley) durante las oraciones matutinas.
En el concurso, celebrado en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, el 3 de octubre de 1945, se vio su primera actuación en público: vestido de cowboy, a sus diez años de edad, apenas alcanzaba el micrófono sentado y cantó nuevamente "Old Shep". Meses después, su padre le compró su primera guitarra como regalo de cumpleaños. Él deseaba una bicicleta considerablemente más cara. Durante el año siguiente, recibió clases de guitarra básica de dos de sus tíos y el nuevo párroco de la iglesia de la familia. Aunque un año después empezó a llevar su guitarra a todas partes y dar hasta un recital al aire libre.
Desde niño ya le apasionaba por igual la música blues, el gospel, el Doo wop y la música country, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que entre ellos se encontraba música de mariachis y de ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, por Arthur Crudup y también por grupos de lo que llamaban música blues rural. Debido a su ascendencia cheroqui por parte materna, se interesó también por las raíces musicales indias.
Primeras grabaciones

Elvis Presley.En 1954, cuando tenía diecinueve años, grabó un disco con dos temas para regalárselo a su madre por su cumpleaños. En los estudios Sun Records grabó un sencillo con el tema My Happiness y con That's When Your Heartaches Begin. El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llegó a oírlo hasta que regresó dos veces más, grabando dos canciones en cada oportunidad, tras lo cual, quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que llegó a tener gran éxito en Memphis.

Isak Dinesen / Karen Blixen-Finecke- Memorias de África.

2010-07-31T12:25:00.014+02:00

Karen Christence Blixen-Finecke, nombre de nacimiento "Karen Christenze Dinesen", más conocida por su pseudónimo literario Isak Dinesen (Rungsted, Dinamarca, 17 de abril de 1885 - id., 7 de septiembre de 1962). Fue una escritora danesa.
Infancia
Su padre, Whihelm Dinesen, militar, parlamentario, se suicidó cuando ella tenía diez años, atormentado por no resistir la presión de padecer sífilis, enfermedad que en aquella época estaba estigmatizada. Su madre, Ingeborg Westenholz, quedó sola con cinco hijos a su cargo, a los que pudo mantener gracias a la ayuda familiar. Karen, como sus hermanas, se educó en prestigiosas escuelas suizas y se la educó para las clases altas.

Viaje a África

Karen se casó con su primo lejano el barón Bror Blixen-Finecke, con quien inició en Kenia una plantación de café llamada The Karen Coffee Company. El matrimonio fue difícil. En el primer año de vida en común su marido le contagió de la temida sífilis, sin embargo la enfermedad nunca se manifestó de manera grave. Cansada de las infidelidades de su marido, se separaron tras seis años de matrimonio, quedándose ella con la plantación.

(Karen con 28 años)
Aprendió las lenguas aborígenes, como el suaheli, y se empapó de las costumbres locales. Los nativos la apodaban "La hermana leona" y se ganó el afecto de ellos por su coraje, su buena puntería y su habilidad como cazadora.

Museo Karen Blixe en Nairobi
En Nairobi, Blixen conoció a Denys Finch Hatton, un cazador británico afincado en Kenia. Empezaron una relación amorosa intensa, pero con muchos altibajos.

(Denys Finch Hatton)

En 1931, Denys Finch Hatton se mató en su avión Gipsy Moth. Blixen siguió a cargo de la plantación hasta que la caída de los precios del café en 1931 la obligaron a venderla y regresar a Dinamarca. Siempre pensó en volver pero la Segunda Guerra Mundial se lo impidió.

(Museo Blixen de Rungsted).

Tumba de Karen Blixen en Rungsted.

Si bien ya había publicado algunos trabajos, es entonces cuando comienza su carrera literaria bajo diversos seudónimos, el más conocido de los cuales es Isak Dinesen, con el cual publicó una serie de apuntes autobiográficos sobre su vida en África. Pero fue su libro Memorias de África (1937) el que sin duda la catapultó a la fama a nivel mundial; inspirada en el libro se filmó la premiada película Memorias de África con Meryl Streep en el papel de Karen y Robert Redford como Dennys Finch Hatton.
El asteroide (3318) Blixen fue llamado así en su honor.

Obra
-La venganza de la verdad 1926
-Siete cuentos góticos (Sju romantiska berättelser/Seven Gothic Tales), 1934.
-Memorias de África (Afrikansk pastoral), 1937 (publicada en 1938), en la que se basa la película homónima.
-Las vengadoras angélicas (Vedergällningens vägar/The Angelic Avengers), 1944 (publicada en 1945 con el seudónimo Pierre Andrézel).
-Cuentos de invierno (Vintersagor), 1942.
-Sombras en la hierba (Skuggor över gräset), 1960.

Fuente: Wikipedia

Charles Baudelaire / El gran maldito

2010-06-27T22:06:00.008+02:00

Nace en París el 9 de abril de 1821. Su padre, Joseph François, era un sacerdote que había colgado los hábitos. Hombre de amplia cultura, fue luego preceptor, profesor de dibujo, pintor y jefe del Despacho de la Cámara de los Pares. Fue quien le enseñó las primeras letras. Cuando nació Baudelaire tenía más de sesenta años y otro hijo de su primer matrimonio llamado Claude Alphonse.
Su madre, Caroline Archimbaut-Dufays, no había cumplido los treinta años al nacer el poeta. Hija de emigrados franceses a Londres durante la revolución del 93, enseñó inglés a su hijo.

Es criado por Mariette, sirvienta de la familia, a la que evoca en el poema "A la sirvienta de gran corazón que te daba celos" de su conocido poemario Las flores del mal.

El poeta tiene 6 años cuando su padre muere en 1827 dejando una discreta herencia. Su viuda se cambia de domicilio y a los veinte meses de enviudar, contrae matrimonio con el comandante Jacques Aupick, vecino suyo, de cuarenta años, un oficial que llegará a ser general comandante de la plaza fuerte de París.

Este nuevo matrimonio de su madre producirá un profundo impacto emocional en Baudelaire, que lo vivió como un abandono, manifestando siempre aversión por este padrastro con el que nunca llegará a tener buenas relaciones.

En 1830 con las jornadas revolucionarias Aupick es ascendido a teniente coronel por su participación en la campaña de Argelia, y dos años después nombrado jefe de Estado Mayor y se traslada con su familia a Lyon, donde vivirá cuatro años.

Se forma un consejo de familia para decidir sobre el futuro del niño, que inicia sus estudios en el Colegio Real de Lyon, de cuyo ambiente no guardará buen recuerdo: se aburre y escapa soñando de su en cierro, dando rienda suelta a su imaginación.

En 1836 Aupick asciende a general de Estado Mayor, volviendo con su familia a París, donde el niño es internado en el Colegio Louis-le-Grand. Su madre se va volviendo cada vez más rígida y puritana, haciéndose a la personalidad de Aupick.

Durante dos años y medio permanece en el Colegio Louis-le-Grand. Allí lee a Sainte-Bauve, a Chenier y a Musset, a quien criticará mucho más tarde. Es expulsado del colegio por una falta cuyo carácter se desconoce. En agosto obtiene el título de Bachiller superior.

En 1840, con 19 años, se matricula en la Facultad de Derecho, comienza a frecuentar a la juventud literaria del Barrio Latino y entabla sus primeras amistades literarias con Gustave Le Vavasseur y Ernest Prarond. También conoce a Gérard de Nerval, de Sainte-Beuve, de Théodore de Banville y a Balzac y empieza a publicar en los periódicos en colaboración y anónimamente. Intima con Louis Menard, dedicado a la vivisección de animales y a la taxidermia. Comienza también a llevar una vida disipada, caracterizada por sus continuos choques con el ambiente familiar y por su inclinación hacía las drogas y el ambiente bohemio. Empieza a frecuentar los prostíbulos. Mantiene una extraña relación con una prostituta judía del Barrio Latino llamada Sarah, a la que denomina Louchette por su bizquera, y que probablemente contagió su sífilis al poeta. Aparece en el poema "Una noche que estaba junto a una horrible judía" de Las flores del mal.

Sus calaveradas horrorizan a su familia burguesa, especialmente al probo militar que es Aupick. A pesar de que su padrastro le apoya, rechaza entrar en la carrera diplomática. No quiere ser sino escritor. La conducta desordenada del joven mueve a sus padres a distanciarle de los ambientes bohemios de París. Le envían a Burdeos para que embarque en el paquebote Mares del Sur, al mando del comandante Sauer, en una travesía que había de llevarle a Calcuta y durar dieciocho meses. Viaja con comerciantes y oficiales. El joven Baudelaire adopta actitudes provocativas e impertinentes; se siente aislado y sólo habla para expresar su deseo de regresar a París. El barco ha de afrontar una violentísima tempestad. Estancia en la isla Mauricio, al este de Madagascar, donde conoce a una señora casada para quien escribe "A una dama criolla". Asustado el comandante del barco por el efecto psicológico negativo que el viaje produce en el poeta, consiente en hacerle regresar a Francia desde la isla Reunión en otro barco, L´Alcide. Escribe "El albatros". El viaje dura desde finales de marzo de 1841 hasta febrero de 1842.
Para alejarlo de este ambiente y librarse de este joven conflictivo, su familia lo envían a Calcuta, pero Baudelaire, nostálgico y enfermo se detiene en la Isla Mauricio y regresa a Francia. Un consejo de familia, bajo la presión del general Aupick, lo envía a las Indias, en 1841, a bordo de un navío mercante. Pero Charles Baudelaire no quiere probar la aventura en el confín del mundo. No desea más que la gloria literaria. Durante una escala en la Isla de la Reunión, no acude a presencia del capitán
En 1842, nuevamente en París, entabla amistad con Thèophile Gautier y Thèodor de Banville. Alcanza la mayoría de edad, percibe la herencia paterna de 75.000 francos y se independiza. Abandona el piso familiar, instalándose en un pequeño apartamento.
Reanuda su vida bohemia y ejerce de dandy. Vuelve al ambiente de los bajos mundos. Las mujeres que llenan este periodo de su vida son pequeñas aventureras y prostitutas, como Jeanne Duval, una actriz mulata que representa un papel muy secundario en un vodevil del Teatro Partenon a quien conoce en 1843. A pesar de la vulgaridad, de frecuentes desavenencias y de las infidelidades de la mulata, Baudelaire vuelve siempre a ella y durante toda su vida estaría ligado a este insignificante mujer. Desempeñará un papel fundamental en la vida del poeta. sus mejores poemas son paradójicamente el fruto de estos oscuros amores, que aparece en los poemas "Perfume exótico", "La cabellera", "Te adoro igual que a la bóveda nocturna", "Meterías al universo entero en tu callejuela", "Sed non satiata", "Con sus ropas ondulantes y nacaradas", "La serpiente que danza", "El vampiro", "Remordimiento póstumo", "El gato", "Duellum", "El balcón", "Un fantasma", "Te doy estos versos para que si mi nombre" y "Canción de primeras horas de la tarde". Probablemente inspira también al poeta los poemas "El bello navío", "La invitación al viaje" y "La Beatriz".
Económicamente va de fracaso en fracaso, dilapidando la fortuna heredada de su padre. Baudelaire es brillante, de conversación sorprendente, pero su gran imaginación lo convierte en mitómano; su viaje a la India, sus amores inauditos, su vicio y perversidad, su homosexualismo, sus proyectos editoriales, formn parte de su vida.
Dilapida la herencia y contrae numerosas deudas, por lo que su madre y el general Aupick obtienen en 1844 de los tribunales que sea inhabilitado y sometido a un consejo judicial. Su dinero pasa a ser administrado por su padrastro. Se le entrega una cantidad trimestral de seiscientos francos.
Para eludir el control financiero publica anónimamente artículos en la prensa. En colaboración con Prarond escribe un drama en verso, Ideolus, que deja sin acabar. Baudelaire, privado de recursos y humillado, no se repondrá. Se ve obligado a rehuir a sus acreedores, mudándose, escondiéndose en casa de sus amantes, trabajando sin descanso sus poemas intentando mientras tanto ganarse la vida publicando.
Baudelaire escribió sus primeros poemas a la vuelta de su viaje del Caribe aunque en un principio se dedicó sobre todo a la critica artística. Fruto de esto fue la publicación en 1846 de algunos de sus ensayos, llenos de sensibilidad y de penetración, bajo el titulo de "Los Salones". En ella loa a su amigo Delacroix, entonces aún muy discutido, critica a los pintores oficiales, y analiza las obras de otros artistas contemporáneos suyos como una serie sobre caricaturistas franceses, en los que defiende con pasión a Honoré Daumier. También se interesa por le pintor impresionista Edouard Manet y por la música de Wagner, de quien fue el primer introductor en Francia. Le escribió una carta expresándole su admiración, tras haber asistido a tres conciertos, además de un ensayo.
Publica sonetos, uno de ellos, "A una dama criolla", con su verdadero nombre, así como un artículo sobre Balzac.
Publica en Le Corsaire-Satan un conjunto de aforismos y en L´Espirit Public, Consejos a los jóvenes literatos. Fustiga a los autores moralistas y moralizantes.
Aparece su novela corta "La fanfarlo", donde el poeta, tras el personaje de Samuel Cramer, se retrata como un dandy.
En 1845, histérico, ensaya el suicidio en un cabaret ante un grupo de amigos, donde se hace un corte con un puñal. Su padrastro, por miedo al escándalo, le paga sus deudas y le lleva a vivir con él y con su madre en la elegante plaza Vendôme. Pero pronto volverá a vivir solo.
Descubre la obra de Edgar Poe, que muere poco después y a quien no pudo conocer, a pesar de considerarle su alma gemela. Poe se le asemeja, y, durante diecisiete años, va a traducirla y revelarla. Así comienza a ganarse el reconocimiento de la crítica.
Conoce a Marie Daubrun, muchacha bonita y honesta, actriz del Teatro de la Gaîte, que sostiene con su trabajo a su familia. El poeta sentirá por ella un amor platónico o una amistad idílica. Le dedicará el poema "Canto de otoño".
Asiduo a círculos literarios y artísticos, uno de ellos en casa de Aglae Sabatier, llamada la Presidenta, amante de un banquero, por la que el poeta experimentará un amor ideal y platónico. A ella dedicará posteriormente los poemas "A la que es demasiado alegre", "Reversibilidad", "El alba espiritual" y "Confesión". Visita muy a menudo el salón de la viuda Marie Sabatier y conoce a Musset, Flaubert y Gautier, entre otros artistas. Un breve idilio con una mujer interesante, Madame Sabatier, amante de un amigo del poeta que reunía en su casa a un grupo de escritores y artistas, lo quiebra rápidamente. Cuando madame Sabatier accede a las pretensiones amorosas del poeta, éste la rechaza, pero sigue manteniendo con ella una entrañable amistad.
Durante la revolución de 1848 Baudelaire es visto en las barricadas y tratando de agitar al pueblo para que fusilen a su padrastro. Publica en Le Salut Publique, periódico de tendencia socialista, y se afilia a la Sociedad Republicana Central, fundada por Blanqui. Durante la revolución hace amistad con el pintor Courbet, que pintará un retrato del poeta, y con Poulet-Malassis, también que participó activamente en la insurrección e influirá en su vida, será el editor de Las Flores del Mal, por lo que resultará multado.
Cuando en 1851 Luis Napoleón da un golpe de estado y asume todos los poderes, lo que indigna a Baudelaire, quizá porque nombre a su padrastro embajador en Madrid.
Aunque escribió sus poemas con 23 años, Las Flores del Mal, título que el editor le impusieron en lugar de Los limbos, que era el original, se publicaron en junio de 1857. Cuanto escribió hasta su muerte no sobrepaso este trabajo, son solo un complemento a su obra. Inmediatamente después el gobierno francés acusa al poeta de ofender la moral pública y juzgadas obscenas. El poeta fue procesado en medio del escándalo general. Aun cuando Baudelaire obtuvo el apoyo de sus colegas, seis de sus poemas fueron eliminados de las ediciones siguientes. La edición es confiscada por mandato judicial. Parece que el escándalo se inició desde el periódico conservador Le Figaro. En agosto, proceso de Baudelaire y de sus dos editores, que son condenados a sendas multas por ultraje a la moral pública y a las buenas costumbres. Se ordena la supresión de seis poemas ("Las joyas", "El leteo", "A la que es demasiado alegre", "Lesbos", "Mujeres condenadas", Delfina e Hipólita" y "Las metamorfosis del vampiro"). Baudelaire debe pagar una fuerte multa. Sólo Hugo (que le escribirá "Usted ama lo Bello. Deme la mano. Y en cuanto a las persecuciones, son grandezas. ¡Coraje!"), Sainte-Beuve, Teófilo Gautier y jóvenes poetas admirados le apoyan.
A pesar de condenarle por obscenidad y blasfemia, en 1859 y 1860 el Ministerio de Instrucción Pública le concede por dos veces sedas ayudas de trescientos francos. Pero ante el público quedará identificado, aun mucho después de su muerte, con la depravación y el vicio. Amargado, incomprendido, Baudelaire se aísla aún más. En su soledad donde él se ha encerrado, dos luces: los escritos admirados de dos escritores todavía desconocidos, Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine. Escribe un ensayo sobre Madame Bovary, de Flaubert, que también ha sido juzgado por inmoral.
Empieza la época de sus enfermedades que durará hasta su muerte. Sufre trastornos nerviosos y dolores musculares. Se ahoga, sufre crisis gástricas y una sífilis contraida diez años antes reaparece. Para combatir el dolor, fuma opio, toma éter. Sufre el primer ataque cerebral. Físicamente, es una ruina. Recurre a cápsulas de éter para combatir el asma y al opio para los fuertes cólicos. Ante su precaria salud, pasa cortas estancias en Honfleur con su madre y en Alençon con su amigo y escritor Poulet-Malassis.
Su próximo trabajo "Paraísos artificiales", escrito en 1860, es un relato de las experiencias personales del poeta con drogas como el opio. Da a conocer Encantos y torturas de un fumador de opio, sobre Thomas de Quincey, segunda parte de Los paraísos artificiales.
En 1961 presenta su candidatura a la Academia Francesa. Desea rehabilitarse y obtener un salvoconducto de dignidad profesional y solvencia. Busca el reconocimiento oficial de su labor, más allá del círculo de los cafés literarios que empiezan a agobiarle. Fracasa en su postulación por la oposición y los consejos de los académicos.
Nervioso, enfermizo, arruinado y desconocido, unido siempre a su mulata alcoholizada y luego parapléjica, Baudelaire arrastra una vida de fracasado.
En 1864 viaja a Bégica, donde vivirá durante dos años en Bruselas. Allí trata de ganarse su vida dictado conferencias sobre arte, que son un fracaso y se unen a las anteriores. En la primavera decide ir a Bélgica, donde se se encontra su editor, a dar conferencias en los círculos intelectuales de diversas ciudades y a. Sólo llega a dar tres conferencias sobre Delacroix, Gautier y Los paraísos artificiales, con asistencia muy escasa de público. Intentar una edición de su obra completa pero fracasa y se venga de la falta de acogida escribiendo un panfleto titulado ¡Pobre Bélgica!
En 1865 Mallarmé y Verlaine elogian Las flores del mal, pero Baudelaire desconfía de estos jóvenes poetas. Y no le faltaba razón porque, por el contrario, Los Pequeños Poemas en Prosa nunca supieron valorarlos.
En su correspondencia expresa su deseo de recurrir al suicidio. Pese a una nueva subvención estatal, su economía es muy precaria. Miserable y con sífilis, su existencia es una gran ruina. Su salud está ya completamente minada y en 1866 sufre un ataque de parálisis general que lo deja casi mudo. Su madre viaja a Bruselas y de regreso a París interna a su hijo moribundo en un hospital. La enfermedad se agrava rápidamente, y su vida no es ya más que una lenta agonía que se prolonga durante un año. Para ayudarle a sobrellevar el dolor, sus amigos acuden junto a su lecho a interpretarle Wagner. Paralizado, mudo y medio imbécil, sobrevive varios meses hasta que el 31 de agosto de 1867 muere tristemente a los 46 años, en brazos de su madre en el mismo hospital en el que estaba ingresado.

Fue enterrado en el cementerio de Montparnase, junto a la tumba de su padrastro, a quien siempre odió.
Póstumamente, en 1868, se publicaron sus "Pequeños poemas en prosa".

Fuente:http://www.baudelaire.galeon.com/biog.htm

ANTONIN ARTAUD / El más grande entre los malditos

2010-04-24T23:19:00.013+02:00

No ha quedado demostrado, ni mucho menos, que el lenguaje de las palabras sea el mejor posible.

(Antonin Artaud)

Antoine Marie Joseph Artaud comúnmente llamado Antonin Artaud (Marsella, Francia, 4 de septiembre de 1896 - † París, 4 de marzo de 1948), fue un poeta, dramaturgo, ensayista, novelista, director escénico y actor francés.
Artaud es autor de una vasta obra que explora la mayoría de los géneros literarios, utilizándolos como caminos hacia un arte absoluto y "total". Sus tempranos libros de poemas (luego abandonaría el preciosismo poético, decepcionado) L'ombilic des limbes (El ombligo de los limbos) de 1925 y Le Pèse-Nerfs (El pesa-nervios) anuncian ya el carácter explosivo de su obra posterior. Es más conocido como el creador del teatro de la crueldad (cf. El teatro y su doble, 1938; Manifiesto del teatro de la crueldad, 1948), noción que ha ejercido una gran influencia en la historia del teatro mundial. Trabajó en 22 películas, durante los años 20 y 30, entre las que destacan Napoléon de Abel Gance y La Pasión de Juana de Arco de Carl Theodor Dreyer.

BIOGRAFÍA
Antonin Artaud nace en Marsella, hijo de un armador francés y de una mujer de herencia levantina. A los cuatro años de edad sufre un grave ataque de meningitis, cuya consecuencia es un temperamento nervioso e irritable, interpretado también como síntoma de una neurosífilis adquirida de uno de sus padres. El dolor físico y cierta sensación de paranoia no lo dejarán nunca y lo obligarán a pasar largas estancias periódicas en sanatorios mentales (cuyo ejemplo más prolongado y trágico son los nueve años que pasa encerrado en El Havre, Villejuif y Rodez, de 1937 a 1946).
La muerte de su hermana Germaine, en 1905, lo marca profundamente. Vale la pena anotar que por aquel entonces es una persona extremadamente devota. En 1914, luego de sufrir una crisis depresiva, durante sus estudios, piensa en inscribirse en el seminario. El catolicismo, pues, influye en la vida de Artaud y en su obra desde muy joven. Su influencia lo hará oscilar entre el ateísmo declarado y la devoción excesiva (que se manifiesta durante sus crisis nerviosas en 1943, llevándolo a un extremo de piedad antisemita).
En 1920 llega a París para dedicarse a escribir. Reúne sus primeros versos bajo el título Tractac del ciel (1924). Dirá después de ellos que no lo representan por ser afectados, "farsas de un estilo que no lo es y que nunca lo fue." A raíz de su publicación entra en contacto con André Breton, quien acaba de hacer público, a su vez, el primer Manifiesto Surrealista. Asume el cargo de director de la oficina de investigaciones surrealistas. A lo largo de este periodo escribe también guiones de películas y poemas El ombligo de los limbos, El pesanervios, etc.
Junto con Roger Vitrac funda, en ese período, El teatro Alfred Jarry y entre 1927 y 1929, monta cuatro espectáculos. El absoluto fracaso de sus primeros montajes le lleva a refugiarse en la teoría, con lo que sienta las bases del denominado Teatro de la crueldad.
Aquel que apuesta por el impacto violento en el espectador. Para ello, las acciones, casi siempre violentas, se anteponen a las palabras, liberando así el inconsciente en contra de la razón y la lógica.
Antonin Artaud - El teatro y su doble.

En 1936 Artaud viaja a México y convive con los Tarahumaras, un pueblo indígena, para encontrar la antigua cultura solar y experimentar con el Peyote.Durante una década en Montparnasse (1924-1934 ) Cantú convivió con Artaud Tanto en las visitas del Poeta al Atelier de Rue Dlambre como en La Rotonde y Le Dóme ; Tarde tras tarde hablaban sobre arte, poesía y surrealismo. En 1934 Cantú decidió regresar a México , la comunicación con Artaud y Breton siguió y para 1936 el Poeta decide visitar a su amigo. En algunas ocasiones Artaud se quedo hospedado en casa de Cantú en la calle de San Francisco 325 en la colonia del Valle. Esa época en México la escuela de pintura Mexicana del siglo XX Tenia su principal foro en la Galería de Ines Amor. Artaud acompaño varias veces a Cantú a esta Galería ( Inés narra en sus memorias como mientras trataba la venta de obra con Cantú, Artaud permanecía en una silla inmóvil , perdido en la droga). Y es an la Galería donde Artaud se relaciona con Maria Izquierdo. Cuenta Cardoza y Aragon en el libro ( Antología): "Alguna vez encontré a Artaud en casa de Maria Izquierdo junto con Federico Cantú (1907-1989) y Luis Ortiz Monasterio (escultor 1906-1990), quizá lograron en alguna forma ayudar Artaud en sus apremios de gran enfermo…… pero no se a quien se le ocurrió que Artaud viviera en el prostíbulo de Ruth".
Con los Tarahumaras uno entra en un mundo terriblemente anacrónico y que es un desafío a estos tiempos. Me atrevo a decir que es peor para estos tiempos y tanto mejor para los Tarahumaras.
Antonin Artaud

A su regreso de México, a principios de 1937, Artaud pasó algunos meses imerso en el estudio de la astrología, la numerología y el Tarot. Como explica Giordano Berti en su artículo sobre Artaud en Claves y Secretos del Tarot, existe una obra de Artaud, "Las nuevas revelaciones del ser" (1937) que contiene el testimonio de un especial método de interpretación del Tarot consistente en interpretar los arcanos mayores y menores como referente simbólico para las experiencias cotidianas. Un año más tarde, deportado de Irlanda, será ingresado por "sobrepasar los límites de la marginalidad".

Pasa nueve años en manicomios con el tratamiento de terapia electroconvulsiva acabando por hundirle físicamente. Sus amigos logran sacarlo y vuelve a París, donde vivirá durante tres años. Publica en 1947 el ensayo Van Gogh le suicidé de la société ("Van Gogh el suicidado de la sociedad"), galardonado al año siguiente con el Prix Saint-Beuve de ensayo. En 1948 este periodo produjo el programa de radio Para acabar con el Juicio de Dios, el cual es censurado y sólo será transmitido en los años 1970. Sus cartas de la década de los 40, muestran su desilusión frente a tal decisión.

Antonin Artaud muere de un cáncer el 4 de Marzo de 1948 en el asilo de Ivry-sur-Seine.

Rechazo con violencia los refugios de la Fe y el Arte
Hipnotizado por su propia miseria, en la que vio a la humanidad entera, Artaud rechaza con violencia los refugios de la Fe y del Arte. Adquiriendo encarnar ese mal, viviendo la pasión total, para encontrar, en el corazón de la nada, el éxtasis. Grito de la carne que sufre y del espíritu alienado que se siente como tal, he aquí el testimonio de este precursor del teatro del absurdo.

Sus últimas palabras escritas son:

...de continuer à faire de moi cet envoûté éternel etc. etc.
...de seguir convirtiéndome en ese hechizado eterno etc. etc.

Fuente: Wikipedia

Tupac Shakur -2pac- / El mejor rapero de la historia

2010-04-17T10:35:00.019+02:00

Tupac Amaru Shakur (nacido el 16 de junio de 1971 en East Harlem, Nueva York - fallecido el 13 de septiembre de 1996 en Las Vegas), también conocido como 2Pac (o simplemente Pac) y Makaveli, fue un rapero estadounidense, además de actor, productor y poeta. Es el rapero que más discos ha vendido en la historia, con 75 millones de copias sólo en Estados Unidos y alrededor de 80 millones en el resto del mundo, reconocido por el Libro Guinness de los Récords. Sus letras se centran sobre todo en crecer alrededor de la violencia y la pobreza, las dificultades de los guetos y el racismo. También es conocido por sus mensajes políticos, económicos, sexuales, poéticos y de igualdad racial en sus letras. Inicialmente, Shakur fue roadie y bailarín de apoyo del grupo de hip-hop alternativo Digital Underground.
Tupac se convirtió en el blanco de demandas y problemas legales. Fue disparado en cinco ocasiones y robado en el vestíbulo de un estudio de grabación en Nueva York. Tras ello, Shakur comenzó a sospechar que otras figuras en la industria del rap tenía conocimiento previo del incidente y no le advirtieron, por lo que la controversía contribuyó a que se desencadenara la rivalidad entre las costas Este y Oeste en el mundo del rap. Posteriormente, Tupac fue condenado por abuso sexual a entre un año y medio y cuatro años y medio de prisión. Tras cumplir once meses, el CEO de Death Row Records, Marion "Suge" Knight, pagó la fianza y el rapero abandonó la prisión. A cambio de la ayuda de Suge, Shakur accedió a grabar tres álbumes bajo el sello Death Row.

En la noche del 7 de septiembre de 1996, Shakur fue disparado cuatro veces en un drive-by en el área metropolitana de Las Vegas, en Nevada. Murió seis días después de insuficiencia respiratoria y paro cardíaco en el Centro Médico Universitario.
En 2003, fue votado en primera posición por los telespectadores en el "MTV's 22 Greatest MCs". y al año siguiente, la revista Vibe le denominó como el mejor rapero de todos los tiempos.

Biografía

.Inicios
Nació el 16 de junio de 1971 en East Harlem, distrito de Manhattan, Nueva York. Fue nombrado en honor al revolucionario inca Túpac Amaru II. Su madre, Afeni Shakur, era una miembro activa del Partido Pantera Negra a finales de 1960 y principios de 1970. Tupac nació justo un mes después de la absolución de ella de más de 150 cargos de "conspiración en contra del gobierno de los Estados Unidos y los monumentos de Nueva York".Aunque oficialmente no esta confirmado por la familia Shakur, varias fuentes aseguran que el nombre de nacimiento de Tupac era "Parish Lesane Crooks" o "Lesane Parish Crooks". Debido a que Afeni tenía miedo de que sus enemigos atacaran a su hijo, le encubrió usando un apellido diferente, para cambiarlo después de su matrimonio con Mutulu Shakur. Respecto a su padre, Tupac mencionó que era "un integrante de las Panteras Negras, sin embargo nunca me crió, sólo vino un día y me dijo que era mi padre, me dio dinero y se marchó y jamás lo volví a ver".
La lucha y el encarcelamiento rodeó a Tupac desde su infancia. Su padrino, Elmer "Geronimo" Pratt, un importante personaje en las Panteras Negras, fue declarado culpable de asesinar a un profesor de la escuela durante un robo en 1968, aunque posteriormente su condena fue anulada. Su padrastro, Mutulu, pasó cuatro años en la lista de los 10 fugitivos más buscados del FBI a partir de 1982, en la preadolescencia de Tupac. Mutulu era buscado en parte por haber ayudado a su hermana Assata Shakur (también conocida como Joanne Chesimard) para escapar de una penitenciaría en Nueva Jersey, donde estaba encarcelada por asesinar presuntamente a un policía estatal en 1973. Mutulu fue capturado en 1986 y encarcelado por el robo de un camión blindado Brinks en el que murieron dos agentes de policía y un guardia. Shakur tenía una hermanastra, Sekyiwa, dos años menor que él, y un hermanastro mayor, Mopreme "Komani" Shakur, que apareció en muchas de sus grabaciones.
A los 12 años, Tupac se inscribió en el 127th Street Ensemble, en Harlem, y portagonizó el personaje de Travis Younger en la obra A Raisin in the Sun, realizado en el famoso Teatro Apollo. En 1986, la familia se trasladó a Baltimore, Maryland.16 Tras completar su segundo año en el Instituto Paul Laurence Dunbar, se trasladó a la Escuela de Artes de Baltimore, donde estudió interpretación, poesía, jazz y ballet. Actuó en obras de Shakespeare, y en el papel del rey de los ratones en El cascanueces. Tupac, acompañado por uno de sus amigos, Dana "Mouse" Smith, como su beatboxer, ganó la mayoría de las competiciones de rap en las que participó y estaba considerado como el mejor rapero de su escuela. A pesar de que carecía de ropa moderna, fue uno de los chicos más populares de su escuela debido a su sentido del humor, sus habilidades como rapero, y su capacidad para mezclarse con todas las multitudes. Desarrolló una gran amistad con Jada Pinkett (más tarde Jada Pinkett Smith), que duró hasta la muerte de Shakur. En el documental Tupac: Resurrection, Shakur dice: "Jada es mi corazón. Será mi amiga para toda mi vida", y Pinkett Smith dice de Shakur que fue "uno de mis mejores amigos. Es como un hermano. Fue más alla de nuestra amistad. El tipo de relación que teníamos solo se consigue una vez en la vida". Un poema escrito por Shakur titulado "Jada" aparece en su libro, The Rose That Grew From Concrete (La rosa que creció del cemento), que también incluye un poema dedicado a Pinkett Smith llamado "The Tears in Cupid's Eyes" ("Lágrimas en los ojos de Cupido). Shakur comenzó a salir con la hija del director del Partido Comunista de Baltimore en 1987, y se convirtió en un miembro activo de la Liga de Jóvenes Comunistas.
En junio de 1988, Tupac y su familia se mudaron nuevamente, esta vez a Marin City, en California,16 donde asistió al Instituto Tamalpais.Shakur comenzó a asistir a las clases de poesía de Leila Steinberg en 1989. Ese año, Steinberg organizó un concierto con el antiguo grupo de Shakur, Strictly Dope. Tras el concierto firmó un contrato con Atron Gregory y fue presentado al grupo de hip-hop Digital Underground. En 1990, fue contratado como bailarín de la banda y roadie.

Carrera de rapero

Su carrera profesional comenzó a principios de la década de los 90, debutando con un verso en la canción "Same Song" de Digital Underground, que aparecía en la banda sonora de la película Nothing But Trouble de 1991. También realizó un cameo con el grupo en el filme. Fue la canción principal del EP This is an EP Release, la segunda publicación del grupo tras su exitoso Sex Packets, y apareció en el video musical del tema. Tras su debut en el rap, Tupac colaboró en el siguiente álbum de Digital Underground, titulado Sons of the P. El 12 de noviembre de 1991 lanzó su primer álbum en solitario, 2Pacalypse Now. En un principio tuvo problemas para la comercialización de su debut en solitario, pero los ejecutivos de Interscope Records Ted Field y Tom Whalley acordaron finalmente distribuir el disco.
2Pacalypse Now no tuvo tanto éxito en las listas comerciales como sus álbumes futuros. Su segundo álbum, Strictly 4 My N.I.G.G.A.Z., fue publicado en 1993 y producido principalmente por Randy "Stretch" Walker y Live Squad. "Keep Ya Head Up" y "I Get Around" fueron los sencillos más exitosos, éste último con colaboración de Shock G y Money-B de Digital Underground

A finales de 1993, Tupac formó el grupo Thug Life con varios de sus amigos, incluyendo Big Syke, Macadoshis, su hermanastro Mopreme Shakur y Rated R. El grupo lanzó su primer y único álbum, Thug Life: Volume 1, el 26 de septiembre de 1994, que fue disco de oro. El álbum incluyó el sencillo "Pour Out a Little Liquor", producido Johnny "J" Jackson, productor una gran parte del álbum All Eyez on Me de 1996. El grupo solía realizar sus conciertos sin Tupac. El concepto de "Thug Life", en el momento, era visto como una filosofía de vida por Shakur.
Cuestiones legales
Al igual de que recibió atención por sus habilidades como rapero, Tupac también ganó notoriedad por sus conflictos con la ley. En octubre de 1991, presentó una demanda civil de 10 millones dólares en contra de la aplicación de la ley del Departamento de Policía de Oakland, alegando que lo golpearon brutalmente por cruzar la calle imprudentemente.
En 1992, un policía estatal de Texas fue asesinado por un adolescente que estaba escuchando 2Pacalypse Now, álbum que incluía canciones sobre matar policías. Esto causo un revuelo de controversia de los medios de comunicación. Dan Quayle, el Vicepresidente de los Estados Unidos por entonces, exigió que el álbum fuera retirado de las tiendas de música y de los medios de comunicación de todo el país, a lo que Interscope se negó. Shakur afirmó que su primer álbum fue dirigido a los problemas que enfrentan los jóvenes negros, pero fue criticado por su lenguaje gráfico y las imágenes de la violencia por y en contra de la ley. Quayle denunció públicamente el álbum declarando que "no tiene lugar en nuestra sociedad".
En octubre de 1993, en Atlanta, dos hermanos y policías fuera de servicio, Mark y Scott Whitwell, se encontraban con sus respectivas esposas cuando, al cruzar la calle, un coche en el que se encontraba Tupac casi les golpea, tras lo cual Whitwell dio pie a un altercado con los integrantes del vehículo. Un policía resultó herido en las nalgas, y el otro en la pierna, la espalda o el abdomen, de acuerdo con diversos informes de prensa. No fueron encontradas otras lesiones, pero Mark Whitwell fue acusado de disparar contra el automóvil de Shakur y después mentir a la policía durante la investigación. Shakur fue acusado de disparar contra el policía, hasta que los fiscales decidieron retirar todos los cargos en contra de todas las partes.
En diciembre de 1993, Tupac y otras personas fueron acusados de abusar sexualmente de una mujer en una habitación de un hotel. Según la denuncia, Shakur sodomizó a la mujer y luego alentó a sus amigos a abusar sexualmente de ella. Shakur negó vehementemente los cargos. Según él, mantuvo relaciones con la mujer días antes del incidente, practicándole sexo oral en la pista de baile y dos días más tarde manteniendo relaciones sexuales consentidas en su habitación de hotel. Las acusaciones fueron hechas después de que la mujer visitara su habitación de hotel por segunda vez, donde mantuvo actividades sexual con los amigos del rapero y alegó que Tupac y su séquito le habían violado en masa, diciéndole presuntamente: "¿por qué dejas que me hagan esto?". Shakur declaró que estaba dormido poco después de que ella se marchara y más tarde se despertó con sus acusaciones y amenazas legales. En el juicio fue declarado culpable de abuso sexual y condenado a un año y medio de prisión. El juez describió el crimen como "un acto de violencia brutal contra una mujer indefensa". En 1994, fue declarado culpable de atacar a un antiguo empleado en el rodaje de un video musical. Fue condenado a quince días en la cárcel con días adicionales en un equipo de trabajo de carreteras, servicios comunitarios, y una multa de 2.000 dólares. Más tarde se le relacionó con Madonna, que quería tener un hijo con el rapero.
En 1995, Tupac fue condenado por error acusado de homicidio de Qa'id Walker-Teal, un niño de 6 años que fue víctima de una bala perdida en un tiroteo entre la comitiva de Shakur y un grupo rival, en Marin City en 1992. No obstante, las pruebas de balística demostraron que la bala no era de Shakur o de cualquier miembro de su grupo. Finalmente no hubieron cargos criminales y Shakur acordó con la familia del chico una cifra de entre 300.000 y 500.000 dólares. Después de cumplir parte de su condena, fue liberado bajo fianza en espera de su apelación. El 5 de abril de 1996, un juez lo condenó a 120 días de prisión por violar los términos de la libertad condicional.

Tiroteo de noviembre de 1994

En la noche del 30 de noviembre de 1994, el día antes de que se anunciara el veredicto por supuesto abuso sexual, Tupac recibió cinco impactos de bala y fue robado por dos hombres armados con uniforme militar en el vestíbulo de los estudios Quad, en Manhattan, Nueva York. Tupac acusó a Sean Combs, Andre Harrell y Biggie Smalls, a los que vio poco después del tiroteo. Shakur les describe como si actuaran de manera muy extraña, algo así como sorprendidos de que estuviera vivo. También sospechó de su íntimo amigo y socio, Randy "Stretch" Walker, de estar involucrado en el asalto. Según los médicos en el Hospital Bellevue, donde ingresó inmediatamente después del incidente, Shakur recibió cinco heridas de bala, dos en la cabeza, dos en la ingle y otro en el brazo y el muslo. Tupac abandonó el hospital, en contra de las órdenes del médico, tres horas después de la cirugía. En los siguientes días, Tupac asistió al juzgado en silla de ruedas, y fue declarado culpable de tres cargos de abuso sexual, pero inocente de otros seis, incluyendo la sodomía. El 6 de febrero de 1995, fue condenado a entre un año y medio y cuatro años y medio de prisión por abuso sexual.
El 30 de noviembre de 1995, exactamente un año después del día del tiroteo, Stretch fue asesinado en Queens.
Condena de prisión

Tupac comenzó su condena el 14 de febrero de 1995 en el Clinton Correctional Facility de Nueva York. Poco después, lanzó su álbum multiplatino Me Against the World, convirtiéndose en el único artista en tener un álbum en el número uno del Billboard 200 mientras cumplía una pena de prisión. El álbum se mantuvo en lo más alto de las listas durante cinco semanas, y vendió 240.000 copias en su primera semana, estableciendo un récord de más ventas en una primera semana para un artista de rap masculino.

En prisión contrajo matrimonio con su novia Keisha Morris, aunque más tarde la boda fue anulada. Durante su encarcelamineto, Shakur leyó muchos libros, como El príncipe de Nicolás Maquiavelo, y El arte de la guerra de Sun Tzu.También escribió un guión titulado Live 2 Tell, una historia acerca de un adolescente que se convierte en un rey de la droga.
Tras cumplir once meses en prisión, Shakur fue liberado de la cárcel, debido en gran parte a la ayuda e influencia de Suge Knight, el CEO de Death Row Records. Knight pagó la fianza de 1.4 millones de dólares y a cambio le exigió que grabara tres álbumes para el sello Death Row.

Death Row Records

A su salida del Clinton Correctional Facility, Shakur inmediatamente regresó al estudio. Creó un nuevo grupo llamado Outlawz Immortalz y comenzó a grabar su primer álbum con Death Row. El sencillo "California Love" fue lanzado poco después.
El 13 de febrero de 1996, Shakur lanzó su cuarto álbum como solista, All Eyez on Me. Este doble álbum fue el primero y segundo de su compromiso de tres álbumes con Death Row Records. Se vendieron más de nueve millones de copias.37 A diferencia de Me Against the World, el álbum estaba más orientado a la mentalidad matona y de gángster. Tupac continuó con sus grabaciones a pesar de los crecientes problemas en Death Row. Dr. Dre dejó su puesto como productor de la casa para formar su propio sello, Aftermath. Shakur siguió creando cientos de temas durante su tiempo en Death Row, la mayoría de los cuales serían liberados en sus álbumes póstumos R U Still Down? (Remember Me), Still I Rise, Until the End of Time, Better Dayz y Pac's Life. También comenzó a grabar un disco con Boot Camp Clik y su sello Duck Down Records, ambos con sede en Nueva York, titulado One Nation.
El 4 de junio de 1996 lanzó junto a los Outlawz lanzó el tema "Hit 'Em Up", en el que atacaba verbalmente a Biggie y a sus asociados. En la canción, Shakur dijo haber tenido relaciones sexuales con Faith Evans, la esposa de Biggie por entonces, y atacó la credibilidad callejera de Bad Boy Records. Shakur estaba convencido de que algunos de los miembros de Bad Boy estaban relacionados con el tiroteo de 1994. Shakur se alineó con Suge, que ya estaba enfrentado con Combs y su sello Bad Boy, añadiendo fuerza al conflicto entre la costa Este y Oeste.
El 4 de julio de 1996, Tupac actuó en directo en el House of Blues con los Outlawz, Tha Dogg Pound, y Snoop "Doggy" Dogg. Fue el último concierto de Shakur.
Mientras estaba en la cárcel, Tupac leyó y estudió sobre Nicolás Maquiavelo, que inspiró su seudónimo "Makaveli" bajo el cual lanzó el álbum The Don Killuminati: Day Theory. A lo largo del álbum, Shakur sigue centrándose en los temas de dolor y de la agresión, haciendo de este álbum una de las obras emocionalmente más oscuras de su carrera. Shakur escribió y grabó todas las letras en sólo tres días y para la producción se tomaron cuatro días, sumando un total de siete días para completar el álbum (de ahí el nombre). El álbum fue completamente terminado antes de la muerte de Shakur, y en la portada aparecía él mismo crucificado, simbolizando lo que los medios de comunicación habían hecho con él. Tupac tenía planeado formar Makaveli Records, que habría incluido a los Outlawz, Wu-Tang Clan, Big Daddy Kane, Big Syke y Gang Starr.
Tiroteo de septiembre de 1996 y muerte

En la noche del 7 de septiembre de 1996, Tupac asistió al combate de boxeo entre Mike Tyson y Bruce Seldon en el MGM Grand de Las Vegas. Después del combate, uno de los socios de Suge vio a Orlando "Baby Lane" Anderson, de 21 años de edad y miembro de los Crips Southside, en el vestíbulo del MGM Grand, e informó a Shakur. Tupac y su grupo agredió a Anderson, y la pelea fue grabada por las cámaras de vigilancia del hotel. Unas semanas antes, Anderson y un grupo de Crips le había robado a un miembro de Death Row en una tienda de Foot Locker, lo que causó el ataque de Shakur. Tras el incidente, Tupac se reunió con Knight para ir al Club 662, propiedad de Death Row. Se desplazaron en el BMW 750iL de 1996 de Knight.
A las 10:55 de la noche, mientras que el coche se detuvo en un semáforo en rojo, Shakur bajó la ventanilla y un fotógrafo le hizo una fotografía.Alrededor de 11:00-11:05 horas, unos polícias en bicicleta detuvieron el vehículo en Las Vegas Boulevard debido al alto volumen de la música y por que el coche no concordaba con las placas. Las placas se encontraban en el maletero del coche de Suge, y pudieron marcharse sin ser multados.Alrededor de las 11:10, el coche se detuvo en un semáforo en rojo en Flamingo Road, cerca de la intersección de Koval Lane, en frente del Hotel Maxim, y un vehículo ocupado por dos mujeres se detuvo en su lado derecho. Shakur intercambió palabras con las dos mujeres y las invitó a asistir al Club 662. Aproximadamente cinco minutos después, un Cadillac blanco de cuatro puertas con un desconocido número de ocupantes se detuvo al lado derecho del coche de Knight, bajó una de las ventanas del coche y rápidamente disparó entre 12 y 13 tiros a Tupac. Fue alcanzado por cuatro balas, hiriéndole en el pecho, en la pelvis, en la mano derecha y en el muslo. Aparentemente una de las balas rebotó en su pulmón derecho. Suge fue herido en la cabeza, aunque se cree que la bala simplemente le rozó.Según él, una bala se incrustó en su cráneo, pero los informes médicos posteriores contradijeron esta declaración.
En el momento de los disparos, el guardaespaldas de Tupac se encontraba en el coche de atrás, perteneciente a Kidada Jones, la novia de Shakur. El guardaespaldas, Frank Alexander, declaró que cuando estaba a punto de viajar junto con el rapero en el coche de Knight, el propio Tupac le pidió que condujera el coche de su novia ya que en el caso de que regresaran demasiado borrachos del Club 662 necesitarían varios coches para regresar al hotel.
Al llegar a la escena, la policía y los paramédicos trasladaron a Suge y a un fatalmente herido Shakur al Centro Médico Universitario. Según una entrevista con uno de los mejores amigos de Shakur, el director de videos musicales Gobi, mientras que Tupac estaba en el hospital, recibió la noticia de uno de los empleados de marketing de Death Row de que los asaltantes habían llamado al sello discográfico y estaban enviando amenazas de muerte dirigidas a Shakur, afirmando que iban allí para "acabar con él". Al oír esto, Gobi inmediatamente alertó a la policía de Las Vegas, pero la policía aseguró que no había personal suficiente y que no podían enviar a nadie.Sin embargo, los tiradores nunca se presentaron. En el hospital, Shakur no estaba totalmente inconsciente, y fue fuertemente sedado. Respiraba a través de un ventilador y un respirador, y fue conectado a una máquina de respiración artificial, y finalmente entró en un coma inducido por barbitúricos.
A pesar de sobrevivir a un gran número de operaciones, como la extirpación de su pulmón derecho, Shakur superó la fase crítica de la terapia médica y se le dio un 50% de probabilidades de sobrevivir. Gobi abandonó el centro médico después de ser informado de que Shakur hizo un 13% de recuperación en la sexta noche. El 13 de septiembre de 1996, estando en la Unidad de Cuidados Intensivos, Tupac murió de hemorragia interna, a pesar de los intentos de reanimación de los médicos.9 45 Su madre, Afeni, tomó la decisión de decirle a los médicos que se detuvieran.41 45 Fue declarado muerto a las 16:03 de la tarde.La causa oficial de su muerte fue insuficiencia respiratoria y paro cardiorrespiratorio en relación con múltiples heridas de bala.9 El cuerpo de Shakur fue cremado,y algunas de sus cenizas fueron mezcladas con marihuana y fumadas por los miembros de Outlawz.
Caso de asesinato

Debido en gran parte a la aparente falta de progreso en el caso por parte de las autoridades, han surgido muchas investigaciones independientes y teorías relacionadas con su muerte. Debido a la acritud entre Tupac y Biggie, se especuló desde el principio sobre la posibilidad de colaboración de Biggie en el asesinato. Él, además de su familia, parientes y socios, han negado vehementemente la acusación. En 2002, el escritor Chuck Phillips del Los Angeles Times afirmó haber descubierto pruebas que implicaban a Biggie, además de Anderson y los Southside Crips, en el asesinato.49 En el artículo, Phillips citó fuentes no identificadas de miembros de pandillas que afirmaban que Biggie tenía vínculos con los Crips, y que a menudo contrataba a sus hombres para su seguridad durante sus apariciones en la costa Oeste. Sin embargo, en 2008, el Los Angeles Times publicó una retracción oficial en primera plana de la historia de Phillips.Los documentos utilizados por Phillips fueron descubierto por The Smoking Gun y resultaron ser totalmente fraudulentos. Phillips fue despedido de su trabajo cinco meses más tarde, y Biggie fue asesinado en marzo de 1997.
En su apoyo, la familia de Biggie presentó una documentación para MTV insinuando que estaba trabajando en un estudio de grabación de Nueva York la noche del tiroteo. Su mánager Wayne Barrow y el rapero James "Lil 'Cease" Lloyd hicieron declaraciones públicas negando que la participación de Biggie en el crimen y alegando además que ambos estaban con él en el estudio de grabación durante la noche del suceso.
El cineasta inglés Nick Broomfield realizó el documental Biggie & Tupac, que examina la falta de progreso en el caso y habla con los amigos cercanos a ambos raperos. El amigo de la infancia y miembro de los Outlawz Yafeu "Yaki Kadafi" Fula estaba en el convoy en el momento del tiroteo e indicó a la policía que podría ser capaz de identificar a los agresores. Sin embargo, a los dos meses fue asesinado en Nueva Jersey.
Un DVD titulado Tupac: Assassination fue lanzado el 23 de octubre de 2007, más de once años después del asesinato de Shakur. Explora los aspectos circulantes al suceso y proporciona una nueva visión sobre el caso abierto.

Influencias

La música y filosofía de Tupac se basa en muchas entidades americanas, afroamericanas y del mundo, incluido el Partido Pantera Negra, el nacionalismo negro, el igualitarismo y la libertad. Su álbum debut, 2Pacalypse Now, reveló el lado de conciencia social de Shakur. En este álbum, Shakur ataca la injusticia social, la pobreza y la brutalidad policial en las canciones "Brenda's Got a Baby", "Trapped" y "Part Time Mutha". Su estilo en este álbum estuvo muy influenciado por la conciencia social y el afrocentrismo impregnado en el hip-hop a finales de los 80 y principios de los 90. Shakur ayudó a extender el éxito de grupos de rap como Boogie Down Productions, Public Enemy, X-Clan y Grandmaster Flash, y se convirtió en uno de los primeros raperos socialmente conscientes de la costa Oeste.
En su segundo álbum, Tupac continuó rapeando acerca de los males sociales que afectan a los afroamericanos, con canciones como "The Streetz R Deathrow" y "Last Wordz". También mostró su lado compasivo con el himno de inspiración "Keep Ya Head Up", mientras que al mismo tiempo sacaba su legendaria agresividad con "Strictly 4 My N.I.G.G.A.Z.". A lo largo de su carrera se comenzó a ver una actitud más agresiva en Shakur.
Los contradictorios temas de desigualdad social e injusticia, agresión desenfrenada, compasión, alegría y esperanza continuaron formando parte del trabajo de Tupac, como lo demuestra con el lanzamiento en 1995 del álbum Me Against the World. En 1996, Shakur lanzó All Eyez on Me. Muchas de sus canciones son considerados por muchos críticos como clásicos, entre ellos "Ambitionz Az a Ridah", "I Ain't Mad At Cha", "California Love", "Life Goes On" y "Picture Me Rollin'"; All Eyez on Me fue un cambio de estilo de sus obras anteriores. A pesar de que aún contenían canciones y temas sociales, All Eyez on Me estuvo fuertemente influenciado por canciones de fiesta y tendían a tener un ambiente más desenfadado que sus primeros discos. Shakur lo describe como una celebración de la vida, y el disco fue un éxito tanto en lo crítico como en lo comercial.
Shakur fue un lector voraz. Estuvo inspirado por una gran variedad de escritores, entre ellos Nicolás Maquiavelo, Donald Goines, Sun Tzu, Kurt Vonnegut, Mikhail Bakunin, Maya Angelou, Alice Walker y Khalil Gibran. En su libro, Dyson describe la experiencia de visitar la casa de una amiga de Shakur, Leila Steinberg, y encontrar "un mar de libros" que fueron propiedad de Shakur.

Legado

En un concierto de Mobb Deep, tras la muerte de Tupac y en lanzamiento de The Don Killuminati: The 7 Day Theory, Cormega recordó en una entrevista que los fans estaban gritando "Makaveli", e hizo hincapié en la influencia de The Don Killuminati: The 7 Day Theory y de Shakur incluso en Nueva York, con la rivalidad entre las dos costas.
About.com nombró a Tupac Shakur el rapero más influyente de la historia.
Para preservar el legado de Shakur, su madre fundó la Shakur Family Foundation (más tarde rebautizada como la Tupac Amaru Shakur Foundation o TASF) en 1997. La TASF se encarga de "proporcionar formación y apoyo para los estudiantes que aspiran a mejorar sus talentos creativos". La Fundación inauguró el Tupac Amaru Shakur Center for the Arts (TASCA) en Stone Mountain, Georgia, el 11 de junio de 2005. El 14 de noviembre de 2003, un documental sobre Shakur titulado Tupac: Resurrection, fue lanzado bajo la supervisión de su madre y narrado completamente por el propio Tupac. Fue nominada a Mejor Documental en los premios Oscar de 2005. La recaudación se destinó a una organización benéfica creada por la madre de Shakur. El 17 de abril de 2003, la Universidad de Harvard, copatrocinó un simposio académico titulado "All Eyez on Me: Tupac Shakur and the Search for the Modern Folk Hero". Los oradores examinaron una amplia gama de temas relacionados con los efectos de Shakur en todo, desde el entretenimiento a la sociología.
Muchos de los oradores examinaron el estado de Shakur y su personalidad pública, incluyendo al profesor de inglés Mark Anthony Neal, de la Universidad del Estado de Nueva York, que dio la charla "Thug Nigga Intellectual: Tupac as Celebrity Gramscian" en la que sostenía que Shakur fue un ejemplo de "intelectual orgánico". El profesor Neal también ha indicado en sus escritos que la muerte de Tupac ha dejado un "vacío de liderazgo entre los artistas de hip-hop".Neal además le describe como una "contradicción andante", un estatus que le permitió "ser un intelectual accesible para la gente corriente".
El profesor de comunicaciones Murray Forman, de la Universidad Northeastern, habló del estatus mítico de la vida y la muerte de Shakur. Se refirió al simbolismo y la mitología que rodea la muerte de Shakur en su charla titulada "Tupac Shakur: O.G. (Ostensibly Gone)". Entre sus conclusiones destacó que los fans de Shakur han tenido "éxito en la resurrección de Tupac como una fuerza vital etérea". En "From Thug Life to Legend: Realization of a Black Folk Hero", el profesor de música de la Universidad de Northeastern, Emmett Price, comparó la imagen pública de Shakur a la de los timadores del folklore afroamericano que dio lugar al "mal hombre" del período posterior a la esclavitud. En última instancia describe a Shakur como un "artista prolífico" que fue "impulsado por un terrible sentimiento de urgencia" en una búsqueda para "unificar la mente, cuerpo y espíritu".
Michael Dyson, profesor de Humanidades y Estudios Afroamericanos de la Universidad de Pensilvania y autor del libro Holler If You Hear Me: Searching for Tupac Shakur, indicó que Shakur "habló con brillantez y perspicacia como alguien que da testimonio del dolor de los que nunca tendrían su plataforma. Dijo la verdad, incluso mientras luchaba con los fragmentos de su identidad".En una conferencia de Harvard el tema fue el impacto de Shakur en el entretenimiento, las relaciones raciales, la política y el "héroe/mártir". A finales de 1997, la Universidad de California en Berkeley ofreció un curso titulado "Historia 98: Poesía e Historia de Tupac Shakur".
A finales de 2003, la línea de ropa Makaveli Branded Clothing fue lanzada por Afeni. En 2005, Death Row lanzó el álbum en directo Tupac: Live at the House of Blues. El DVD contenía la última actuación en directo de Tupac, que tuvo lugar el 4 de julio de 1996, y cuenta con un sinfín de artistas de Death Row. En agosto de 2006 salió a la venta Tupac Shakur Legacy, una biografía interactiva escrita por Jamal Joseph. Cuenta con fotografías inéditas de su familia, historias íntimas, y más de 20 reproducciones de sus letras, declaraciones, escrituras, poesías, y otros documentos personales. El sexto álbum póstumo de Shakur, Pac's Life, fue lanzado el 21 de noviembre de 2006, conmemorando el 10º aniversario de su muerte. Todavía está considerado como uno de los artistas más populares de la industria de la música.
Según Forbes, Shakur recaudó 15 millones de dólares en 2008.65 En 2002 fue reconocido como una de las 10 celebridades fallecidas más ricas del mundo.

Bandas

Tupac fue miembro de varios grupos musicales o bandas en su carrera. Son los siguientes:
Born Busy: Fue parte del grupo bajo el seudónimo de MC New York en compañía de Darin Keith Bastfield, Ace Rocker y DJ Plain Terror.67
Underground RailRoad: Fusión entre Live Squad, Big D The Impossible, Pee Wee, Jeremy y miembros de Digital Underground. Todas las canciones del primer disco de Tupac están producidas por este grupo.
Digital Underground: Tupac tenía 18 años cuando se unió al grupo Digital Underground, conformado por entonces por Shock G y ChopMaster J. "Same Song" fue la primera canción en la que participó Tupac. Posteriormente el grupo colaboró con Tupac en "I Get Around" del álbum Strictly 4 My N.I.G.G.A.Z..
Two From The Crew: Se unió a la banda formada por jóvenes de Marin City en 1986. El grupo hizo canciones como Lifestyle Of The Poor And Homeless y Lets Get It On. Sus letras hablaban sobre todo de la vida de las personas de color en los ghettos.
Strictly Dope: Conoció a Leila Steinberg en San Francisco. Ella ayudó a Tupac a meterse al Ray Luv y poco tiempo después Tupac y Ray formaron parte del grupo Strictly Dope.
Thug Life: Tupac junto a Randy Walker "Stretch" formaron el dúo Thug Life. Stretch posteriormente dejó la banda por razones desconocidas. En 1992, Tupac conoció a Tyruss Himes "Little Psycho" y grabaron una canción titulada Thug Life. Little Psycho luego cambió su apodo por Sike. Posteriormente se unieron al grupo Macadoshis y The Rated R. Ellos grabaron con la compañía Interscope Records un único disco llamado Thug Life: Volume 1. Mopreme (Maurice Harding), el hermanastro de Tupac, también se uniría al grupo.
Outlawz: Formado antes de que Tupac falleciera. Primeramente se conocía como Dramacydal, debutando en la canción "Me Against The World" del disco homónimo. Los primeros integrantes fueron K-Dog (Kastro), Young Hollywood (Yaki Kadafi), Mu (Napoleon), y Big Malcolm (E.D.I. Mean). Su primera aparición fue en "When We Ride" de All Eyez on Me. Más tarde, junto con Mopreme Shakur (Komani), Hussein Fatal y Big Syke (Mussolini), el grupo cambió el nombre a Outalwz Inmortalz.

Premios

Tupac Shakur fue reconocido en su vida de cantante con nominaciones y premios, algunos de estos son:
En 1995, Shakur se convierte en el primer artista en tener un álbum en el puesto Nº1 de Billboard 200 mientras servía condena en prision.
En 1996, fue nominado para 2 Grammy por mejor álbum de Rap (Me Against the World) y mejor canción Rap ("Dear Mama".
En 1999, el "MTV: 100 Greatest Videos Ever Made" incluyó al video del tema "California Love" en la posición número 9.
En 2002, fue introducido en el "Hip Hop Hall Of Fame".
En 2003, fue votado en primera posición por los telespectadores en el "MTV's 22 Greatest MCs"70 y al año siguiente, la revista Vibe le denominó como el mejor rapero de todos los tiempos.
En 2005, el álbum Makaveli: The Don Killuminati: 7 Day Theory fue elegido en el Top 10 de mejores álbumes de rap de la historia por MTV.

Fuente: Wikipedia

In the event of my Demise

when my heart can beat no more

I Hope I Die For A Principle

or A Belief that I had Lived 4

I will die Before My Time

Because I feel the shadow's Depth

so much I wanted 2 accomplish

before I reached my Death

I have come 2 grips with the possibility

and wiped the last tear from My eyes

I Loved All who were Positive

In the event of my Demise .
By Tupac Shakur
(Poem taken from actual writings of Tupac Shakur from'The Poetry Circle'in Santa Rosa California 1993-Provided by Leila Steinburg)

"EL RAPERO MÁS INFLUYENTE EN EL HIP HOP"
"UNA LEYENDA"

16-o6-1971 † 13-o9-1996

GRIDLOCK'D

Esta película me impacto gratamente en su día cuando la vi con mis hijos, las escenas que dejo son memorables, Tim Roth como siempre está espectacular. Desde entonces me viene mi afición a TUPAC y al RAP .Me encanta este tío, lástima que muriera de una tan forma violenta, pero es algo con lo que tuvo que convivir toda su vida siendo como fue hijo de una de las mujeres más influyentes en el movimiento afroamericano "BLACK PANTERS" .Estés donde estés TUPAC "liala" pero descansa en paz.

JIM MORRISON / AN AMERICAN POET

2010-04-08T07:38:00.042+02:00

A veces quisiera cerrar los ojos
y regresar a paisajes que no conozco,
regresar a la cueva.
¿De que sirve soñar?
Sueña conmigo.
¿Eres feliz pensando que nada de lo que te rodea es real,
solo tus sueños?
No oirás lo que esperas oír,
no veras lo que quieres ver,
no abrazarás a quien amas más que en tú solitario sueño.
Ven, baja, hundete
en mi pesadilla.
(By Jim Morrison)
Este poéma suyo es mi favorito me acompaña donde quiera que vaya

BIOGRAFIA

James Douglas Morrison Clarke nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke y George Stephen Morrison. Tuvo 2 hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño, su familia debió trasladarse por varias ciudades de Estados Unidos debido a la carrera militar de su padre y vivir en diversas bases militares (a los 14 años de edad ya había tenido 7 hogares). Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en la forma de ser de Jim, tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.
La relación que llevó con su padres (en especial con su madre) y hermanos siempre fue la de quien no quiere ser parte ni comprometerse. A Jim lo confundía enormemente la autoridad que sobre él se ejercía ya que, en las largas ausencias de su padre era su madre quien llevaba la batuta, pero al volver Steve era entonces él quien mandaba a todos, excepto a Clara, la cual solía humillarlo delante de sus hijos ordenándole sacar la basura o lavar el refrigerador. Así lo recordaba Jim amargamente: "Le ordenaba sacar la basura y él sin chistar lo hacía". Esta actitud forjó en Jim un pésimo concepto hacía la autoridad y hacia quien la ejercía, concepto que habría de cargar consigo el resto de su vida (sus arrestos y encuentros con la policía habrían de confirmarlo).

El joven James se marchó de su hogar a los 19 años. Era un muchacho alto y fornido, siempre desarrapado que podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudiaba en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, estudiando en la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola quien, años después, utilizaría el tema The End, como soundtrack de introducción para su película ambientada en la guerra de Vietnam, titulada: "Apocalypse Now". Jim logró graduarse pero nunca fue a recoger sus papeles, pues estaba desilusionado de la carrera y de la comercialización en la industria cinematográfica.
Decidió enfocarse de lleno a lo que él considero siempre su verdadera vocación: la poesía. Para tal efecto se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitándoles largos y complejos sonetos del siglo XVIII. Esta fue una época de descubrimiento para Jim, por un lado el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, cortesía de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro lado el nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier, cosa que rodeaba a Jim pero que jamás adoptaría e incluso desdeñaría debido a su habitual nihilismo y conocimiento avanzado. Por ejemplo, Jim no podía conciliar en su mente temas hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología.
Se dice que Jim Morrison tenía un alto coeficiente intelectual:149. Aunque este no está comprobado en las pruebas de IQ de aquellos días es cierto que Jim leía textos complejos para la mayoría, que tocaban las obras de autores como Friedrich Nietzsche, Aldous Huxley, Jack Kerouac, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, el conde de Lautréamont, Emanuel Swedenborg, Gérard de Nerval y William Blake, entre muchos otros. Un profesor de Jim incluso relató después a sus biógrafos que iba a la bliblioteca del congreso para ver si existían algunos de los libros que Jim decía leer. Los profesores de la universidad charlaban tendidamente con Jim sobre libros de este tipo, y algunos, también en declaraciones a los autores de la biografía de Jim, definieron esas charlas así: "Parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros; la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él".

Jim Morrison / Lizard King / Mr Mojo Risin'

Jim Morrison formó a The Doors en 1966 junto a Ray Manzarek (tecladista), John Densmore (baterista) y Robbie Krieger (guitarrista), en el condado de Venice Beach, California. Con un rock ácido, oscuro y espeso, con bases de jazz y blues, y textos que exponían el lado oscuro del alma humana, el grupo pronto se hizo de popularidad en la escena rockera de la costa oeste estadounidense (Los Ángeles y San Francisco), en donde contrastaba con el colorido y la ideología hippie de paz y amor que entonces pregonaban bandas como The Jefferson Airplane, The Greateful Dead y Love, entre otras. Además de su potente y singular propuesta musical.

The Doors se catapultó de inmediato gracias a la extrovertida personalidad de Morrison y a su imponente presencia, que igual era idolatrada por hombres -por su aspecto y actitud rebelde, revolucionaria e ilimitada en cualquier sentido- como por mujeres -por su físico atractivo, que lo convertía en un símbolo sexual que no existía desde Elvis Presley. La imagen de Morrison siempre estuvo relacionada de alguna manera con lo sexual, ya fuera por su figura, por su actitud o por sus letras. Aficionado al cine (arte que estudió en la Universidad de California en Los Ángeles), a la filosofía (Friedrich Nietzche, William Blake) y a la poesía (Arthur Rimbaud, Charles Baudelaire), Morrison conjuntó estos gustos con la música para proyectarlos en sus canciones y sobre el escenario, creando una personalidad única que sería prototipo para muchos cantantes y rock stars en el futuro (Bono –U2-, Michael Hutchence -INXS-, Ian Astbury -The Cult-, Eddie Vedder –Pearl Jam, Scott Weiland -Stone Temple Pilots- Scott Stapp –Creed- Bunbury -Héroes del Silencio). Su voz, aunque no muy privilegiada, contaba con ese timbre grave que igual le permitía sonar introspectivo, provocador o seductor; igualmente, sus gemidos entre canciones o al final de estas son otro de sus sellos distintivos. The Doors fue el escaparate de Morrison para convertirse en rock star y, tras su muerte, en leyenda. Con el grupo grabó los discos The Doors, Strange Days, Waiting for The Sun, The Soft Parade, Morrison Hotel, Absoletly Live y L.A. Woman. De entre sus canciones más destacadas se encuentran “Break on Through (To the Other Side)”, “The Crystal Ship”, “The End”, “Strange Days”, Moonlight Drive”, “When The Music is Over”, “The Unknown Soldier”, “Wild Child”, “Rodhouse Blues”, “Riders on The Storm” y “L.A. Woman”. Curiosamente, los temas de The Doors que alcanzaron los primeros lugares de las listas de popularidad no fueron escritos por Morrison sino por Robbie Krieger, como lo fueron “Light my Fire”, “Hello, I Love You” y “Touch Me”.

Regido por la frase de William Blake de “el camino de los excesos conduce al palacio de la sabiduría”, Morrison vivó siempre entre la delgada línea que divide la vida y la muerte. Su afición por las drogas, el sexo y el alcohol lo condujeron a ser una persona de difícil trato en muchas ocasiones, lo cual provocaba, entre los que lo rodeaban, algún tipo de resentimiento (como el caso del baterista John Densmore), pero a la vez resultaba un atractivo más de su personalidad, para aquellos que veían en él únicamente al rock star y no al ser humano. Quizá por estas características, al momento de su muerte, cuando avisaron al que fuera al manager del grupo como a sus compañeros, éstos pensaron que se trataba de una broma, pues conociendo la extremosa vida de Morrison no era extraño que en numerables ocasiones le inventaran muertes, ya fuera por sobredosis o por accidentes automovilísticos. De entre sus “travesuras” más célebres, se cuenta con aquel concierto en el bar angelino Whiskey A Go-Go, en los inicios del grupo, cuando en plena interpretación de la canción “The End” se le ocurrió agregar al texto la edípica frase de “father, I want to kill you; mother, I want to fuck you” (padre, te quiero matar; madre, quiero fornicarte). Tal ocurrencia les valió ser despedidos del entonces prestigiado foro, pero a la vez fue motivo de que siguieran llamando la atención de cada vez más público. En otra ocasión, cuando se presentaron por primera vez en el Ed Sullivan Show, el programa de más rating en la televisión estadounidense de los años 60, Sullivan mandó pedir al grupo que durante su actuación cambiaran una parte a la letra de la canción “Light My Fire”, pues consideraban que la frase “girl we couldn’t get much higher” (“nena, no podemos elevarnos más”, en donde la palabra “elevarnos” es utilizada haciendo referencia al uso de drogas) era muy “fuerte” para transmitirse en cadena nacional. A pesar de las advertencias, durante su presentación Morrison no sólo dijo la frase original, sino que la acentuó más al momento cantar. Sin embargo, la mayor “travesura” de Morrison, cuyas consecuencias, sin embargo, sí afectaron al grupo de forma definitiva, fue el 1 de marzo de 1969, durante un concierto en el Dinner Key Auditorium de Miami. En un estado de total ebriedad, en algún momento del concierto Morrison, aparentemente, expuso públicamente sus genitales e incitó a la audiencia a que alguien subiera al escenario a “amarlo”, y a que los restantes tuvieran sexo ahí mismo. A pesar de que nunca se pudo comprobar si realmente el “rey lagarto” expuso sus genitales, eso le costó un arresto con cargos de “comportamiento indecente y lascivo, exposición indecente, profanidad abierta y estado de ebriedad”. Tras eso, los conciertos de The Doors fueron prohibidos en muchas ciudades y su popularidad disminuyó en gran parte.

Como ocurre con toda personalidad célebre y controvertida, la historia de Jim Morrison no podía dejar de tener su capítulo que da nacimiento al mito, que en el caso del líder de The Doors surge al momento de su muerte. La historia oficial señala que James Douglas Morrison falleció el 3 de julio de 1971 a causa de un "fallo cardíaco" mientras se encontraba en la bañera de su departamento en París. Sin embargo, los sucesos previos y posteriores a su muerte nunca han sido completamente aclarados, por lo que, a 30 años de su deceso, siguen siendo motivo de suposiciones de todo tipo. El mayor mito alrededor de la muerte de Morrison es que éste nunca falleció, sino que fingió su muerte para deshacerse por completo de su figura de rock star y personalidad pública para dedicarse por completo a la poesía desde el anonimato, y que actualmente estaría radicando en África o en Las Bahamas. Esta creencia se basa en varios factores, como el hecho de que si bien Morrison murió el 3 de julio, su muerte fue dada a conocer de manera oficial cuatro días después de que ésta ocurriera. Más aún, la única persona que vio vivo por última vez a Morrison fue su novia Pamela Courson, quien lo descubrió muerto en la bañera, y ni siquiera Bill Siddons, manager del grupo, pudo ver el cadáver de Morrison cuando arribó a Francia, luego de que Pamela le telefoneara anunciando la trágica noticia. También, al funeral del líder de The Doors en Père Lachaise, acudieron únicamente cinco personas, Courson, Siddons y tres amistades que Morrison había hecho en París, reduciendo con esto el número de testigos que pudieran aportar más datos sobre su muerte. Sin embargo, el autor Alex Constantine, en su libro The Covert War Against Rock (La Guerra Cubierta contra el Rock), sostiene una teoría diferente a la anterior. Para Constantine, la pregunta no es "¿sigue vivo Jim Morrison?", sino "¿quién mató a Jim Morrison?". Al igual que la muerte de Morrison, Constantine relaciona el deceso de otros rockeros contemporáneos del “rey lagarto”, como Brian Jones y Jimi Hendrix, como parte de una conspiración del FBI y/o la CIA en contra de éstos, por considerarlos entonces como individuos peligrosos para el sistema, por su poder de convocatoria e influencia en la juventud. En el caso de Morrison, el autor considera la posibilidad de que éste pudo haber sido asesinado por fuerzas de inteligencia francesas en conjunción con la CIA, inclusive con la complicidad de su novia Pamela, quien, curiosamente, moriría tres años después (el 24 de abril de 1974) a causa de una sobredosis de heroína. Los motivos de la sospecha de Constantine son varios, como el hecho de que la muerte de Morrison nunca fue bien especificada , pues de acuerdo con el reporte forense se trató de un “fallo cardíaco”, y no de un “ataque” o un “paro”, es decir, en la comucicación oficial el corazón falló, simplemente. También, el Dr. Vasille, encargado de examinar el cadáver, expuso que encontró "un poco de sangre alrededor de las fosas nasales", lo cual indica que hubo una hemorragia, pero a la vez ésto es incongruente si se considera que murió por una fallo cardiaco; por si fuera poco, los paramédicos de la Brigada de Bomberos local, quienes acudieron al llamado de Courson, contaron que Morrison aún sonreía cuando lo encontraron, lo cual tampoco coincide con la causa oficial de muerte. Otras sospechas de Constantine se basan en que antes de partir a París, el médico de cabecera de Morrison declaró a los medios que el cantante se encontraba en perfecto estado de salud; o que en su declaración a la policía parisina, Pamela aseguró que la noche anterior a su muerte, Morrison se encontraba “saludable y muy contento”; también el hecho de que no se le practicara ninguna autopsia... La conclusión que sugiere Constantine es que Morrison fue asesinado, al haber sido dosificado con una dosis mortal de heroína inhalada.
( Jim-Pamela)
Pamela, una de las dos personas que pudieron aportar más datos al respecto (la otra, cita Constantine, es el doctor Vassille, quien, sin embargo, siempre ha declinado hacer comentario alguno respecto a la muerte de Morrison), fue también asesinada con una dosis mortal de heroína inyectada, aunque su muerte fue descrita como accidental por sobredosis. Pero por sobre estos mitos y teorías, la vida y obra de Jim Morrison seguirá siendo recordada y perpetuada como una de las más intensas, prolíficas y atractivas que la historia del rock haya tenido jamás.

AN AMERICAN PRAYER
Do you know the warm progress
under the stars?
Do you know we exist?
Have you forgotten the keys
to the kingdom
Have you been borne yet
& are you alive?
Let's reinvent the gods, all teh myths
of the ages
Celebrate symbols from deep elder forests
[Have you forgotten the lessons
of the ancient war]
We need great golden copulations
The fathers are cackling in trees
of the forest
Our mother is dead in the sea
Do you know we are being led to
slaughters by placid admirals
& that fat slow generals are getting
obscene on young blood
Do you know we are ruled by T.V.
The moon is dry blood beast
Guerrilla bands are rolling numbers
in the next block of green vine
amassing for warfare on innocent
herdsman who are just dying .
O great creator of being
grant us one more hour to
perform our art
and perfect our lives
The moths and atheists are doubly divine
and dying
We live, we die
and death not ends it
Journey we more into the
Nightmare
Cling to life
Our passion'd flower
Cling to cunts and cocks
of despair
We got our final vision
by clap
Columbus' groin got
filled with green death
(I touched her thigh
and death smiled)
We have assembled inside this ancient
and insane theatre
To propogate our lust for life
and flee the swarming wisdom
of the streets
The barns are stormed
The windows kept
And only one of all the rest
To dance and save us
With divine mockery
of words
Music inflames temperament
(When the true King's murderers
are allowed to run free
a thousand Magicians arise
in the land)
Where are the feasts we were promised
Where is the wine
The New Wine
(dying on the vine)

¿Conoces el cálido progreso
bajo las estrellas?
¿Sabes que existimos?
Has olvidado las llaves
del reino.
Acabas de nacer
¿y estás vivo?
Reinventemos los dioses, todos los mitos
de los tiempos.
Celebremos símbolos desde el profundo y antiguo bosque.
(Has olvidado las lecciones
de la antigua guerra)
Necesitamos grandes y doradas cópulas.
Los padres están ocultos en los árboles
del bosque.
Nuestra madre está muerta en el mar.
¿Sabes que estamos siendo conducidos
a matazas por apacibles almirantes?
¿Y que gordos y lentos generales están siendo
obscenos en sangre joven?
¿Sabes que estamos siendo manejados por la televisión?
La luna es una bestia de sangre seca.
Bandas guerilleras hacen rodar números
en el siguiente bloque de verde vid
acumulado para guerras sobre inocentes,
pastores que solo están muriendo.
Oh gran creado del ser
concedenos una hora más para
realizar nuestro arte
y perfeccionar nuestras vidas.
Las polillas y los ateos son doblemente divinos
y morir.
Vivimos, morimos
y la muerte no termina con esto.
Nos hace viajar hacia la
Pesadilla,
aferrarnos a la vida.
Nuestra pasión florecerá.
Aferrarnos a coños y pollas
de desesperación.
Conseguimos nuestra visión final
por aplauso.
La ingle de Colón se
llenó de sangre verde.
(Toqué su muslo
y la muerte sonrió.)
Nos hemos reunido dentro de este antiguo
e insano teatro.
Para propagar nuestra ambición de vida
y escapar de la sabiduría que invade
las calles.
Los graneros son asaltados
Las ventanas se mantienen
Y solo uno de todo el resto
para bailar y salvarnos
con burlas divinas
de palabras.
La música inflama el temparamento
(Cuando los verdaderos asesinos del Rey
son dejados correr libremente
mil Magos surgen
en la Tierra)
Dondé están los banquetes que nos prometieron
Dónde está el vino,
el nuevo vino.
(Muriendo en la vid)

La poesía fue algo en lo que siempre estuvo vinculado Morrison. De hecho, su decisión de dejar a The Doors a principios de 1971 para irse a radicar a París fue en gran parte por el deseo de alejarse de su vida pública y de rock star y dedicarse a la poesía. En su trayectoria con The Doors, gran parte de las canciones de Morrison incluían líneas poéticas, o en específicos casos eran poemas que los Doors restantes musicalizaban, como lo fue el caso de “Horse Latitudes” y “The Celebration of The Lizard”. Pero también, a la par de su actividad con el grupo, Morrison editó dos libros de poesía: The Lords & The New Creatures (1970) y An American Prayer (1970), éste último del que Manzarek, Densmore y Krieger, posterior a la muerte de Morrison, retomaran algunos textos para musicalizarlos y editar un disco del mismo nombre. La poesía de Morrison está llena de metáforas poco convencionales que proyectan vivencias personales o experiencias con alucinógenos, y de pasajes extraños que, al igual que sus canciones, muestran ese lado oscuro del ser humano. La muerte y el sexo son los dos elementos que predominan en su obra. A continuación se reproduce una parte del poema

“An American Prayer”

(Una Oración Americana)
"Sabes cuán pálida y caprichosa llega la muerte en una hora extraña, no anunciada, no planeada como un atemorizante invitado demasiado afectuoso que has llevado a tu cama. La muerte nos hace ángeles a todos y nos da alas donde teníamos hombros tan lisos como garras de cuervos No más dinero, no más atuendos elegantes el otro Reino parece por mucho el mejor hasta que su otra injuria revela el incesto y pierde su obediencia a una ley vegetal que no alcanzaré. Prefiero un festín de amigos que la familia gigante ."

(Cementerio del Père Lachaise-Paris)
Un extraordinario poeta, un mito inmortal.
Un hombre blanco con alma de natívo americano.
Él pidió que el día que muriese pusiese en su tumba.

¡POETA!

Su padre un alto oficial del Ejercito estadounidense no lo permitió.

Descanse en pan el poeta con alma de músico

Descanse en paz El Rey Lagarto
Descanse en paz Mr Mojo Risin'

Cuando cumplí 19 áños de eso hace ya mucho fuí a depositar un poema y una flor para rendir homenaje a el hombre que me enseño amar la poesía, la música, a lo largo de mi vida me he sentido identificada con esa rebeldía ante la autoridad familiar, esa introspección personal, ese zambullirse por la senda equivocada de la vida y por si fuera poco... por mis venas corre sangre nativa americana, así que en muchos puntos me siento muy cerca de él.

Para Jim Morrison
Bajé a la cueva para fundirme con tu alma impreganda de peyote
sucumbi ante tu música siendo adolescente .
Me postro ante ti con una reverencia
Porque siendo el fin mi amigo de la adolescencia.
Me hundo contigo para compartir tu pesadilla
Rindo homenaje a tu corazón de fuego y alma de poeta.

(By Eurice)

Aunque muchas personas han dudado sobre lo anteriormente dicho, pocas veces se puso en tela de juicio esta versión de los hechos, sobre todo porque no había pruebas para refutarla. Pero ahora todo parece haber cambiado, porque apareció un libro llamado “Jim Morrison: el fin” que reconstruye la escena de la muerte y da otros datos.
El autor de esta publicación es Sam Barnett, que en 1971 tenía 20 años de edad, y era el gerente de Rock and Roll Circus, una discoteca parisina a la que acudían las estrellas de rock. Morrison no era la excepción. Según lo cuenta Barnet en este libro, el cantante murió de una sobredosis de Heroína en el baño de esa disco.
Al parecer Jim se dirigió al baño y murió sentado en el inodoro como consecuencia de un exceso de esta droga en su organismo. Barnett, junto con un guardia de seguridad comenzó a buscarlo, y cuando lo encontraron ya había fallecido. Entonces dos narcotraficantes tomaron el cuerpo ya sin vida, lo trasladaron a su casa y simularon una muerte natural, que dio origen a la versión oficial que circuló hasta ahora.
Cabe preguntarse entonces cual fue el papel que jugaron Sam Barnett y Pamela Courson en todo esto. Bien, según lo afirmó el autor del libro, todas sus intenciones giraban en torno a llamar a los paramédicos, ya que Jim supuestamente no estaba muerto, sino inconsciente. Pero el dueño de la discoteca en la que ocurrieron estos hechos se lo prohibió con la intención de no generar polémica.
Y en cuanto a la mujer de Morrison, quién apoyó la versión de la muerte natural en la bañera, no podemos saber nada, porque esta chica falleció pocos años después de la muerte del lider de The Doors.
En fin…nosotros no podemos determinar cual de las dos versiones es la real. Lo cierto es que no hubo autopsia sobre el cuerpo para determinar la causa de muerte. Jim Morrison fue enterrado en un cementerio de París en "Père Lechaise" y su tumba es visitada por miles de fanáticos cada año, entre los que me incluyo, cuando voy a París me dejo caer por allí.

Fuentes:

Wikepedia
F.esmas
http://poemasdejimmorrison.blogspot.com/ http://poemasdejimmorrison.blogspot.com/2007/08/american-prayer.html

Este post está dedicado a Tempus fugit por comulgar en tantos aspectos de la vida.

JIMI HENDRIX

2010-03-23T07:36:00.020+01:00

James Marshall «Jimi» Hendrix (nacido como Johnny Allen Hendrix; Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 - Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense.

Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia del rock, además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.
Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocada, y sin embargo brillante. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.
Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.
En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (nº6). En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de, B. B. King, Angus Young, Chuck Berry, Keith Richards y Jimmy Page.

Adolescencia e inicios

Nacido en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.
El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.
Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados como Robert Johnson Y B.B. King; entre otros. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.
En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.

El acercamiento a la escena musical
Una vez obtenida la baja, "Buster" (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals. El grupo comenzó a exhibirse en locales de la zona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias "en vivo" de Hendrix.

Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errática, formando parte en la gira del llamado Chitlin' Circuit convirtiéndose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de músicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin' Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilística; en este contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues.

Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que había encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día más conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem). La amistad con los gemelos Allen pronto resultó ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cuál los gemelos Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters). También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne "Fayne" Pridgeon. Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se reveló esencial también en su inserción en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente musical underground de Harlem.

La subida hacia el éxito
Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco después se convertiría en un éxito radiófonico.

Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C..

En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadía en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop; entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter.Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.

The Jimi Hendrix Experience

1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, y al productor Seymour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y - con gran desilusión de Hendrix - toda prospectiva de inserimiento se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y manager; después de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenía buenas perspectivas por delante y se convenció a sí mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo con fuzz que el guitarrista le había ilustrado podía convertirse en un "single" de lanzamiento.

Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para firmar un contrato con el soporte del manager saliente de Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente. Después de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell.

Había nacido la Jimi Hendrix Experience.

El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa batería de Mitchell y de las lineas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena del Swinging London en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros angustiosos en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck de los Yardbirds, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto de entrar en el panteón de la música rock de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records.

El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente Hey Joe, retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido a la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi. En el lado B del "single" se encontraba Stone Free, un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones. La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: Purple Haze y The Wind Cries Mary; las canciones en cuestión se volvieron pilares importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como Killing Floor de Howlin' Wolf (con el que normalmente abrían sus conciertos), Rock Me Baby de B.B. King y Wild Thing de The Troggs.

La consagración estadounidense en el Monterrey Pop Festival

En mayo de 1967, Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en USA, donde aún era desconocida.

La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado - por medio de Paul McCartney - a la histórica edición del Monterey International Pop Festival llevada a cabo el 16,17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor" que popularizó al movimiento hippie en el mundo. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en todo el país norteamericano, su actuación sería inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizo una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks alucinantes.

Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle.
Axis: Bold as Love

El año 1967 vio la salida del sucesor de Are You Experienced? titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado por la poderosa vena ácida y experimental de su antecesor, pero caracterizado por sonidos menos ásperos y más cercanos al funk de James Brown, Blues y Rhythm and Blues. Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora, experimentando con variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, obteniendo resultados sonoros absolutamente innovadores. El disco fue además íntegramente grabado con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, característica destinada a convertirse en standard en la producción del guitarrista.

El disco es además para recordar por los traspiés que lo acompañaron en las fases previas a su salida.

Sucedió de hecho que Jimi olvidó el master tape ya remezclado de la cara A del disco en el asiento posterior de un taxi, sin ningún modo de recuperarlo. El hecho constituía un serio problema ya que los masters originales deberían haber sido entregados poco tiempo después para la impresión del LP; toda la cara A del trabajo tuvo entonces que ser remezclada a partir de los multitrack del bajo en una única noche de trabajo. Hendrix y su histórico técnico Eddie Kramer afirmarían poco tiempo después no estar completamente satisfechos con el resultado

Hubo otros contratiempos relacionados con el diseño de la portada: a causa de un absurdo malentendido, el pedido de Hendrix para que el tema se enfocase sobre sus orígenes indígenas - refiriéndose a las tribu de piel roja nativas de norteamerica - vino totalmente confundida por parte del estudio gráfico británico que se encargaba, y el resultado fue una portada en la cuál Hendrix, Redding y Mitchell lucen los vestidos de las deidades hindúes Durga y Visnú.

De todos modos, el álbum resultó todo un éxito, logrando aumentar considerablemente las solicitudes para actuaciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar en recintos cada vez más amplios. Lamentablemente, la gira no logró acabar de forma positiva: mientras el grupo se encontraba en Escandinavia por algunos compromisos, la noche del 4 de enero de 1968 Hendrix es arrestado en Estocolmo después de haber devastado una habitación del hotel a causa de las drogas y el alcohol
Electric Ladyland

La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmentemente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no superior a 5 minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente heterodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus grabaciones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los 4-5 minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas.

La segunda causa de la dimisión de Chandler, puede encontrarse en la indisciplina que Hendrix manifestaba en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de que las grabaciones debían producirse en un breve espacio de tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le acompañaban, elaborando, re-elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una continua espiral de creatividad; la mayor parte de las veces sabiendo desde dónde partir pero no a dónde llegar, dejándose guiar únicamente por el instinto. Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland estuvieron marcadas por la presencia de numerosos músicos adicionales que iban y venían de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre teclista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.
No resulta extraña pues, la increíble cantidad de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, a pesar de su brevísimo período de actividad, y que puede atribuirse perfectamente a este continuo hacer y deshacer.
Otro aspecto que pudo provocar también el fin del equilibrio fue el exagerado perfeccionismo de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cantidades, hasta ese momento impensables, de variaciones de los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número indeterminado de veces, en espera de encontrar que la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quiso que el tema Gipsy Eyes fuese registrado en bien 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.
La salvaje actuación del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos, preparando así el terreno al suceso que vendría acogido tanto en las exhibiciones en directo del guitarrista como en sus lanzamientos discográficos

El final de Jimi Hendrix Experience
Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos "arranques" del guitarrista. En caída libre estaban también las relaciones con el bajista Noel Redding, él también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix. No era raro, de hecho, que el bajista abandonase el estudio de grabación para calmarse luego de la enésima bronca con Hendrix, y que a su retorno la línea de bajo estuviese grabada por manos del propio guitarrista durante su ausencia.

La última exhibición británica de la banda tuvo lugar el 24 de febrero de 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el "todo lleno". Los dos conciertos fueron además registrados y filmados con fines documentales para una producción Gold & Goldstein que debería haber sido titulada Experience. Las cintas son aún hoy inéditas.

La frustración de Redding derivaba también del hecho de no sentirse a gusto en el rol de bajista, siendo él un guitarrista.; resale al 1968 la formación de su propia banda, los Fat Mattress, que en diversas ocasiones cubrió incluso el curioso rol de banda soporte de la mismísima Experience. A todo esto había que agregar el sufrimiento por la creciente histeria que puntualmente acompañaba los recitales de la Experience: su última exhibición en absoluto, el 29 de junio de 1969 en el Bob Fey's Denver Pop Festival, estuvo marcada por desencuentros y actos de violencia entre el público, y las fuerzas del orden tuvieron incluso que recurrir a gases lacrimógenos para volver a tomar el control de la situación; con los tres miembros del grupo obligados a huir encontrando refugio en el acoplado de un camión asediados por los fans.La ruptura con Redding fue oficializada al día siguiente.

Además de la disolución de la que fuese su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales que lo implicaban en la sede penal y civil; el 3 de mayo de 1969 el guitarrista fue arrestado en el Pearson International Airport de Toronto luego de haberle encontrado hachís y heroína en su poder. Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el hecho de no saber en qué modo las sustancias habían terminado en su equipaje, enfocándose en la tesis de una acción externa.En la sede civil, en cambio, el guitarrista se encontró teniendo que tratar con algunos problemas legales conectados a la disolución del contrato escrito en favor de Ed Chaplin en 1965: el hecho fue resuelto amistosamente, con la disponibilidad del guitarrista a registrar un LP bajo su régimen de producción.

Woodstock y la nueva formación
El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres días de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día (durante la actuación de los pioneros en improvisar en el rock, Grateful Dead), su performance debió ser reprogramada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores pagantes) se había reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.

El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, introducida por el speaker como Jimi Hendrix Experience, pero rápidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Rainbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarristica operada sobre el tema

The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, el todo utilizando nada más que su guitarra.
La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quiso dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea más bien clara, hay que decir que desde hacia un año aquella versión de The Star-Spangled Banner era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa - hecha durante el Dick Cavett's Show - sobre el por qué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente "encuentro maravilloso tocarlo así".
Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, sino más bien al escuchar el tema Machine Gun, contenido en su último LP Band Of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.
Muerte de Jimi Hendrix
El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), a los 27 años, James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido.

Actualmente se tiene una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright , el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que el deceso del guitarrista se debió a que su representante, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que el guitarrista iba a despedirlo. Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, seguro cuyo beneficiario sería el mismo mánager. James Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche de copas, poco antes de morir en un accidente aéreo.

Jimi Hendrix muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones).

Experience Music Project

En 2000, se inauguró en Seattle el Experience Music Project (EMP), diseñado por el arquitecto estadounidense Frank Gehry, un museo construido en honor de Jimi Hendrix y de otros grupos estadounidenses de rock de la costa noroeste del Pacífico. El edificio contiene, además de un archivo histórico, varias salas de exposiciones, un laboratorio de música rock, una tienda y un restaurante en el que se celebran actuaciones en directo.

El sonido, la euforia y la psicodelia

Hendrix era musicalmente empírico, esto significa que no tenía estudios clásicos serios sobre teoría musical. Sin embargo, esto no fue impedimento para lograr generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas; él pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias más allá de lo que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y expansión del género, fue un usuario innovador de técnicas auditivas ejemplificando el poderío del feedback y el trémolo, logrando "riffs" hipnóticos llenos de poder y fuerza, "la guitarra parecía parte de su cuerpo" dice la mayoría que lo admira, sin duda puede sepultarse su imagen en la misma rotonda de los virtuosos, ya que mostró un genio incomparable para lograr elevar a la guitarra como un instrumento ácido, fuerte y pintor de muchas sensaciones anímicas, táctiles y auditivas.

"Disculpen mientras beso el cielo."
Citas
"Cuando el poder del amor sobrepase al amor del poder, el mundo conocerá la paz."
"Hay personas que me imitan muy bien, de hecho copian hasta mis errores en la guitarra."
"El conocimiento habla pero la sabiduría escucha."
"Paz, amor y felicidad para todos"
Lema que Hendrix utiliza en el recital de La Isla the Wight.
"Los periodistas dicen que nosotros actuamos en el escenario, nosotros sentimos la música; ellos actuán cuando hablan bien de la guerra para que mas gente se aliste en el ejército..."
"Cuando rompí mi guitarra fue como un sacrificio, porque uno sacrifica lo que más ama."
Acerca del festival de Monterrey.
"Quisiera hacer una música tan perfecta que pudiera penetrar el cuerpo y curar enfermedades."
"Eso es lo que pasa cuando la tierra se tira a la galaxia"
Lema que Hendrix utilizaba cuando alucinaba en el escenario

Fuente:Wikiquote
Fuente: Wikipedia

Frances Elena Farmer

2010-02-26T14:14:00.015+01:00

Frances Farmer

Frances Elena Farmer (19 de septiembre de 1913 Seattle, Washington, EEUU y falleció el 1 de agosto de 1970Indianápolis, Indiana, EEUU) fue una actriz estadounidense de cine, televisión y teatro.

BIOGRAFIA

Frances nació en Seattle, Washington, hija de Ernest y Lillian Farmer. Tras ganar varios concursos y escribir varios ensayos que resultaron muy controvertidos, se la acusó de atea y comunista.

Estudió drama en la Universidad de Washington y más tarde, en Nueva York, comenzó su carrera como actriz de teatro.

Tras ofecerle la Paramount un contrato de siete años, cuando Farmer contaba con veintidós, se mudó a Hollywood y se casó con el actor Leif Erickson. Su carácter orgulloso y obstinado le hizo perder rápidamente su popularidad en Hollywood, lo que la llevó de nuevo al teatro, que compaginaría más tarde con el cine, de nuevo en la Paramount.

En 1942, se divorció de Erickson.

A partir de este hecho, se vio envuelta en una espiral de escándalos, siendo arrestada por conducir ebria, denunciada por un peluquero del estudio al que supuestamente dislocó la mandíbula de un golpe, y permaneciendo en prisión varias temporadas, donde también agredió físicamente a los policías. Se la llevó a un hospital psiquiátrico de Los Ángeles, donde fue diagnosticada de psicosis maníaco-depresiva y más tarde de esquizofrenia paranoica. Fue sometida a inyecciones de insulina y permaneció recluida nueve meses hasta que se escapó del centro.

De nuevo volvió a Seattle con sus padres, pero las discusiones con su madre eran continuas y, tras agredirla físicamente, fue recluida de nuevo durante tres meses en un hospital psiquiátrico de Washington, donde recibió un duro tratamiento a base de electroshock.

A los 32 años, volvería al mismo centro psiquiátrico, donde esta vez permanecería cinco años, en los que además de la terapia de electroshock al parecer fue violada repetidas veces con el consentimiento de los médicos del centro, y le fue practicada una lobotomía, aunque esto último no está comprobado.

Después de esto, en 1954 se casó con Alfred H. Lobley y trabajó unos años como secretaria en Eureka, California. Más tarde trabajó en un hotel de San Francisco como recepcionista.

Conoció a Leland C. Mikesell, que la animó a escribir un artículo con sus experiencias y con el que se casaría más tarde, tras divorciarse de Lobley, en un matrimonio que duró hasta la muerte de Farmer.

Pasó sus últimos años trabajando en televisón, especialmente en el programa 'Frances Farmer presents'. Murió en 1970, a la edad de 56 años, de cáncer de esófago. Está enterrada en el cementerio Oaklawn Memorial Gardens en Fishers, Indiana.

En relación a la actriz el grupo musical Nirvana dedicó una canción a Farmer, titulada 'Frances Farmer will have her revenge on Seattle' ("Frances Farmer tendrá su venganza en Seattle").

También Courtney Love llevó en su boda un vestido que había pertenecido a Farmer. La cantante francesa Mylène Farmer tomó su apellido en honor a esta actriz y la actriz Jessica Lange fue nominada a un Óscar por encarnar a Farmer en el film Frances, de 1982.

"Creo que Dios simplemente se murió de viejo", decía un pasaje de la redacción que Frances Farmer escribió cuando aún estaba en el instituto. Se titulaba "Dios se muere" y fue la primera vez que la Farmer conoció el escandálo. No sería la última.
Su madre lloró cuando la joven Frances ganó un viaje a la Unión Soviética. En Seattle, todos pensaban que era atea y comunista. Frances sólo quería ser independiente, y su curiosidad por la vida era más fuerte que ella misma.
Era la perfecta chica de los años treinta, preparada para liberarse, dispuesta a culturizarse.
Cuando Howard Hawks la hizo estrella con la película "Come and Get It", todos empezaron a hablar de la intrigante Frances, la extravagante Frances. La loca de Frances.

(Orson Wells -F Farmer)
Siempre dijo que Hollywood no era para ella. No le gustaba ser un símbolo sexual; odiaba ser una cara glamourosa y un escote generoso. Detestaba la prensa del cotilleo y se peleaba con los productores. Cuando le rompían el corazón, ya fuera Leif Erickson o Clifford Odets, sufría más que nadie. Pronto, la Farmer dejaría de ser famosa por sus pocas películas y se convertiría en uno de los más terribles juguetes rotos de la industria.

(John Garfield-F.Farmer-Pat O'brien)
Fue despedida de un rodaje por llegar tarde y borracha y pegar a una de las maquilladoras.

La policía la encontró desnuda en su apartamento. Llevaba allí encerrada demasiado tiempo. En el juicio, insultó a los periodistas. La Farmer era portada de aquello que no quería: el sensacionalismo y la mentira.

Para librarla de la cárcel, Lillian Farmer, su madre, decidió internarla en un lujoso sanatorio, del que salió al poco tiempo.
A partir de ahí, empezó el terrible declive de la relación entre Frances y Lillian. Ésta, empeñada en que volviese a Hollywood, la amenazaba continuamente con confinarla en un centro psiquiátrico. Pero Frances sólo quería ser libre y estar lejos de los focos. Con cada fuga de Frances, Lillian cumplía su espantosa amenaza.
Frances pasó años recluida en manicomios, tras haber perdido judicialmente la potestad sobre sí misma. En manos de su fanática madre, los centros donde la Farmer fue internada eran cada vez más públicos, más baratos y más sórdidos.
A mediados de los años 50, reaparecería en "This is your life", y aseguró con toda serenidad que nunca había sido alcohólica y que jamás había estado loca. "Eso es lo que me hicieron creer".
A continuación, Frances Farmer presentó un show televisivo propio durante varios años, pero su mala salud y su alcoholismo la apartaron definitivamente de las cámaras en 1962.

Tras su muerte en 1970, varias biografías insistieron morbosamente en las estancias de Frances en los manicomios. El más famoso dato, que se trasladó al biopic protagonizado por Jessica Lange, fue que la Farmer había sido sometida a una lobotomía, con la autorización de su madre. Ese hecho ha sido desmentido en los últimos años, por familiares y personal hospitalario.
En cualquier caso, el golpe seco que sin ninguna duda recibió la Farmer fue en su alma; una estocada que la condenó para siempre.

Fuentes: Wikipedia
Josito Montez

STU UNGAR " THE KID" / Una vida al límite...

2010-02-17T19:40:00.018+01:00

Se suele hablar mucho de Stu Ungar como el mejor jugador de poker, o por lo menos el de más talento.Pero como su vida esta llena de anécdotas e historias espectaculares las historias se suelen centrar en estas y en mi opinión acabamos teniendo visiones sesgadas de su vida.

¿Cuál es el verdadero Stu? ¿El tres veces campeón de las WSOP? ¿el drogadicto? ¿el de la memoria fotografica? Revisando fuentes como los artículos de Tom Sexton (el hermano de Mike, uno de los mejores amigos de Stu) en PokerNews, la entrevista que le hizo Gabe Kaplan, o el documental "The rise and fall of Stu Ungar" así como muchos otros artículos y páginas web, he intentado recomponer su vida de forma cronológica para entender mejor quien era Stu 'The Kid' Ungar. Espero que os parezca interesante.

La vida de stu Ungar

Ungar nació el 8 de septiembre de 1953 en el Lower Manhattan. Su padre, Isidore Ungar regentaba un bar pero su verdadero trabajo era llevar apuestas para la mafia.
Aunque su familia intentó alejarlo de la influencia del juego, con apenas 8 años ya ayudaba a su padre a llevar las apuestas y con 10 apostaba en el hipódromo. Stuey tenía coeficiente de genio, pero aunque adelantó algún curso en la escuela nunca llego a ser un buen estudiante.
Cuando su padre murió abandono la escuela para mantener a su madre (que estaba enferma) y a su hermana. Tenía 15 años y aparentaba 7. Consiguió un trabajo de dealer en un garito y hacia el que seguramente fue el único “hustle” de su vida. Su compinche empezaba a jugar Gyn Rummy y cuando le quedaban pocas fichas les pedía a sus rivales que dejaran jugar a su “sobrino”, que procedía a limpiarlos.
Por esta época conoció al gangster Victor Romano, que a cambio de un 20% de sus ganancias lo protegía. Romano tenia también coeficiente de genio (en la cárcel se había memorizado el diccionario entero), era un gran jugador de bridge y seguramente fue la verdadera figura paterna de Ungar.
Ungar empezó a jugar por toda la ciudad acompañado por guardaespaldas y bancado por la mafia.
El juego de Ungar era el Gyn Rummy, un juego parecido a nuestro chinchón pero de 10 cartas. Stu era un adolescente que necesitaba cojines en la silla para llegar a la mesa, pero disfrutaba humillando a sus rivales a cada paso, les leía sus manos en alto y se burlaba de ellos. En una ocasión un rival intento darle con una silla en la cabeza y según Ungar poco después apareció muerto.
Según crecía su fama en Nueva York, la gente le tenía más ganas. Desde Canadá vino para darle una lección el mejor jugador del momento. Stu tenía 16 años y no le dejo ganar ni una mano. 81 a 0. Poco a poco nadie quiso jugar más con el.
Si Stu no tenia rival con las cartas, en las apuestas era todo lo contrario. Tiraba el dinero en cualquier tipo de apuestas
“¿Qué hacía con lo que ganaba? Iba a las carreras. Aquel que dijo que el dinero quema en el bolsillo estaba hablando de mí. Algunos me llamarían apostador patológico. Para mí todo se reduce a que es más importante la acción que el dinero. Soy un adicto de la acción. Apostaría hasta en una carrera de cucarachas”. Stuey Ungar
Pronto estuvo muy endeudado (60.000$) con gente muy peligrosa. Tanto que la protección de Romano no era suficiente y su vida corría peligro, así que se marcho de Nueva York.
“Tenia la protección de Romano así que no creo que me hubieran matado porque era una mina de oro para ellos, pero no quería quedarme a que me presionaran. Seguramente me habrían dado una paliza si me quedo en Nueva York." Stuey Ungar
Se marcho a Miami y a Los Angeles buscando mejores partidas, pero pronto quedo claro que el siguiente paso era Las Vegas adonde llegó en 1976, desesperado por conseguir dinero con el que pagar sus deudas. Nada mas llegar gano un torneo de 1.500$ de Gyn que le reporto 50.000$. En las ultimas dos manos canto carta por carta lo que tenia su rival en la mano.
Pagó parte de su deuda, pero seguía presionado. Consiguió organizar una partida contra Danny Robinson, otro grandísimo jugador que es más conocido por ser el compañero de Chip Reese en su desembarco en las Vegas. Los 100.000$ que le gano le permitieron pagar sus deudas e instalarse en Las Vegas definitivamente junto con su novia Madeline Wheeler y el hijo de esta, (se casarían en 1982 y Stu adoptaría a su hijo).

Stuey vivía en un universo propio. No tenia documentos de identidad, cuenta en el banco, ni sabía las cosas más elementales de la vida diaria. Pensaba que el valor de los cheques venia de la firma de cada uno, y cuando vivía en una mansión con un bankroll de varios millones le cortaron la luz por falta de pago. También son muy famosas las anécdotas de los coches que destrozo “¿porque nadie me dijo que había que ponerles aceite?”.
Ungar había conseguido que nadie quisiera jugar al Gyn con él, ni siquiera dando ventaja así que empezó a jugar al Black Jack. En una ocasión cuando ganaba más de 83.000$ en el Caesar Palace, el manager cerró la mesa. Indignado canto exactamente las 18 cartas que quedaban por salir. Poco después se le negaba la entrada en casi todas las mesas de Black Jack y por cierto desde entonces el Black Jack se juega con un mínimo de 4 barajas. Claro que eso era poco. Ungar ofrecía apuestas a que podía decir las cartas que faltaban en un mazo de múltiples barajas. Finalmente Bob Stupack acepto la apuesta 10 a 1 que no podría cantar las últimas 3 barajas de un total de 6. Ungar predijo correctamente las últimas 156 cartas sin equivocación y se gano 100.000$ y la amistad de Stupak.
En 1982 Stu fue denunciado por un casino de Atlantic city por “capear” la apuesta. El casino alegaba que había hecho trampa al poner mas fichas tras la mano. Bastante ridículo para alguien de sus habilidades. Aunque la multa era de 500$ los llevo a los tribunales y se dejo más de 50.000$ en abogados para probar que no era un tramposo (contar cartas no era ilegal).
Habiendo quemado otro juego cartas, finalmente llego al poker.
La primera mano de poker de Stu fue un día de 1978. Se sentó en la mesa más alta de poker de las Vegas y puso 20.000$ en la mesa. Texas No-Limit. 15 minutos después se habían esfumado. 36 horas más tarde los había convertido en 47.000$
“Yo era un monstruo. Era como Bobby Fisher, a ese nivel. La gente me enseñaba un juego y dos días después era mejor que ellos. Les ganaba a juegos en los que llevaban 30 años jugando… Era un monstruo de la naturaleza” Stuey Ungar

“Nunca he visto mejorar tanto a nadie. De un día a otro veías como mejoraba” Doyle Brunson.

En 1980, a los 24 años, juega su primer WSOP y gana a Doyle en el HU. Se ha comentado que era el primer o segundo torneo que jugaba.

Por si fuera poco, al año siguiente revalidó su titulo. En toda su vida participó en 30 torneos de alto buy-in y ganó 10. En aquella época solo estaban las WSOP y el “Amarillo Slim Super Bowl”. Gano las dos 3 veces. Su juego ultra agresivo y su capacidad de lectura le hacían perfecto para esta modalidad.
"Entendía como ganar botes que nadie mas se atrevería ni a intentarlo. A través de eliminación, patrones de apuestas y como la gente juega, te ponía en una mano. Si te ponía en segunda o tercera pareja, Stuey te sacaba de la mano. Pero Stuey era también muy bueno sabiendo cuanto apostar, cuanto tenia que arriesgar para que te tires de tu mano" Billy Baxter.
"No tenia miedo de arriesgar sus fichas para aprovechar debilidad. Es más difícil de lo que parece; o lo tienes o no lo tienes en ti. Y eso es lo que lo hacia grande.” Puggy Pearson.
Comentan los que le conocían que esta segunda victoria se le subió a la cabeza, y en vez de invertir sus ganancias y planificar su carrera, lo que hizo fue exagerar aun más su estilo de vida.
“El problema de Stu es que nunca entendió el objeto del juego. El objeto de ser un jugador profesional es hacer crecer tu bank, mejorar tu nivel de vida, y el de tu familia” Mike Sexton.
Si ya era un apostador compulsivo, pronto llevo su adicción a extremos que nunca se habían visto en Las Vegas.
Lo mínimo en Stu era llegar a casa de alguien, ver una mesa de billar y proponer jugar por 5000$ la partida sin saber ni coger el taco. Le daba igual quien fuera su rival, un chino campeón de ping pong, o una leyenda del golf. Si le daban acción él estaba dispuesto a regalar su dinero.
Un día llamo a un amigo, y le dijo que se pasara por casa para cobrar una cantidad fuerte que le debía. “¿estás seguro?” “si, ven que acabo de ganar 140.000$ ”. Para cuando su amigo llego a cobrar había perdido esos 140.000 y debía 50.000$ mas. Una vez gano 3.6 millones al poker y tres semanas después estaba arruinado. Pasaría muchas veces.
Ungar despreciaba el dinero. Sabía que siempre podría generar más. La gente hacia cola para bancarlo por el 50% de sus ganancias. De hecho la gente esta de acuerdo que jugaba mucho mejor con el dinero de otros que con el suyo. El suyo lo tiraba en jugadas ultra agresivas.
De todas formas es necesario decir que si los torneos le venían como anillo al dedo, en cash es más que probable que fuera perdedor.
“A Stuey no le importaba ganar, a el lo que le importaba era jugar. Una de las razones de que fuera tan bueno al Gyn es que se juegan todas las manos.” Chip Reese.
“Al final de cada sesión era invariablemente o el gran ganador o el gran perdedor” “era un “steamer” sin solución. La gente habla de muchos calls magníficos que hizo, pero nadie tiene una historia de algún laydown que hiciera” Barry greenstein.

“ Stuey no tenia paciencia para jugar en mesa larga” Carl McKelvey.
Ungar tenía también fama de ser muy maleducado en las mesas. Insultaba, se burlaba, incluso escupía a las cartas. Una vez una crupier dimitió solo para poder pegarle.
“Nunca le he pegado a nadie en los 40 años que llevo jugando al poker, pero a Stu estuve a punto por lo menos 5 veces” Doyle Brunson.
Algunos lo achacan a las drogas, pero ya sabemos como se portaba en Nueva York antes de drogarse.
En 1982 se caso y nació su hija, pero Ungar ya vivía la vida a mil por hora; juego, apuestas, grupies y cocaína, mucha, mucha, mucha (no son suficientes “mucha”) cocaína.
En la entrevista para su autobiografía Stuey comenta como la conoció.

“Yo no bebía, no me metía nada. Era el tío más sobrio que hayas visto. Una vez fui a casa de un amigo (a jugar) y había una botella de cocaína en la mesa. Pregunte ¿Que es eso? Nunca la había visto. La salud de mi madre había empeorado mucho (apoplejía) y la probé. A veces pienso que hubiera pasado si no me hubiera pasado eso en aquel momento”

Stuey era una persona muy excesiva y muy competitiva. Nadie podía seguir su ritmo en nada de lo que hiciera. Si iba a comer, engullía la comida antes de que nadie empezara ni con los entrantes, pagaba la cuenta de todos con una propina enorme y volvía corriendo a las mesas. La cocaína no fue distinta. Aunque la probó en principio para permitirle jugar sesiones maratón de varios días (una práctica muy común en la época) pronto la consumiría a todas horas y en cantidades industriales. Si alguien en una fiesta decía “vamos a comprar un par de gramos” Stuey llamaba a su camello y ponía un cuarto de kilo encima de la mesa para todos.
Su vida se había descontrolado completamente y en 1986 su mujer se divorcio de el. Tres años más tarde su hijo Richie de 18 años se suicidaba colgándose con el cable del televisor en el Hilton Hotel.
Los que le conocían dicen que nunca se recupero de ese golpe. Ungar tenía muy buena relación con su hijo adoptivo. Si antes consumía de manera desmesurada lo llevo a extremos insospechados. Nadie creía que llegaría a cumplir 40 años y sus amigos hacían apuestas sobre ello. Recordemos que Ungar antes de drogarse no llegaba ni al 1.60m ni a los 50 kilos. Lo que ganaba se lo dejaba en drogas y apuestas. Ni siquiera quería jugar al poker. Solo cuando se quedaba sin dinero buscaba quien le bancara y jugaba para ganar suficiente para sus vicios.
Durante las WSOP de 1990 Stu iba chip leader y mandando claramente en su mesa. Al día siguiente no se presento. Lo encontraron tirado en el suelo de su habitación con una sobredosis y tuvieron que llevarlo a urgencias. Tenia tantas fichas que quedo 9º y cobro 20.500$.
Aunque sus amigos intentaban que se desenganchase, Ungar se negaba y continúa con su vida autodestructiva.
Consumía tanta cocaína que su tabique nasal se había desecho. Fue a un medico a que se lo reconstruyesen. Acabada con éxito la operación el medico le pidió que le diera unos días para que cicatrizase y que no la “usase” mientras tanto. Ese mismo día se metió tanta coca que el nuevo tabique colapso, quedándole la nariz tan deforme que la ocultaba con unas gafas de sol.
En 1997 Ungar había tocado fondo. Consumía crack porque ya no podía esnifar, se le habían caído los dientes y ya nadie le quería dejar dinero para que participase en el Main event. En el último segundo consiguió convencer a Billy Baxter para que le pagase los 10.000$ de la entrada. Pero como llevaba 24 horas de un lado para otro tratando de conseguir dinero (lo tumbo un 3 outer en el river del HU en el ultimo satélite disponible con sus últimos 1000$), se quedaba dormido en la mesa y parecía que no podría superar el día. Con apoyo moral de su amigo Mike Sexton y amenazas de su socio financiero consiguió pasar al segundo día y gano su tercer brazalete. En la mesa final elimino uno a uno a todos sus rivales.
Un Stuey exultante enseñaba a las cámaras de la foto de su hija y decía:
“He hecho muchas cosas estúpidas, pero es un hecho que nadie me ha ganado nunca en la mesa de juego. Solo yo he me derrotado a mi mismo”

En una película Ungar se desintoxicaría y viviría feliz el resto de su vida. Su valor en el poker moderno seria incalculable.
En la vida real 4 meses después se había gastado el dinero del premio y estaba otra vez mendigando dinero para jugar en las mesas, que la gente no le quería dar porque sabían que era para drogas.
El año siguiente ni siquiera bajó de su habitación a defender el titulo. Tras toda la noche abusando de todo tipo de drogas, con los dedos negros por la pipa y demacrado
“me mire en el espejo y parecía un preso de Auschwitz. Preferí no defender mi titulo a que me vieran así…”

Unos pocos meses después salía una noche de noviembre del Bellagio habiendo perdido casi todo de los 25.000$ que le había dejado Baxter para que jugara. Nadie sabe que paso esos 8 dias, pero el día 22 se encontró su cadáver en una habitación del motel Oasis. La autopsia dijo que ni siquiera había muerto de sobredosis. Sencillamente su corazón no había aguantado más el ritmo. Tenía 45 años.
Se calcula que Ungar gano y perdió en su carrera mas de 30 millones de dólares. Bob Stupak tuvo que hacer una colecta para pagar el funeral. La flor y nata del poker se presento para despedirse. También hubo que disuadir a algún jugador que se presento amenazando con reventar el funeral si no le pagaban lo que Stuey le debía.

Así acabo la vida de Stuart 'The Kid' Ungar, muy probablemente el jugador de poker con mas talento de la historia.
Fuente: Pac8
Wikipedia

Esta biografia está extraida en su totalidad de Pac8.

Ya sabeis lo que dijo Oscar Wilde:

"Si alguien lo hace mejor que tu, copiale"

Yo añado a la frase;

Pero citando la fuente...

Stuart tuvo una vida apasionante...de todas las biografias que encontré en la red la de Pac8 es la más completa, así que la copie.

JACK KEROUAC / JAZZ POET

2010-01-31T07:29:00.019+01:00

Jack Kerouac (Lowell, Massachusetts 12 de marzo de 1922 - St. Petersburg, Florida 21 de octubre de 1969) novelista y poeta estadounidense. Integrante de la Generación Beat.

Es considerado uno de los autores estadounidenses más importantes del siglo XX; la comunidad beatnik le reconoce como el "King of the Beats" . Su estilo ritmado e inmediato, denominado por él mismo "prosa espontánea", ha inspirado a numerosos artistas y escritores, entre los que destaca el cantautor Bob Dylan. Las obras más conocidas de Kerouac, En el camino (On the Road), considerado el manifiesto de la beat generation, Los vagabundos del Dharma, Big Sur o El viajero solitario, narran de manera ficcional los viajes del autor a través de Estados Unidos. El género cinematográfico del road movie recibe una influencia directa de las novelas de Kerouac, especialmente en el ámbito la técnica narrativa

Jack Kerouac pasó la mayor parte de su vida entre los amplios espacios de EE.UU. y la casa de su madre en Lowell, en el estado de Massachusetts. Esta paradoja refleja en cierto sentido su modo de vida: enfrentado a los rápidos cambios de la época, le fue difícil encontrar un lugar propio en el mundo. Este desarraigo le llevó a rechazar los valores tradicionales de los años 1950, lo que dio lugar al movimiento "beatnik". Sus escritos reflejan la firme voluntad de liberarse de las asfixiantes convenciones sociales de su época así como la búsqueda de un sentido a la existencia. Compañeros de esta búsqueda fueron las drogas, como la marihuana o la bencedrina, y el alcohol. La búsqueda existencial le lleva también a la religión y la espiritualidad, especialmente al budismo. Todo ello en un continuo reanudarse de viajes a lo largo y ancho de Norteamérica.

"Jazz poet"

Tal y como se definía a sí mismo, Kerouac elogia las hazañas del amor (la pasión carnal es para él "la puerta del paraíso"), proclama la inutilidad de todo conflicto armado y considera que "sólo las personas amargas desprecian la vida". Jack Kerouac y sus escritos son así considerados los precursores del modo de vida de la juventud de los años 1960. Son una muestra de la joven Beat Generation "que hizo tambalearse las certitudes de la sociedad americana. Inspiró de manera directa tanto a los movimientos de mayo del 68 como a la oposición a la guerra del Vietnam, o a los hippies de Berkeley y Woodstock. Y sin embargo, a la vez, la Beat Generation enriqueció el mito americano. En el camino, la novela más conocida de Kerouac, es una oda a los grandes espacios, a la epopeya hacia el oeste, al descubrimiento de un nuevo mundo".

Biografía

Primeros años
Su nombre original era Jean-Louis Kerouac (recibía el apodo de "Ti-Jean"). Nació el 12 de marzo de 1922 en el seno de una familia francocanadiense de padres quebequeses originarios de Bretaña instalados en la ciudad textil de Lowell, Massachusetts. Su padre, Léo Keroack (1889-1946), patrónimo que cambia a « Kerouac » al llegar a Estados Unidos, es impresor; es pariente del hermano Marie-Victorin (Conrad Kirouac), escritor y botánico quebequés. Su madre, Gabrielle-Ange Lévesque (1895-1972) es prima de René Lévesque, Primer Ministro de Quebec de 1976 a 1985. Léo Keroack y Gabrielle-Ange Lévesque contraen matrimonio en octubre de 1915.

Hasta los seis años, Jack Kerouac hablaba solamente el francés; aprenderá el inglés como segunda lengua en la escuela. Con cuatro años, asiste a la muerte de su hermano mayor Gérard, de nueve años, a causa de una fiebre reumática. Esta muerte es como "una herida que nunca podrá cicatrizar" y que le llevará más tarde a escribir Visions of Gerard en enero de 1956 (publicado en 1963).

Placa conmemorativa en honor a Jack Kerouac, en su ciudad natal, Lowell, Massachusetts.Jack Kerouac pronto destacó como deportista practicando fútbol americano, ganando una beca para la Universidad de Columbia (Nueva York). Sin embargo, una lesión en su pierna y una discusión con su entrenador frustraron su carrera, por lo que se enroló en la marina mercante.

Empezó a escribir a los diecisiete años y entre sus primeras influencias sobresalieron E. Hemingway, W. Saroyan, T. Wolfe y J. London, hasta el descubrimiento de H. Miller, al que consideró su auténtico maestro.

(Burroughs-Kerouac)
Escribía constantemente cuando estaba en tierra. Asentado en la ciudad de Nueva York, donde conoció a los otros miembros de la Generación Beat, como Allen Ginsberg, Neal Cassady y William S. Burroughs.

(Kerouac-Cassady)

Pasó varios años tratando de encontrar un estilo propio, al que finalmente llamó prosa espontánea o "kickwriting". Cuando le preguntaban acerca de sus opiniones respecto de la escritura, no se esforzaba en hacer diferencias entre la prosa y la poesía. Sostenía que sus ideas se aplicaban tanto a uno como otro género, la espontaneidad como método traspasaba los límites de las formas de la escritura. Le gustaba decir que cuando estaba trabajando en una novela cada párrafo era un poema dentro de un extendido texto que flotaba en el mar de la lengua inglesa.

(House-Jack_-_Winter_Park_Florida )
Su interés por las lecturas orientales y por el zen contribuyó mucho a que se empezaran a difundir en Occidente (véase, por ejemplo, su dedicatoria al poeta chino Hanshan en Vagabundos del Darma).

La fama acabó con el tímido alocado de Kerouac, que tenía la costumbre de presentarse borracho a las entrevistas para intentar superar el difícil trance de explicar la mística de las novelas que había escrito muchos años atrás y nadie se había atrevido a publicar.

Murió a los 47 años debido a un derrame interno, producto de una cirrosis. En su tumba se puede leer el siguiente epitafio "Ti-Jean, ha honrado la vida".

Le fue otorgado un doctorado póstumo por parte de la universidad de Masachusets.

Obras

Sus novelas más famosas son:

The Town and the City ( 1950)
On the Road (En el camino 1957)
The Subterraneans (Los subterráneos, 1958)
Dharma Bums (Los vagabundos del dharma, 1958) y
Big Sur (1962).
Desolation Angels (1965).
Vanity of Duluoz (La Vanidad de los Duluoz, 1968).
Tristessa (1969)

↑ El origen del apellido "Kerouac" o "Kirouac" fue un enigma hasta finales de los años 1990. El único antepasado en Nouvelle-France es Urbain-François Le Bihan de Kervoach, hijo del Notario Real, nacido en Huelgoat, Bretaña. Se identificó y firmó como Maurice-Louis-Alexandre Le Bris de Kervoach en su matrimonio con Louise Bernier, el 22 de octubre de 1732, en Cap-Saint-Ignace, en Quebec. El descubrimiento en el Quebec de los documentos de archivo firmados con sus dos apellidos ha permitido resolver el enigma, según la asociación de familias Kirouac. Nuevas investigaciones han permitido a la genealogista Patricia Dagier explicar las razones del cambio de apellido del antepasado de Jack Kerouac así como poder cerrar finalmente la pesquisa. Estas investigaciones han descubierto igualmente que Jack Kerouac, nacido y bautizado como "Jean-Louis Kerouac", había optado por cambiar de nombre declarando llamarse "Le Bris de Kerouac". Este dato, hasta ahora ignorado por la mayor parte de sus biógrafos, esclarece un parte de la vida y obra del escritor. Véase la biografía de Patricia Dagier y Hervé Quéméner, Jack Kerouac, Breton d'Amérique, Brest: Éd. Le Télégraphe, 2009
↑ Traducción del francés de Dagier, P., Quéménér, H., op. cit., p.23
Fuente: Wikipedia

JOHNNY CASH / The Man in Black

2010-01-21T23:49:00.025+01:00

THE MAN IN BLACK

Johnny Cash, nacido J. R. Cash (Kingsland, Estados Unidos, 26 de febrero de 1932 – Nashville, Estados Unidos, 12 de septiembre de 2003) fue un cantautor estadounidense de country, gospel, rock and roll y rockabilly. Fue uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.

Información personal
Nombre real John Ray . Cash
Nacimiento 26 de febrero de 1932
Origen Kingsland (Arkansas, Estados Unidos)
Muerte 12 de septiembre de 2003
Ocupación(es) cantautor
Información artística
Tipo de voz Bajo-barítono
Alias El Hombre de Negro
(«The Man in Black»)
Género(s) country
Instrumento(s) Guitarra
Período de actividad 1932 - 2003
Discográfica(s) Sun Records
Columbia Records
Mercury Records
American Recordings
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Johnny Cash, fue un cantautor estadounidense de country, gospel, rock and roll y rockabilly. Fue uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.
Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento, los Tennessee Three y, por vestir ropa oscura, lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Empezaba todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I'm Johnny Cash»).

Muchas de las canciones de Cash, como en «I Walk The Line», «Folsom Prison Blues», o «Man in Black», tratan de temas como la pena, la culpa, tribulaciones morales y redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. También compuso canciones humorísticas (como «One Piece At A Time», «The One On The Right Is On The Left» o «A Boy Named Sue»), llenas de vitalidad («Get Rhythm») o con otras temáticas típicas del country, como el ferrocarril («The Rock Island Line»).

Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock, del Country y de Compositores de Nashville.
Primeros años de carrera
En plena Guerra de Corea se alistó en las fuerzas armadas, recibiendo su instrucción en las bases de la Fuerza Aérea de Lackland y de Brooks, ambas localizadas en San Antonio (Texas). Cash fue destinado como operador de radio al Servicio de Seguridad de la Fuerza Aérea Estadounidense (USAFSS, de U.S. Air Force Security Service). Su unidad fue destinada en la base aérea de Landsberg, en Alemania. Allí fundó su primer grupo musical, The Landsberg Barbarians.
Cuando terminó el servicio, Cash se casó con Vivian Liberto, a la que conoció durante su entrenamiento en la base de Brooks. En 1954, se trasladó a Memphis (Tennessee), donde trabajó como vendedor de electrodomésticos mientras estudiaba para ser locutor de radio. Por las noches, tocaba con el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant, a quienes se conocía como The Tennessee Three. Cash se decidió a obtener un contrato de grabación y visitó el Estudio Sun, propiedad de Sam Phillips el dueño de Sun Records. Después de una audición con Phillips, en la que cantó algunas canciones gospel, este le dijo «ve a casa y vuelve con una canción que pueda vender». Cash volvió con nuevas canciones y consiguió un contrato. Sus primeras grabaciones para Sun fueron «Hey Porter» y «Cry Cry Cry», editadas en 1955 y que consiguieron cierto éxito en las listas de country.

El siguiente single de Cash, «Folsom Prison Blues» llegó al Top 5 las listas de country. «I Walk the Line» consiguió el número 1, además de llegar al Top 20 de las listas de pop. A «I Walk the Line» le siguió «Home of the Blues», grabada en julio de 1957. Ese mismo año, Cash fue el primer artista de Sun en editar un LP. A pesar de ser uno de los artistas más prolíficos y con mayor número de ventas de su época, Cash estaba atado a la pequeña Sun. Elvis Presley había abandonado Sun y Phillips mantenía su atención en la promoción de Jerry Lee Lewis. En 1958, Cash dejó el sello para firmar una suculenta oferta de Columbia Records, donde su single «Don't Take Your Guns to Town» se convertiría en uno de sus mayores éxitos.
Su primera hija, Rosanne Cash, nació en 1955. De su matrimonio con Vivian Liberto, Cash tuvo otras tres hijas: Kathleen en 1956, Cindy en 1959 y Tara en 1961. Pero sus frecuentes giras sus también habituales con las droga terminaron su relación con Vivian.

En 1968 se casó con la cantante June Carter, con quien realizaba giras cantando a dúo y mantenía una azarosa relación desde hacía años, tras pedirle el enlace públicamente en un concierto.

Adicción a las anfetaminas
Ya a finales de los 50 Cash tomaba anfetaminas, pero fue durante los primeros años de la década de los 60 cuando Cash comenzó a beber compulsivamente y a tomar muchas anfetaminas, a las que acabó siendo adicto. Durante una temporada, Cash alquiló un apartamento con Waylon Jennings, quien también estaba enganchado a los estimulantes. Cash ocultaba las pastillas a menudo y cuando olvidaba dónde las había puesto acusaba a Jennings de robárselas. Cash las consumía para mantenerse despierto y activo durante sus giras. Sus amigos bromeaban a menudo sobre su comportamiento «nervioso», ignorando muchos de ellos la fuerte adicción que sufría por entonces.

Folsom Prison Blues
Durante su estancia en el ejército, Cash vio la película Inside the Walls of Folsom Prison (1951), que le inspiró para escribir el borrador de una de sus más célebres canciones: «Folsom Prison Blues».

Cash sentía una gran compasión por los presos, lo que le impulsó a realizar una serie de conciertos en varias cárceles. Resultado de estos conciertos son dos de sus álbumes más aclamados, Johnny Cash at Folsom Prison (1968) Johnny Cash at San Quentin (1969).

El álbum at Folsom Prison comienza con una interpretación llena de fuerza de su clásico "Folsom Prisom Blues", mientras que at San Quentin incluye el single "A Boy Named Sue", que se puede clasificar como crossover (se dice de las canciones que mezclan estilos), un tema nuevo compuesto por Shel Silverstein que alcanzó el número 1 en las listas nacionales y el número 2 en el US Top Ten pop charts. Las anteriores versiones de este último single contenían palabras malsonantes que fueron eliminadas en esta época más sensible de su carrera. Las versiones modernas en CD aparecen sin editar ni censurar y, por lo tanto, son más largas que las originales en vinilo, dando así una clara idea de cómo eran los conciertos, con un público muy receptivo compuesto por presos.

Además de sus presentaciones en la Penitenciaría de Folsom, en San Quentin y otras prisiones de los Estados Unidos (no de América, porque América es todo el continente, como decía él mismo), Johnny Cash también actuó en la Prision de Österåker en Suecia en 1972. El álbum en vivo På Österåker ("At Österåker") salió a la venta en 1973. Entre las canciones de Cash se pueden oír frases en sueco, hecho que fue apreciado por los internos.

Cash dejo de usar drogas a principios de 1970, después de una epifanía espiritual en la cueva de Nickjack. Cash redescubrió la religión cristiana, tomando la hostia en Templo Evangélico, una pequeña capilla en el área de Nashville. Cash eligió esta capilla de entre tantas grandes e importantes iglesias de Nashville porque él decía que era un hombre más ahí, y no una celebridad.

American Recordings
Cuando el contrato con Columbia Records llegó a su fin, Johnny Cash firmó con Mercury Records. Editó varios álbumes entre 1987 y 1991, con escaso éxito o reconocimiento. Cash estaba en su momento más bajo de popularidad y en Mercury se despreocuparon de su carrera.

Su carrera tomó un nuevo rumbo hacia mediados de los 90, cuando Cash conoció al productor Rick Rubin. A principios de la década, Cash empezaba a ser reconocido como un icono de la música popular estadounidense por un público más joven aficionado a otros géneros musicales como el indie o el rap. Por ejemplo, en 1991 participó en la versión de «Man in Black» que el grupo de punk One Bad Pig's incluyó en su álbum I Sream Sunday. En 1993 cantó en la canción «The Wanderer», incluido en Zooropa de U2.

Así, en 1993 apareció Rick Rubin, fundador del sello American Recordings especializado en rap y hard rock, quien le ofreció a Cash un contrato para varios álbumes en su sello. Bajo la atenta supervisión de Rubin, Cash grabó su primer álbum para éste, American Recordings. La producción del álbum era muy austera: sólo aparecían Cash y su guitarra. Las canciones fueron grabadas en el salón de la casa del propio Rubin. El álbum fue un éxito total, tanto a nivel de crítica como de público, consiguiendo un Grammy al «Mejor álbum de folk contemporáneo». Cash no sólo gustó a sus fans de siempre, sino que se hizo hueco en una audiencia más joven. Fue aclamado en el Festival de Glastonbury; el propio Cash escribió que tal recibimiento fue uno de los mejores momentos de su carrera. American Recordings fue el comienzo de una carrera repleta éxitos a nivel creativo y comercial.

Johnny Cash y June Carter Cash aparecieron en varios episodios de la serie televisiva La Doctora Quinn, protagonizada por Jane Seymour. La actriz quedó tan contenta con Cash que llamó John a uno de sus hijos. Además, Johnny apareció en Los Simpson poniendo la voz a un coyote que guía a Homer en un viaje espiritual.

En 1996 apareció Unchained, su segunda referencia para American. Esta vez fue acompañado por Tom Petty and the Heartbreakers. Con este álbum volvió a ganar un Grammy como «Mejor álbum de country». Ese año comenzó una nueva autobiografía, que apareció en 1997 como Cash: The Autobiography.
Grave enfermedad

Tumba de Johhny Cash (arriba) y lápida de la familia Cash-Carter (abajo).En 1997, a Cash le fue diagnosticada una enfermedad neurodegenerativa conocida como Síndrome de Shy-Drager. El diagnóstico fue cambiado más adelante por el de neuropatía autónoma asociada a la diabetes. La enfermedad forzó a Cash a acortar su gira. Fue hospitalizado en 1998 con neumonía severa con daños en los pulmones. Debido a su enfermedad, las canciones de sus álbumes American III: Solitary Man (2000) y American IV: The Man Comes Around (2002) se tornaron ligeramente más sombrías que las de sus dos anteriores álbumes para American. El vídeo de «Hurt» de American IV, una versión de Nine Inch Nails fue aclamado tanto por crítica como por el público. Incluso el mismo compositor de la canción, Trent Reznor, afirmó que no ha vuelto a escuchar su propia versión desde que escuchó la de Cash.

June Carter Cash murió en mayo de 2003 a la edad de 71 años. La causa fueron complicaciones posteriores a una operación de corazón. Le había dicho a Johnny que siguiese trabajando y grabando canciones, incluso que diese algún concierto sorpresa en el «Liberto Family Fold», Virginia. Durante un concierto, antes de cantar «Ring of Fire», Cash leyó una declaración sobre June que había escrito rápidamente antes de subir al escenario. Habló sobre cómo el espíritu de su mujer le guardaba y cómo éste le había visitado antes de comenzar el concierto. A pesar de sus problemas de corazón, habló sobre las ganas que tenía de que llegase el día en que pudiese volver a caminar para lanzar su silla de ruedas al lago que había cerca de su casa.

El 12 de septiembre, cuando no habían pasado ni cuatro meses desde la muerte de su mujer, Johnny Cash murió, también a los a los 71 años, debido a complicaciones de su diabetes, con resultado de fallo respiratorio, mientras estaba hospitalizado en el Hospital Bautista de Nashville (Tennessee). Fue enterrado al lado de su mujer en el cementerio "Hendersonville Memory Gardens", cerca de su casa de Hendersonville, Tennessee.

En junio de 2005, su casa de Caudill Drive, en Hendersonville fue puesta en venta. En enero de 2006 fue vendida por 2,5 millones de dólares a una corporación propiedad de Barry Gibb (cantante de Bee Gees). Menos de un año después se declaró un incendio que la destruyó por completo.
El 25 de noviembre de 2004 apareció el cofre de cinco CDs Unearthed: contenía cuatro CDs de música no editada y un quinto CD recopilatorio de su etapa en American. El álbum había sido ideado por el propio Cash antes de su muerte. El 4 de julio de 2006 apareció un quinto volumen de American Recordings: American V: A Hundred Highways. Las partes vocales fueron grabadas antes de la muerte de Cash, pero las instrumentales no fueron grabadas hasta 2005.

Legado e influencia
Desde sus primeros años como pionero del rockabilly y el rock and roll en los años 50, en las décadas en las que fue un representante internacional de la música country y hasta su resurgimiento como icono del country alternativo en los años 90, Cash ha influenciado a incontables artistas y ha sido reverenciado por los más grandes músicos populares de la historia.

Cash ha sido muy valorado incluso por artistas lejanos a su género musical. Como se puede leer en las notas de Unearthed, Bob Johnston (productor y amigo de Cash) contaba como, hablando con un grupo de rap éstos le declaraban «el padrino del Gangsta rap», ya que habían crecido escuchando cómo Johnny Cash cantaba «maté a un hombre en Reno simplemente por verle morir». En su álbum Ego Trippin', Snoop Dogg dedica su canción "My Medicine" a Johnny Cash, a real American gangsta. La banda de punk rock Social Distortion cierra sus conciertos interpretando Ring Of Fire, la cual aparece en su disco Social Distortion.

Cash apadrinó y defendió a artistas de las críticas sobre lo que era o no aceptable en el country, incluso en las épocas en las que él era uno de los símbolos más visibles del establishment country. En 1999 se le ofreció un concierto-tributo en el que tocaron artistas de la talla de Bob Dylan, Chris Isaak, Wyclef Jean, Norah Jones, Kris Kristofferson, Willie Nelson o U2.
Justo después de su muerte fueron editados dos álbumes-tributo; Kindred Spirits y Dressed In Black. En el primero participaron músicos con cierto prestigio, mientras que el segundo era de artistas menos conocidos.
En reconocimiento por el apoyo que prestó a la ONG SOS Children's Villages, su familia lanzó un llamamiento a amigos y fans a que realizasen donaciones a esta ONG en memoria del fallecido. Cash tenía un vínculo personal con el SOS village de Diessen, en el sur de Alemania, cerca de donde estuvo destinado como militar. También estaba involucrado en la SOS village de Barrett Town, cerca de la casa que poseía en Jamaica.
Durante un breve periodo, hubo un museo llamado «House of Cash». La autopista 31E, que pasa por la calle principal de Memphis , es conocida como «Johnny Cash Parkway».

Películas
En 2005 se estrenó la película En la cuerda floja. Johnny y June: pasión y locura (Walk the Line, su título original), dirigida por James Mangold, que narra la vida del cantante. El actor Joaquín Phoenix, quién lo encarnó, estuvo nominado al Oscar al mejor actor. La actriz Reese Witherspoon ganó el Oscar a la mejor actriz por su interpretación de June Carter. Ambos actores ganaron el Globo de Oro en la categoría de «mejor actor de comedia o musical» y «mejor actriz de comedia o musical».

El 12 de marzo de 2006 se estrenó en el «Ethel Barrymore Theatre» Broadway el musical Ring of Fire, basado en la obra de Johnny. En 2006 también se estrena "Silent Hill", la adaptación cinemátográfica del videojuego de mismo nombre, en la cual se oye "Ring Of Fire".
Fuente: Wikipedia
20 minutos

Anaïs Nin

2010-01-16T21:35:00.017+01:00

Anaïs Nin (Neuilly, Francia, 21 de febrero de 1903 - Los Ángeles, 14 de enero de 1977) fue una escritora francesa, nacida de padres cubanos. Después de haber pasado gran parte de su temprana infancia con sus familiares cubanos, se naturalizó como ciudadana norteamericana, vivió y trabajó en París, Nueva York y Los Ángeles. Autora de novelas avant-garde en el estilo surrealista francés, es mejor conocida por sus escritos sobre su vida y su tiempo recopilados en los llamados Diarios de Anaïs Nin, volúmenes del 1 al 7.
Nin comenzó a escribir su diario a comienzos del siglo XX, a la edad de once años. Continuó escribiendo en sus diarios por varias décadas, y a lo largo de la vida conoció y se relacionó con mucha gente interesante e influyente del mundo artístico y literario, así como del mundo de la psicología, incluyendo a Henry Miller, Antonin Artaud, Edmund Wilson, Gore Vidal, James Agee, y Lawrence Durrell.
Anais Nin.
( 1921)
La neurótica, descarada, transgresora, valiente, la bailarina de flamenco, la que al principio no fue tomada en cuenta por algunos editores y tuvo que imprimir sus propios libros, ayudando también a sus amigos, todos ellos escritores underground en Nueva York. La que estaba convencida de que la única anormalidad es la incapacidad de amar. La que mantuvo intensos romances con Henry Miller (quien le dedicó a Anais Primavera Negra) y con su esposa: June Mansfield; con sus psicoanalistas René Allendy y Otto Rank; con Joaquín Nin, su padre, entre otros, y su amistad con intelectuales y artistas como Dalí y Gala, Carpentier, César Vallejo, Pablo Neruda, Chaplin, Cortázar, Blaise Cendrars y Tanguy, André Breton, Antonin Artaud.

Sus padres fueron la cantante cubana Rosa Culmell, de origen francés y danés, y el compositor y pianista cubano Joaquín Nin, ascendencia catalana, aunque este las abandonó pronto, cuando Anaïs contaba con once años. Las circunstancias vitales llevaron a Anaïs a iniciar un diario en fecha muy temprana, como una forma de cobijarse de la realidad.

A los 19 años consigue un trabajo como modelo y bailarina de flamenco y se casa en La Habana (Cuba) con el banquero Hugo Guiler, con el que se marcha a París. Una vida aburrida y la lectura de D.H. Lawrence la convencen para hacerse artista.

En 1930 publica un ensayo sobre Lawrence y un año después conoce a Henry Miller, quedando ambos mutuamente admirados e iniciando una correspondencia apasionada. Se convierten en amantes y ella llega a mantener relaciones incestuosas con su padre, Joaquín Nin, tras reencontrarse con él en París. Al tiempo, la mujer de Miller, June, antigua prostituta, la iniciará en el voyeurismo y el safismo.

Empieza a escribir una novela desde las inquietudes y los presupuestos del París del momento, titulada La casa del incesto. Se inicia también en el psicoanálisis y, tras ser psicoanalizada por Otto Rank, éste le sugiere la escritura como una forma de eludir la obsesión que tiene con su padre. Escribe Invierno de artificio y publica La casa del incesto, edición que confeccionó en una rústica imprenta que montó en una buhardilla de Macdougal Street, en New York y que utilizó para imprimir sus libros y los de sus amigos.

En 1939 emigra a Estados Unidos y allí se convierte en la primera mujer que publica relatos eróticos, Delta de Venus, que denota una fuerte influencia del Kamasutra.

En su propia editorial, publica en 1947 En una campana de cristal, que es bien recibido por la crítica, destacando el comentario de Edmund Wilson. El éxito definitivo le llega en 1966 con la publicación de su diario, aunque al tiempo su salud se resquebraja por causa de un tumor de ovarios. Se la reconoce como pionera de la liberación de la mujer.

Su obra se ha llevado al cine, en 1990 Philip Kaufman dirigió Henry y June, y al teatro, "La casa del incesto" de Georgina Tábora.

En 1973 recibió el doctorado honoris causa del Philadelphia College of Art. Fue elegida para el Instituto Nacional de las Artes y las Letras en 1974. A su muerte, su cuerpo fue incinerado y sus cenizas esparcidas sobre la Bahía de Santa Monica.
Los manuscritos originales de sus diarios, que constan de 35,000 páginas, se encuentran actualmente en el Departamento de Colecciones Especiales de la UCLA (Universidad de California en Los Ángeles)
Fuente: Wikipedia

WILLIAM BLAKE

2010-01-09T21:39:00.005+01:00

William Blake

( Londres (Inglaterra); 28 de noviembre de 1757 – † Ibídem; 12 de agosto de 1827)
Fue un poeta, pintor, grabador y místico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total». Según el periódico The Guardian, «William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido.

Considerar los logros de Blake en poesía o en las artes visuales por separado sería perjudicial para entender la magnitud de su obra: Blake veía estas dos disciplinas como dos medios de un esfuerzo espiritual unificado, y son inseparables para apreciar correctamente su trabajo. Por esta razón, las ediciones ilustradas de la obra de Blake han sido especialmente valoradas en el pasado, hasta que los avances en las técnicas de impresión han permitido una mayor difusión, al hacerse éstas más accesibles.
Las ideas religiosas del poeta William Blake, fascinaron a la contracultura de los años sesenta, ya que este autor romántico inglés pensaba que “el camino del exceso lleva al palacio de la sabiduría”. Sus versos místicos se publican ahora en un cuidada edición bilingüe de El libro de Urizen (1794), que presenta Hiperión acompañada por sus ilustraciones originales y una erudita introducción. Pero ¿son éstas las visiones de un profeta, o de un hereje?.

(La escalera de Jacobs)
Blake es ahora menos conocido como poeta, que por sus muchos dibujos, grabados y aguafuertes, redescubiertos hoy como un claro precedente de la pintura simbolista que conoció Europa a finales del XIX. Pero basta ver las planchas dibujadas y coloreadas que acompañan este libro para ver que no son sino ilustraciones de sus poemas y teorías.

Hace una literatura bastante hermética, aunque de imágenes deslumbrantes, por lo que ya en 1992 Cristóbal Sierra intento aclarar su extraño pensamiento en su Pequeño Diccionario de William Blake. José Luis Palomares ha hecho en este libro no sólo un excelente trabajo de traducción, sino también una dura labor como minucioso exegeta de esta compleja mitología.

Sin llegar al maniqueísmo o catarismo, Blake entiende que vivimos en un mundo falso, ya que está dominado por el Dios de la Ley y no por el Dios de la imaginación. En términos bíblicos, el poeta contrapone el nombre de Elohim, que presentaría la faceta más dura de la justicia de Dios, con Jehová, que correspondería a su cara misericordiosa. La naturaleza y la Ley son fruto para él de la Caída y una creación errónea, por lo que han de dejar paso a la imaginación caótica como esencia de la vida, del gozo, y del Ser esencial. Frente a todo ello está Urizen, un ser duro, viejo y barbado, el Señor del Libro, que como el super-ego de Freud, nos restringe y limita constantemente.

En los años sesenta el pensamiento de Blake se empieza a relacionar con el de otro poeta simbolista Arthur Rimbaud (1854-1891)

Que sigue impresionando a muchos todavía hoy. Ambos parecen sugerir que la forma de vencer el lado oscuro de nuestra vida, que la Biblia llama pecado, es entregándose a él, para disfrutándolo, robarle su poder negativo. Este autor francés decía que para “cultivar el alma” era necesario trastornar los sentidos. Por eso “intenta descubrir todas las formas de amor, de sufrimiento, de locura”, escribía Rimbaud: “Apura todo veneno, para poder quedarte con su quintaesencia”

Influidos por estas ideas, artistas como Bob Dylan cantan sobre un “paraíso”, donde la moralidad y la realidad son de propia elección. Ya que para ellos, tras “Las Puertas del Edén” (1965) no hay moralidad (“no hay pecados”), ni realidad (“no importa lo que sea verdad, o lo que no”), ni juicio (“no hay procesos”). El diablo para Blake ya no es el “gran engañador” de la Biblia, sino el “verdadero hombre”, libre ya de toda tradición o código moral. Es el sueño romántico al que profesan su simpatía los Rolling Stones en 1968. “Los Proverbios del Infierno” de Blake son como una revelación para Jim Morrison de los Doors, en los que encuentra una nueva religión, donde “el camino del exceso lleva al palacio de la sabiduría”....El nombre The Doors, está inspirado en una cita de William Blake:

«Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito», y en el título de un ensayo de Aldous Huxley, inspirado también en la cita anterior, Las Puertas de la Percepción que sirven para pasar al otro lado. Su indulgencia con el mal se convierte en un ritual de purificación espiritual, por “él que desea algo, y no lo hace, apesta” .
Es una religión visionaria, que sigue atrayendo a músicos como Van Morrison, que vive obsesionado por este tipo de experiencias. Albures como “Hermosa visión, el habla inarticulada del corazón”, “Sin gurú, método, ni maestro”, o canciones como “Un nuevo tipo de hombre”, están dedicadas por eso a William Blake, al que relacionan muchos ahora también con el pensamiento esotérico al que desemboca la teosofía con Alice Bailey y Krishnamurti. Pero ya no es un fe basada en la Biblia, como pretendía Blake, sino una mezcla de ocultismo con filosofías orientales al estilo de “la nueva era”.

William Blake murió en 1827 y fue enterrado en una tumba sin nombrar, en Bunhill Fields, Londres. Un monumento fue erigido para él y su esposa. Su vida se podría resumir en su declaración: «La imaginación no es un estado: es la existencia humana en sí misma». Blake ha sido reconocido como santo por la Ecclesia Gnostica Catholica. El premio Blake para arte religioso fue establecido en Australia en 1949, en su honor

Un poema de W.Blake
Para ver el mundo en un grano de arena,
Y el Cielo en una flor silvestre,
Abarca el infinito en la palma de tu mano
Y la eternidad en una hora.
Aquel que se liga a una alegría
Hace esfumar el fluir de la vida;
Aquél quien besa la joya cuando esta cruza su camino
Vive en el amanecer de la eternidad.

Fuente: Wikipedia

Charles bukowski / El gran irreverente

2010-01-03T06:48:00.020+01:00

Charles Bukowski, nacido con el nombre de Heinrich Karl Bukowski (Andernach, 16 de agosto de 1920 - Los Ángeles, 9 de marzo de 1994), fue un escritor y poeta estadounidense.

A menudo fue erróneamente asociado con los escritores de la Generación Beat, debido a sus similitudes de estilo y actitud. La escritura de Bukowski está fuertemente influida con la atmósfera de la ciudad donde pasó la mayor parte de su vida, Los Ángeles en los Estados Unidos. Bukowski fue un autor prolífico, escribió más de cincuenta libros, incontables relatos cortos y multitud de poemas. A menudo es mencionado como influencia de autores contemporáneos y su estilo es frecuentemente imitado. Murió de leucemia en 1994, a la edad de 73 años. Hoy en día es considerado uno de los escritores estadounidense más influyentes y símbolo del "realismo sucio" y la literatura independiente.

Infancia y juventud

Nació en 1920 en la localidad alemana de Andernach. Su madre Katharina Fett, era alemana nativa, mientras que su padre era de ascendencia americana y polaca. Se casaron un mes antes de que Charles naciera.
Con el hundimiento de la economía alemana después de la Primera Guerra Mundial, la familia se mudaría a Baltimore en 1923. Para que sonara más americano, sus padres comenzaron a llamarle "Henry". Más tarde se trasladarían a un suburbio de Los Ángeles. Durante su niñez, su padre, que frecuentemente estaba en paro, maltrataba a Bukowski (hechos que él mismo relata en multitud de poemas y relatos, y en la novela "La senda del Perdedor"). Además, no fue muy bien aceptado en el colegio de pequeño (tenía marcas por la cara debidas al acné, lo cual hacía mayor el rechazo sufrido).Junto con su timidez, hizo que se refugiara en la lectura en la primera etapa de su vida.
Tras graduarse en el Instituto de Secundaria de Los Ángeles cursó estudios de arte, periodismo y literatura en la Universidad de Los Ángeles durante dos años.

Primeras publicaciones
A los 24, su relato corto "Aftermath of a Lengthy Rejection Slip" fue publicado en Story Magazine. Dos años más tarde le publicarían otro relato "20 Tanks From Kasseldown", esta vez en otro medio. Fue cuando Bukowski se desilusionó con el proceso de publicación por lo cual dejó de escribir durante una década. Durante este tiempo estuvo viviendo en Los Ángeles, aunque también pasó un tiempo vagando por los Estados Unidos, dedicándose a trabajos temporales que iba dejando y permaneciendo en pensiones baratas.
Comenzando los años 50, Bukowski comenzó a trabajar como cartero en Los Ángeles, en el servicio postal de los Estados Unidos, en el que permaneció tres años. En 1955 lo hospitalizaron con una úlcera sangrante muy grave. Cuando salió del hospital, comenzó a escribir poesía. En 1957, se casó con la escritora y poeta Barbara Frye, pero se divorciaron más tarde, en 1959. Frye dudaba a menudo de la habilidad de Bukowski como poeta. Una vez divorciados, Bukowski continuó bebiendo y escribiendo poesía.

Años 60
Antes de que empezaran los 60, volvió a la oficina de correos en Los Ángeles, donde continuó trabajando una década. En 1964, tuvo una hija, Marina Louise Bukowski, nacida de su relación con su novia Frances Smith. Más tarde, Bukowski vivió en Tucson un periodo breve de tiempo, donde entabló amistad con Jon Webb y Gypsy Lou, que le influyeron a publicar y vivir de su literatura.

(-Bukoski-Jebb-Gypsy Lou)
Gracias a Webb comenzó a publicar algunos poemas en la revista de literatura "The Outsider". Bajo "Loujon Press" publicaron "It Catches my Heart In Its Hand" en 1963, y "A Crucifix in a Deathhand" dos años más tarde. Fue cuando Bukowski conoció a Franz Douskey, amigo de Jon Webb, a quien solía visitar regularmente en su pequeña casa de Elm Street que también servía como centro de publicación. Webb, Bukowski y Douskey pasaron un tiempo juntos en Nueva Orleans.
Comenzando 1967, Bukowski escribió la columna “Notes of A Dirty Old Man” para el periódico independiente de Los Ángeles "Open City". Cuando "Open City" fue cerrado en 1969, la columna se trasladó a Los Angeles Free Press. Ese año publicó una recopilación de sus mejores columnas escritas para el periódico con ese nombre.

Los años con Black Sparrow Press

En 1969, después de que el editor John Martin de Black Sparrow Press le prometiera una remuneración de 100 dólares mensuales de por vida, Bukowski dejó de trabajar en la oficina de correos, para dedicarse a escribir todo el tiempo. Tenía entonces 49 años. Como él mismo explicó en una carta en ese entonces, “tengo dos opciones, permanecer en la oficina de correos y volverme loco… o quedarme fuera y jugar a ser escritor y morirme de hambre. He decidido morir de hambre.. Pasó menos de un mes tras dejar el trabajo en la oficina de Correos, cuando acabó su primera novela, titulada Post Office (en castellano, El Cartero).
Debido a la confianza que John Martin depositó en él cuando era un escritor relativamente desconocido y a la ayuda financiera, Bukowski publicó casi todo su trabajo literario con Black Sparrow Press. En 1976, Bukowski conoce a Linda Lee Beighle, dueña de un restaurante de comida sana. Dos años más tarde, la pareja se mudó desde la parte este de Hollywood, donde Bukowski había vivido la mayor parte de su vida, a San Pedro, el distrito más al sur de la ciudad de Los Ángeles. Bukowski y Beighle fueron casados por Manly Palmer Hall en 1985. Bukowski habla de ella en la novela "Mujeres" y "Hollywood", en su mayor parte autobiográficos, a través del personaje de "Sara".

Bukowski ha sido traducido a más de una docena de idiomas entre los que cuenta el español, francés, alemán y portugués. Es visto como icono de la decadencia estadounidense y de la representación nihilista característica después de la Segunda Guerra Mundial. Su falta de ambición y compromiso con él y con el resto del mundo, convierten a este escritor en una de las influencias de bastantes autores contemporáneos entre los cuales podemos encontrar a Alberto Fuguet, Pedro Juan Gutiérrez, y al grupo de rock inglés Dogs D'amour.

Bukowski murió de leucemia el 9 de marzo de 1994 en San Pedro, California, a la edad de 73 años, poco después de terminar su última novela "Pulp". Sus restos fúnebres fueron conducidos por monjes budistas. En su lápida se lee: “Don't Try”.

Fuente: Wikipedia

Gracias a él somos muchos los que nos hemos animado a escribir, lo que pensamos como lo sentimos, sin estar sujetos a normas, metodos, rimas o versos.

Sid Vicius

2009-12-29T12:20:00.015+01:00

Simon John Ritchie (Londres, Inglaterra, 10 de mayo de 1957 – † Nueva York, Estados Unidos, 2 de febrero de 1979), mejor conocido como Sid Vicious, fue el bajista del grupo Sex Pistols y una figura icónica del punk.
Estuvo involucrado en el nacimiento del punk pero murió de una sobredosis de drogas con tan solo 21 años. De acuerdo con la biografía de John Lydon (Johnny Rotten) si su nombre era John Beverley o Simon Ritchie "dependía del humor de su madre".
Vicious nació en Londres el 10 de mayo de 1957, hijo de John Ritchie (un antiguo granadero del ejército británico) y Anne McDonald. Poco después su padre los abandonó y Sid se trasladó con su madre a la isla de Ibiza en España, donde se ganaban la vida vendiendo drogas. Posteriormente se volvieron a trasladar a Inglaterra, donde Anne se casó con Christopher Beverly en 1965, antes de trasladarse a Kent.
Su padrastro murió seis meses después y, en 1968, John y su madre se mudaron a un piso alquilado en Tunbridge Wells y el joven comenzó a asistir al Colegio Sandown Court. En 1971 se mudaron al barrio de Hackney, situado al este de Londres.
Según lo dicho por Lemmy Kilmister en una entrevista a la revista Mojo, a los catorce años vendía LSD en los conciertos de la banda Hawkwind.
En 1974, Sid ya había empezado a consumir drogas intravenosas con su madre, en particular anfetaminas. Alrededor de 1975, había empezado a autolesionarse y mostraba tendencias antisociales; algunos informes revelan que había asaltado a varios jubilados. Sid Vicious padecía el trastorno límite de la personalidad o borderline.
Desde niño, Sid siempre mostró fascinación por personajes que alcanzaban la fama rápidamente y morían jóvenes dejando tras de sí un halo de leyenda y misticismo.

Descrito por sus amigos como "esbelto y agradable".

Ritchie tomó el nombre artístico de "Sid Vicious" que venía de una irónica broma relacionada con el hamster de John Lydon (Johnny Rotten), "Sid", que al parecer le mordió y fue llamado "Vicious" (por su connotación en inglés de malicioso) por Sid. Aunque su primer nombre era Simon, él se refería a sí mismo como John. Por ese tiempo ocupaba una casa con John Lydon, John Wardle (Jah Wobble) y John Gray. El grupo de amigos era generalmente conocido como The Four Johns (los cuatro Johns). Una tarde Sid dijo "Volveremos en el 2008, seremos felices, no seremos infelices jóvenes urbanos, sino 'mutantes del cosmos'". Este comentario explicaría la aparición de una serie de sitios que hablan del tema promoviendo ideas alocadas y transgresoras.

Sid hizo un esfuerzo deliberado para encajar con los mitos que surgían en los medios sobre él y su nombre, pero John Lydon comentó que "Sid no podría ni darle un puñetazo a una bolsa de patatas fritas". Fue un marginado.

Sid y los Sex Pistols

Al ser conocido como "el máximo fanático de los Sex Pistols" y ser amigo cercano de Johnny Rotten, la banda le pidió a Vicious que se uniera al grupo después de que Glen Matlock se fuera en febrero de 1977.
El mánager, Malcolm McLaren, dijo una vez: "Si Rotten es la voz del punk, entonces Vicious es la actitud". Su carácter punk sobrepasaba su habilidad al tocar, pues nunca fue reconocido por sus capacidades musicales, aunque sí tenía facilidad innata para la composición como se descubrió posteriormente al saber que "Belsen Was a Gas" fue compuesta por él. En la biografía de los Sex Pistols escrita por Jon Savage, England's Dreaming, cuenta que las partes de bajo de la banda fueron grabadas por el guitarrista Steve Jones y que cuando tocaban en vivo el amplificador de Sid estaba apagado frecuentemente. Además, Lemmy Kilmister de Motörhead contó que Sid le pidió que le enseñase a tocar el bajo expresándole textualmente "no sé tocar el bajo", la respuesta de Kilmister fue, "ya lo sé".
En su autobiografía No Irish, No Blacks, No Dogs, Lydon escribió: "no era tan malo para canciones de tres acordes". Sid tocó su primer concierto con los Pistols el 3 de abril de 1977, en Screen on the Green, Londres.
El debut fue grabado por Don Letts y aparece en Punk Rock Movie.

Nancy Spungen y el fin de los Pistols

En noviembre de 1977 Sid conoció a la groupie Nancy Spungen e inmediatamente comenzaron una relación. Ella era una adicta a la heroína y Vicious, quien ya creía en su propia imagen de "vive rápido, muere joven", pronto compartió la dependencia. Aunque estaban profundamente enamorados, su usualmente violenta y rocosa relación tuvo un efecto desastroso en los Pistols. Tanto el grupo como Vicious se deterioraron visiblemente durante su tour por los Estados Unidos de 1978. Los Pistols se separaron en San Francisco después de su concierto en el Winterland Ballroom del 14 de enero de 1978. Con Spungen actuando como su mánager, Vicious se embarcó en una carrera como solista durante la cual actuó con músicos como Mick Jones de The Clash, el bajista original de los Sex Pistols Glen Matlock, Rat Scabies de The Damned y Arthur Kane, Jerry Nolan y Johnny Thunders de los New York Dolls.

En la mañana del 12 de octubre de 1978, Sid se despertó de un estupor de drogas para encontrar a Nancy muerta en el suelo del lavabo de su cuarto de hotel (cuarto 100 del Hotel Chelsea en Nueva York). Había recibido una única herida de puñalada en el abdomen y aparentemente se desangró hasta morir. Vicious fue arrestado y acusado de su asesinato, pero él decía no tener ningún recuerdo de haberlo hecho. Hay muchas teorías de que Spungen fue asesinada por alguien más, aunque la más usual dice que fue uno de los dos traficantes de drogas que visitaron su cuarto esa noche y que, probablemente, involucraba un robo pues algunos artículos no se encontraron en el cuarto.
Después de declarar por la muerte de Spungen, un periodista entrevistó brevemente a Vicious, quien salió temblando y parecía sobrio, taciturno e introvertido.

Entrevistador: ¿Te estás divirtiendo en este momento?
Vicious: Ja ¿En serio? No, no me estoy divirtiendo.
Entrevistador: ¿En donde te gustaria estar?
Vicious: 3 metros bajo tierra.
Entrevistador ¿Lo dices en serio?
Vicious: (apaciblemente y triste) Sí.
La fianza de U$S 30.000 fue pagada por Virgin Records a pedido de McLaren. El plan era que Vicious grabara un álbum con sus compañeros de los Pistols Steve Jones y Paul Cook para recaudar fondos para su defensa. Éste iba a ser una colección de éxitos incluyendo, según McLaren, "White Christmas" y "Mack the Knife". También se consideró, según Paul Cook, que el álbum fuera a ser una selección de las canciones favoritas de Sid e incluyera pistas de The Stooges, Ramones, New York Dolls y The Heartbreakers. El 2 de febrero de 1979 se celebró una fiesta para celebrar su liberación en la casa de su nueva novia Michelle Robinson. Durante su estancia en la prisión de Rikers Island, Vicious había pasado por una terapia de rehabilitación de drogas y supuestamente estaba curado.

Sin embargo, en la fiesta obtuvo algo de heroína de parte de su novia, quien se negó a darle más droga aun cuando él lo pedía y fue su madre quien le dio una sobredosis suficiente para matar a dos personas, ella pensó que eso acortaría su sufrimiento, pues ella también era adicta desde hace muchos años. Fue descubierto muerto a la mañana siguiente a causa de dicha sobredosis, los medios de comunicación creyeron por muchos años que Sid se había suicidado, pero fue su madre quien confesó el asesinato de su hijo mientras ella se encontraba en su lecho de muerte. Al momento de su muerte, Sid tenía 21 años.

Unos días después de ser incinerado su madre encontró una nota de suicidio en el bolsillo de su chaqueta. Decía:

"Hicimos un pacto de muerte, yo tengo que cumplir mi parte del trato. Porfavor entierrenme al lado de mi nena. Entierrenme con mi chaqueta de piel,vaqueros y botas de motociclista. Adios, Con amor Sid".

Una imagen de Vicious llorando en Madrid, 2006.

La vida de Sid Vicious y su relación con Nancy fue filmada en 1986 por Alex Cox en la película Sid & Nancy - Love Kills (en español: Sid y Nancy - el amor mata). Glen Matlock fue asesor de la obra y Gary Oldman interpretó a Vicious. Iggy Pop también tiene un papel en la película. Esta película ha sido largamente criticada por John Lydon, que dice que no se ajusta en nada a la realidad.
El bajista de la banda norteamericana de punk Ramones, Dee Dee Ramone, escribió la canción Love kills que relata la historia de Sid y Nancy. Esta canción se incluye en el disco Animal Boy de 1986.

En el 2008 la serie Los Simpsons, en el especial de san valentin se muestra una version de la relacion entre Sid y Nancy en donde la interpreta Lisa Simpson como Nancy y Nelson como Sid donde se convierten en adictos al chocolate.
La banda Velvet Revolver en en el video de su cancion Fall To Pieces muestra lo que fue la vida de Sid y Nancy en su relacion.

Fuente: Wikipedia

Oscar Wilde

2009-12-23T10:08:00.018+01:00

Oscar Wilde (n. 16 de octubre de 1854, en Dublín, Irlanda, entonces perteneciente al Reino Unido– 30 de noviembre de 1900, en París, Francia) fue un escritor, poeta y dramaturgo.

(casa natal de Wide en Dublin)
Wilde está considerado como uno de los dramaturgos más destacados del Londres victoriano tardío; además, fue una celebridad de la época debido a su puntilloso y gran ingenio. Su reputación se vio arruinada tras ser condenado a dos años de trabajos forzados en un famoso juicio en el que fue acusado de indecencia grave por una comisión inquisitoria de actos homosexuales.

(Oscar Wilde y Lord Alfred Douglas)
Escritor británico. Hijo del cirujano William Wills-Wilde y de la escritora Joana Elgee, Oscar Wilde tuvo una infancia tranquila y sin sobresaltos. Estudió en la Portora Royal School de Euniskillen, en el Trinity College de Dublín y, posteriormente, en el Magdalen College de Oxford, centro en el que permaneció entre 1874 y 1878 y en el cual recibió el Premio Newdigate de poesía, que gozaba de gran prestigio en la época.

Oscar Wilde combinó sus estudios universitarios con viajes (en 1877 visitó Italia y Grecia), al tiempo que publicaba en varios periódicos y revistas sus primeros poemas, que fueron reunidos en 1881 en Poemas. Al año siguiente emprendió un viaje a Estados Unidos, donde ofreció una serie de conferencias sobre su teoría acerca de la filosofía estética, que defendía la idea del «arte por el arte» y en la cual sentaba las bases de lo que posteriormente dio en llamarse dandismo.

A su vuelta, Oscar Wilde hizo lo propio en universidades y centros culturales británicos, donde fue excepcionalmente bien recibido. También lo fue en Francia, país que visitó en 1883 y en el cual entabló amistad con Verlaine y otros escritores de la época.

(Constance y Cyril)
En 1884 contrajo matrimonio con Constance Lloyd, que le dio dos hijos, quienes rechazaron el apellido paterno tras los acontecimientos de 1895. Entre 1887 y 1889 editó una revista femenina, Woman’s World, y en 1888 publicó un libro de cuentos, El príncipe feliz, cuya buena acogida motivó la publicación, en 1891, de varias de sus obras, entre ellas El crimen de lord Arthur Saville.

El éxito de Wilde se basaba en el ingenio punzante y epigramático que derrochaba en sus obras, dedicadas casi siempre a fustigar las hipocresías de sus contemporáneos. Así mismo, se reeditó en libro una novela publicada anteriormente en forma de fascículos, El retrato de Dorian Gray, la única novela de Wilde, cuya autoría le reportó feroces críticas desde sectores puritanos y conservadores debido a su tergiversación del tema de Fausto.

No disminuyó, sin embargo, su popularidad como dramaturgo, que se acrecentó con obras como Salomé (1891).

Escrita en francés, o La importancia de llamarse Ernesto (1895), obras de diálogos vivos y cargados de ironía. Su éxito, sin embargo, se vio truncado en 1895 cuando el marqués de Queenberry inició una campaña de difamación en periódicos y revistas acusándolo de homosexual. Wilde, por su parte, intentó defenderse con un proceso difamatorio contra Queenberry, aunque sin éxito, pues las pruebas presentadas por este último daban evidencia de hechos que podían ser juzgados a la luz de la Criminal Amendement Act.

El 27 de mayo de 1895 Oscar Wilde fue condenado a dos años de prisión y trabajos forzados. Las numerosas presiones y peticiones de clemencia efectuadas desde sectores progresistas y desde varios de los más importantes círculos literarios europeos no fueron escuchadas y el escritor se vio obligado a cumplir por entero la pena. Enviado a Wandsworth y Reading, donde redactó la posteriormente aclamada Balada de la cárcel de Reading, la sentencia supuso la pérdida de todo aquello que había conseguido durante sus años de gloria.

Recobrada la libertad, cambió de nombre y apellido (adoptó los de Sebastian Melmoth) y emigró a París, donde permaneció hasta su muerte. Sus últimos años de vida se caracterizaron por la fragilidad económica, sus quebrantos de salud, los problemas derivados de su afición a la bebida y un acercamiento de última hora al catolicismo. Sólo póstumamente sus obras volvieron a representarse y a editarse. En 1906, Richard Strauss puso música a su drama Salomé, y con el paso de los años se tradujo a varias lenguas la práctica totalidad de su producción literaria.

(Merrion square Dublín)

Fuente Wikipedia

Otra fuente

A veces podemos pasarnos años sin vivir en absoluto, y de pronto toda nuestra vida se concentra en un instante.(Oscar Wilde)

Béla Lugosi / El Conde Drácula

2009-11-29T15:00:00.001+01:00

Béla Lugosi fue devorado por el vampiro de la droga. La fama, el alter ego, una sociedad refinada y elegante como la del Hollywood de los años treinta tenía que pasarle factura. Era algo así como vivir en el castillo de Drácula durante años y no ser mordido por el vampiro. Así fue el final: machacado por la estaca de las drogas, olvidado por parte de todos y convencido de que realmente era el conde Drácula y que era inmortal.

Béla Lugosi fue el nombre artístico del actor Béla Ferenc Dezső Blaskó (20 de octubre de 1882 - 16 de agosto de 1956). Nació en Lugoj, Transilvania, región del Reino de Hungría que estaba anexionado al Austro-Húngara (hoy Lugoj, Rumania), siendo el más pequeño de los cuatro hijos de un banquero.
Orígenes
Lugosi comenzó su carrera como actor en Europa, trabajando en distintas obras de Shakespeare. Sin embargo, se dio a conocer realmente con su papel de Conde Drácula en la adaptación cinematográfica de la clásica historia de vampiros de Bram Stoker llevada al cine por el director Tod Browning en 1931, el cual consiguió por su actuación en Broadway del mismo personaje.
Durante la Primera Guerra Mundial participó como teniente de infantería y tras la contienda formó parte activa en la izquierda de su país y fundó el sindicato de actores. En 1917 contrajo matrimonio con Ilona Szmik de quien se separaría en 1920.
Tuvo que exiliarse debido a su actividad política primero a Alemania en 1919 y posteriormente abandonó Europa y se marchó a los Estados Unidos. Allí recibió el papel de su vida, el del Conde Drácula, que interpretó primero en los teatros de Broadway y en diversas giras y que posteriormente llevó a la pantalla de la mano de Tod Browning en Drácula de 1931.

Pronto descubrió su vocación de intérprete y ya de joven comenzó a representar obras de Shakespeare en su país natal. Cuentan algunos que intentó también hacer carrera política por el sendero del comunismo. Tras luchar en la I Guerra Mundial, decide irse de Hungría y en 1921 aterriza en los Estados Unidos. Muy propio de los comunistas que desearon un mundo feliz para prójimo bajo la mirada de Lenin mientras, sin embargo, buscaban su propia felicidad en las tripas del capitalismo más desaforado y perverso. Todavía tiene más gracia que una vez situado en America, el actor de pensamiento comunista, se viera devorado por la vida de Hollywood hasta el punto de casarse con una millonaria –Beatrice Week- a la que no quiso nunca, pues fue afamado amante de otras mujeres. De pequeños papeles se alimentó Lugosi hasta llegar a la puerta de su casa el prestigioso director Tod Browning quien tenía el encargo de rodar una película sobre la vida del Conde Drácula. Y de ahí a la gloria del éxito. A pesar de que hubo críticos de cine que fueron demasiado duros con el bueno de Bela, el actor húngaro se hizo famoso no sólo en Hollywood, sino en el mundo entero con su papel de Drácula.

Fue el inventor del frac de fiesta, de la capa con forro color bermejo y de la gomina exagerada. Nadie le puede negar a Bela Lugosi que logró darle personaje de Drácula ciertos dotes de personalidad que todavía le dura. Su enfatizada interpretación del personaje –fue siempre actor de teatro y olvidó que en el cine existen los primeros planos- hizo por su parte que le criticaran definiéndolo como un actor que “los primeros cinco minutos daba risa para después dar pena el resto de la película”.

A partir de ahí, Béla Lugosi protagonizó toda una escalada derecha al estrellato con papeles siempre relacionados con el personaje de Stoker.

Pasó de ser el más sofisticado Drácula hasta llegar a la decrepitud más delirante. Comenzó a protagonizar películas de la serie B donde el personaje era ridiculizado, prestándose Lugosi a tal crueldad.

Después vino la parte en la que trabajó con Ed Wood, catalogado por casi todos como el peor director de la historia del cine. Con Wood protagonizó hasta tres películas.

Poco a poco fue perdiendo la cordura. Conforme la fama iba disolviéndose en el agua del olvido, su poder adquisitivo fue también perdiendo solidez. Para colmo de males, Béla Lugosi tenía problemas con las drogas. Cuenta algunos que acabó prácticamente arruinado, pidiendo dinero por las calles de Hollywood vestido de Drácula y asustando a las chicas cuando regresaban a casa después de salir de la oficina. Concedió entrevistas vestido de esta guisa y también cuentan que dormía cada noche con su frac renegrido en el interior de un ataúd. Se metió tanto en su papel que llegó a no discernir dónde estaba la realidad y dónde la ficción.

En el año 1956, y con 73 años de vida, Béla Lugosi dejaba el mundo mortal de los no vampiros.

Precisamente esto era lo que gritaba mientras se encontraba con la negra muerte. Que era un vampiro y que no estaba destinado a un final. La leyenda es muy perversa, y alguien alguna vez escribió que cuando expiró el último suspiro, desde la habitación del hospital donde estaba ingresado, salió por el pasillo un gran murciélago que cruzó el corredor buscando una ventana por donde escaparse y perderse en la infinidad del ocaso. Todavía nadie ha sabido dar explicación a tan extraño suceso.

Fuentes: Wikipedia
Cajón de apuntes

Àrthur Rimbaud

2009-11-28T00:39:00.013+01:00

Arthur Rimbaud nació en Charleville, una pequeña y tranquila ciudad del norte de Francia, cercana a la frontera belga, el 20 de octubre de 1854. Sus padres fueron el capitán Frederic Rimbaud y Vitalie Cuif, hija de una familia de pequeños terratenientes de la zona. Compartió su infancia y vida en el hogar con su hermano Frederic y sus dos hermanas, Vitalie e Isabelle.
El padre abandonó la familia cuando Arthur tenía seis años, dejando a está con unos ingresos muy reducidos. La madre, que se hizo cargo de la administración de la casa y cuidado de los niños, tuvo una gran influencia en el desarrollo del primer carácter del joven Rimbaud.
En realidad Vitalie fue una madre muy rígida y estricta en lo concerniente a la educación de sus hijos. Todos los días los iba a buscar a la salida del colegio y no les permitía mezclarse con otros niños. Inculcó en ellos unas enseñanzas profundamente religiosas.
A los once años Rimbaud entró en el instituto de Charleville, destacando pronto como uno de sus más brillantes alumnos. Fue uno de los mejores y más prometedores estudiantes, siendo considerado siempre como un modelo por los profesores del centro, y obtuvo casi todos los premios en los exámenes finales cuando tenía sólo catorce años, frente a alumnos de mucha más edad.
Influyó mucho en su formación el profesor Izambard, que tenía sólo veintiún años cuando llegó al instituto en 1870, convirtiéndose en un amigo y mentor del destacado alumno y fomentando el desarrollo excepcional y precoz de Rimbaud.
El comienzo de la guerra Franco-Prusiana en 1870 coincidió con el final del curso escolar, en el que Arthur recogió gran cantidad de premios del instituto. Pero este sería el final de su formación académica. No tenía aún dieciséis años.

LAS ESCAPADAS

Rimbaud se escapó de casa por primera vez en el verano de 1870. Después de viajar sin billete en el tren hasta París y de pasar casi una semana en los calabozos de la policía, fue Izambard quien lo devolvió junto a su madre en Charleville. Pero este fue sólo el inicio de sus numerosos vagabundeos de aquella época por el norte de Francia, París e incluso Bruselas.
Durante el tiempo que pasaba en su pueblo natal su forma de comportarse cambió radicalmente. El estudiante ejemplar se había convertido en un gamberro: se paseaba con aspecto desaseado, el pelo largo, la ropa raída, fumando en pipa y bebiendo y blasfemando por los bares de la zona.
Sin embargo, también fue una época de producción intelectual. El descubrimiento de la obra de Baudelaire y Verlaine, junto a su estudio en profundidad de los tratados ocultistas e iluministas influyeron en su poesía.
En sus "Lettres du Voyant", 2 cartas escritas en 1871, esboza su doctrina poética: La poesía debe dejar de ser una expresión personal, reflejo del mundo que la rodea, y no ser un fin en si misma sino un medio para explorar el más allá y un vehículo para llegar hasta él. La literatura estará ligada con el don profético y con el misticismo. El poeta se convertirá en un médium. "Je est un autre" (Yo es otro), repite varias veces. Es célebre también :"Le Poète se fait voyant par un long, inmense et raisonné dèréglement de tous les sens" (El poeta se hace vidente por medio de un largo, inmenso y razonado desarreglo de todos los sentidos).
Entre sus poemas de este tiempo destaca "El Barco Ebrio", donde Rimbaud alcanzó una de las cumbres de su arte y produjo también una de las grandes obras maestras de la poesía francesa. Sólo contaba dieciséis años.

TRASTORNOS
Rimbaud envió sus poemas a Verlaine, que se sorprendió de la originalidad de los mismos y contestó con una invitación a viajar a París. No sólo le mandó dinero para el billete del tren, sino que le alojó con él y su esposa.
La llegada se produjo en el otoño de 1871. Por entonces Verlaine vivía con su mujer y sus suegros en una respetable villa de París. Rimbaud se presentó extraordinariamente sucio y desaliñado, sin equipaje de ningún tipo excepto una considerable carga de piojos. Si añadimos a esto el comportamiento salvaje del joven poeta, no es de extrañar que la familia lo rechazara inmediatamente. Verlaine, sin embargo, distaba mucho de la estrechez de miras de sus suegros y enseguida se unió fuertemente al recién llegado.
La familia de Verlaine culpó a Rimbaud de ser una mala influencia sobre él, pero lo cierto es que el primero ya tenía antecedentes de alcoholismo y comportamiento violento antes de la llegada del su joven amigo. Ambos poetas mantuvieron una relación complementaria e intensa durante los siguientes años.
Cuando Rimbaud se fue de la casa, Verlaine lo buscó y lo encontró varias semanas más tarde viviendo en la calle y en un estado penoso. Lo alojó durante cierto tiempo en habitaciones y estudios de amigos poetas y artistas hasta que alquilaron una pequeña habitación.
Cuando su poesía y su persona fueron rechazados por los círculos de letras de París, Rimbaud no hizo nada para congraciarse, sino que ponía todo lo que estaba de su parte para hacerse desagradable. Una noche, en una cena literaria se comportó de manera vergonzosa y nunca más volvió a ser invitado. Rimbaud, bastante borracho, marcaba el final de cada verso que era recitado con la palabra merde, pronunciada con voz clara y fuerte. Cuando el fotógrafo Carjat se encaró con él, el poeta desenvainó el bastón-espada de Verlaine. Finalmente, los otros comensales lograron calmarle.
Los dos poetas pasaban el tiempo bebiendo ajenjo y manteniéndose en un estado de más o menos permanente ebriedad. Experimentaban con el opio y otras drogas, y cuando cerraban los cafés continuaban sus juergas y orgías en el pequeño cuarto hasta bien entrada la mañana. Estos excesos de todo tipo eran buscados deliberadamente por Rimbaud, como parte del camino que debería desembocar en el completo desarreglo de todos los sentidos.

BELGICA/BRUSELAS
El período que va desde mediados de 1872 hasta julio del 1873 fue abundante en viajes para los dos amigos. Ambos partieron de París en julio de 1872 con destino a Bruselas. Mathilde, la esposa de Verlaine, corrió a buscar a su marido con el propósito de llevarlo de regreso a Francia; pero no lo consiguió, ya que Verlaine decidió continuar con Rimbaud.
En septiembre de 1872 se trasladan a Londres, en donde permanecen hasta abril de 1873, fecha en que Rimbaud retorna a la granja familiar en Roche, y en la que comienza a escribir "Una Temporada en el Infierno", su más célebre libro de poemas.
Pero Verlaine, que se siente angustiado y solo, sin su amigo y sin su familia, convence a Rimbaud para volver a Londres. Esta nueva etapa en Inglaterra supone para los dos poetas una época de desencuentros, peleas y rencillas. Rimbaud despreciaba a Verlaine por su debilidad y por su autocompasión. Verlaine detestaba las burlas, las "escenas" y el comportamiento cruel y violento de su joven amigo.
Finalmente, en julio de 1873, Verlaine abandona a Rimbaud para volver a Bruselas, desde donde escribe a su familia y amigos anunciando su intención de suicidarse. El 8 de julio telegrafía a Rimbaud pidiéndole que acuda a reunirse con él.
Cuando Rimbaud llegó al hotel donde se alojaba Verlaine, lo encontró ebrio y sumamente excitado. Intentó tranquilizarlo, sin conseguirlo, durante largo tiempo. Cuando, cansado, le comunicó que partiría de inmediato hacia París fue cuando se produjo el desenlace que terminaría con la amistad entre los dos poetas.
Verlaine sacó una pistola y disparó dos veces, hiriendo a Rimbaud en una muñeca. Después Verlaine se desmoronó. Entró en una crisis de llanto y le tendió el arma a Rimbaud, rogándole que acabase con él. Más tarde, y ya más calmado, acompañó a su amigo al hospital, en donde le vendaron la herida. Finalmente fueron juntos hasta la estación del ferrocarril, ya que Rimbaud continuaba inflexible en su propósito de abandonar Bruselas.

Cuando vió que su amigo se disponía a subir al tren, Verlaine volvió a perder por completo el dominio de si mismo. Rimbaud vió como empuñaba la pistola dentro del bolsillo del abrigo y, temiendo que le disparase de nuevo, huyó para pedir protección a la policía. Verlaine pasó dos años en prisión como consecuencia de las acusaciones que el estado belga vertió sobre él. En cuanto a Rimbaud, este episodio provocaría el final de su intensa relación con Verlaine, con el que volvería a encontrarse fugazmente en otra única ocasión, en 1875, tras la salida de la cárcel de este último.

ÁFRICA

En julio de 1873 Rimbaud vuelve a Roche y termina "Una Temporada en el Infierno". El poeta llevó a París algunos ejemplares del libro, que había editado personalmente en Bélgica, y los repartió entre sus amigos y conocidos. Pero "Una Temporada en el Infierno" fue mal acogido por los círculos literarios parisinos y Rimbaud regresó apesadumbrado a Charleville, donde arrojó al fuego todos sus papeles y manuscritos.
No se sabe con certeza si el último trabajo literario de Rimbaud fue "Una Temporada en el Infierno" en 1873 o si algunos de los poemas de las "Iluminaciones" fueron escritos con posterioridad a esta fecha. Sin embargo, los biógrafos están de acuerdo en afirmar que Rimbaud abandonó definitivamente la literatura entre los años 1873 - 1875; es decir, cuando solamente tenía veinte años de edad.

Rimbaud estuvo en Inglaterra en 1874, y después partió para emprender una vida de vagabundeo que durante los cinco años siguientes le llevaría a recorrer toda Europa, aventurándose incluso hasta El Cairo, Alejandría y las Indias Orientales. Así, en 1879 ya había cruzado los Alpes a pie, se había alistado en la armada colonial holandesa y desertado en la isla de Java, había visitado Egipto y trabajado como capataz en la isla de Chipre, sufriendo en todos estos lugares enfermedades y penurias. En 1880 encontró trabajo al servicio de un comerciante de café en Adén (en el Yemen actual), el cual lo envió como delegado comercial a Harar (en la actual Etiopía). Fue el primer hombre blanco en viajar a la región de Ogaden en Etiopía y la narración de su expedición fue publicada por la Sociedad Nacional Geográfica de Francia en 1884. Más adelante probó también fortuna como traficante de armas e incluso como tratante de esclavos, en distintas expediciones al interior de África.

Durante todo este tiempo Rimbaud permaneció en contacto con su familia por medio de numerosas cartas, en las que constantemente se quejaba de las duras condiciones de su vida diaria. Cualquier rastro de su afán literario había desaparecido y su principal ambición era entonces el ahorrar tanto dinero como fuera posible, para poder vivir holgadamente a su retorno a Francia.
Durante este periodo de expatriación, Rimbaud empezó a ser reconocido en Francia como poeta. Verlaine había escrito sobre él en "Los Poetas Malditos" (1884) y publicado una selección de sus poemas, que fueron recibidos con entusiasmo. Habiendo tratado de ponerse en contacto con Rimbaud, y sin haber obtenido respuesta, Verlaine llegó a pensar que éste había muerto. En 1886 se publicaron en La Vogue los poemas en prosa de las "Iluminaciones", que Verlaine presentó como el trabajo del último Arthur Rimbaud.
Rimbaud tuvo que vender todas sus propiedades en Etiopía cuando, en febrero de 1891, enfermó de un tumor en la rodilla. Fue enviado a Francia donde poco después de su llegada a Marsella tuvieron que amputarle la pierna derecha. En julio volvió a la granja de su familia en Roche, pero su salud empeoró. En agosto regresó a Marsella, donde permaneció en un hospital hasta su fallecimiento, el 10 de noviembre de 1891.
ESCRITOS

El único libro que Rimbaud publicó durante su vida fue "Una temporada en el Infierno", editado a expensas del propio poeta. Rimbaud sólo llegó a recibir de la editorial los cinco o seis volúmenes reservados al autor, y el resto de los ejemplares nunca fue distribuido. En el año 1901 se encontró en un almacén belga la totalidad de la edición de esta obra, que nunca fue pagada ni recogida por el poeta.
Sin embargo, durante la última etapa de su vida Rimbaud gozó de cierta notoriedad entre los círculos literarios franceses. Esto se debió en parte a la aparición de una selección de sus poemas en el libro "Los Poetas Malditos" de Verlaine y a la publicación de las "Iluminaciones" en la revista La Vogue en 1886; y también en parte al aura de leyenda que comenzó a forjarse en torno a la figura del poeta. Así se refleja en el texto aparecido en la revista La France Moderne, en febrero del 1891, cuando sus redactores creyeron haber dado con el paradero de Rimbaud en África:
"¡Esta vez lo hemos encontrado! Sabemos dónde se halla Arthur Rimbaud, el gran Rimbaud, el único Rimbaud verdadero, el Rimbaud de las Illuminaciones. Proclamamos conocer el escondite del famoso desaparecido."
Después de la muerte de Rimbaud se realizaron numerosas recopilaciones de su obra. La clasificación generalizada de sus primeros poemas los divide en dos grupos: "Poemas" (escritos antes de la llegada de Rimbaud a París en 1871 y que son los recopilados y prologados por Verlaine en "Poesías Completas" (1895)) y "Nuevos Versos y Canciones" (publicados con posterioridad).
Obra
Poemas ( "Primeros Poemas", hasta 1871)
Nuevos Versos y Canciones (conocidos también como "Últimos Versos", escritos en 1872)
Una temporada en el infierno (1873)
Iluminaciones (recopilados por el propio Rimbaud en 1874)
Otras obras
Cartas del Vidente (las llamadas Letres du Voyant, son dos cartas escritas en 1871 a sus amigos Izambard y Paul Demeny, en las que Rimbaud esboza su doctrina poética).
Album Zutique (se llama así a los poemas satíricos escritos por el grupo de amigos de Verlaine - apodados el Circle Zutique - que se reunía en el Hotel des Etrangers y que ridiculizaba frecuentemente la obra de otros poetas).
Les Stupra (tres poemas satírico-obscenos atribuidos a Rimbaud, escritos en 1872 y publicados por primera vez en el 1923).
Cartas desde África (son las escritas durante la etapa africana de Rimbaud a su familia, en las que tan amargamente se quejaba del aburrimiento y las penalidades pasadas en Harar).
Un Couer dans une Soutane ("Un Corazón bajo una Sotana". Texto atribuido a Rimbaud, escrito en torno al 1870).
Fuente:

Cuando alguien lo hace mejor que tu, copiaselo pero cita la fuente.(Oscar Wilde)

*·†· LA MARCHA FÚNEBRE ·†·*

TENNESSEE WILLIAMS / EL MEJOR DRAMATURGO DEL SIGLO XX

Robert Mapplethorpe / El fotografo del escándalo Corcoran

Carlos Gardel / El Morocho del Abasto

John Cassavetes / El gran director

Elvis Presley / 33 años de su desaparición

Isak Dinesen / Karen Blixen-Finecke- Memorias de África.

Charles Baudelaire / El gran maldito

ANTONIN ARTAUD / El más grande entre los malditos

Tupac Shakur -2pac- / El mejor rapero de la historia

JIM MORRISON / AN AMERICAN POET

JIMI HENDRIX

Frances Elena Farmer

STU UNGAR " THE KID" / Una vida al límite...

JACK KEROUAC / JAZZ POET

JOHNNY CASH / The Man in Black

Anaïs Nin

WILLIAM BLAKE

Charles bukowski / El gran irreverente

Sid Vicius

Oscar Wilde

Béla Lugosi / El Conde Drácula

Àrthur Rimbaud

·†· LA MARCHA FÚNEBRE ·†·